Bergdorf Filzmoos mit der Bischofsmütze / Foto: Christa Linossi
Im kleinen Bergdorf Filzmoos am Fuße der Bischofsmütze im Salzburger Land wurde erstmals ein Bergfestival für zeitgenössische Kunst von dem Künstler John Wieser und Peter Donabauer (Tourismuschef von Filzmoos) ins Leben gerufen.
21 Tage lang arbeiteten 21 Künstler*innen an ihren Kunstwerken, die sie dann auch an den schönsten 21 Plätzen (Hotels und Almhütten) präsentierten.
Kuratiert wurde das MOUNTAIN-ART project 2021 von John Wieser (ebenfalls Künstler).
Eine Themenvorgabe gab es nicht, es ging eher darum, dass sich die Künstler*innen von der faszinierenden Landschaft, der märchenhaften Naturlandschaft von Filzmoos inspirieren ließen. Diese malerische Landschaft eingebettet zwischen majestätischen Bergen, sanften Almwiesen, rauschenden Wildbächen waren der Impulsgeber für die künstlerischen Arbeiten, die hier entstanden sind.
Elena Kraft Portrait / Foto: Christa Linossi
Ich habe mir vor Ort einige Arbeiten angesehen und es gab sehr interessante Arbeiten. Die Arbeit von Elena Kraft, eine ausdrucksstarke Malerei die zum -Portrait mutiert. Der Gesichtsausdruck, durch dieses gebrochene Blau und den zurückhaltenden Rot-Braun Tönen und der eigenartigen Technik ergibt im Gesamten einen Ausdruck, das mit dem Auge noch verstärkt zum Ausdruck kommt. Exzellente Arbeit stellte ich fest. Sie ist nicht nur eine gute Malerin, sondern fertigt auch Ausdrucksstarke Skulpturen. So begeistere mich die Skulptur von einer Büste, die mit Eisenstäben ringsherum eingekreist bzw. durchbrochen wurden. Spiegeln sich hier Schmerz und Sehnsucht wider?
Elena Kraft Skulptur / Foto: Christa Linossi
Der Fotograf Martin Wieland, der zu den bekanntesten und erfolgreichsten Aktfotografen Österreichs zählt, stellte eine Arbeit zur Verfügung, die ein Modell mit durchbrochenen Linien darstellt. Das Gesicht in zwei Hälften geteilt, eine Gesichtshälfte zeigt sich mit Linien und eine ohne. Was soll dieser Ausdruck darstellen? Das wir immer wieder mit Linien durchbrochen werden? Das Ästhetische wie das Normale?
Martin Wieland Fotoarbeit „Fruitbowl“ / Foto: Christa Linossi
Eva Schartner Malerei „Comic Twetty“ / Foto: Evi Schartner
Während Evi Schartner, eine ganz andere Richtung in der Malerei bzw. in der Grafik präsentierte. Ein besonders Werk ist die Arbeit, die sie Comic nennt. Hier drängen sich Äste wie ein Spinnennetz in den Vordergrund und mit ausdrucksstarker Farbe auf dem schwarzen Hintergrund wird der Besucher beim Betrachten der Arbeit in den Bann gezogen. Als Gag kommt dann noch die berühmte Comicfigur Tweety Bird, die aber exzellent ins Bild passt zum Vorschein. Diese Comicfigur sorgt auf alle Fälle für einen Schmunzler. Eine andere Arbeit wiederum von Evi Schartner ist Archimedes – Eule der Weisheit, wo Archimedes die Eule in einem fliegenden Zustand dargestellt wird, diese grafische Arbeit ist sehr ausdrucksstark.
Eva Schartner Grafik „Archimedes-Eule der Weisheit“ / Foto: Evi Schartner
Filzmoos hatte nicht nur das Bergfestival, es hat auch einen Dauerbrenner von einem Unikat, den JOSCHI, der die Besucher*Innen mit seinem Fuhrwerk in die Oberhofalm und in die Unterhofalm kutschiert. Ein Individuum, dass man heute noch ganz selten vorfindet. Einfach ein Original!
Joschi das Unikat im Bergdorf Filzmoos / Foto: Christa Linossi
Die Neue Galerie Graz widmet im Universalmuseum Joanneum Josef Pillhofer zu seinem 100. Geburtstag eine Ausstellung. Es ist die Ausstellung eines der bedeutenden österreichischen Bildhauer, dessen Werk in einer neuen Perspektive gezeigt wird.
Skulptur am Eingang von Josef Pillhofer _Universalmuseum Joanneum Graz / Foto: Christa Linossi
Museum Joanneum Graz / Foto: Christa Linossi
Im Zentrum der Ausstellung steht das formale und inhaltliche Ineinandergreifen von Zeichnung und Skulptur.
Josef Pillhofer, 2021, Video: Universalmuseum Joanneum
Pillhofer beschäftigte sich von Anfang an mit der Dreimenionalität als zentrale Frage der Bildhauerei. Josef Pillhofer fuhr 1950 nach Paris, wo er ein Stipendium erhielt. Er studierte bei Ossip Zadkine, traf Constantin Bråcusi und lernte Alberto Giacometti kennen. Die Gegenstandslosigkeit in der Skulptur zuzulassen, unterscheidet ihn von seinem Wiener Lehrer Fritz Wotruba. Pillhofer gehörte der legendären „Wotruba Klasse“ an der Akademie der bildenden Künste in Wien an (1946-1950).
Die Bedeutung Josef Pillhofers als Bildhauer, Zeichner und Künstler im Allgemeinen ist unbestritten und reicht weit über die Grenzen des Landes hinaus. Es erschien nicht sinnvoll, einen chronologischen Ablauf bzw. die klassische Form der Retrospektive zu wählen.
Pillhofer experimentierte mit gegenstandsloser Skulptur und „negativem Raum“ und verwendete Formen aus der Natur, die er isoliert und zu völlig neuen Inhalten wieder zusammenführt. Der „negative Raum“ hat die Bedeutung von Leer-, Zwischen- und Umräumen betont den Raum als Kategorie innerhalb der Skulptur. Seine Fragestellungen reichen bis zur Bewegung seiner entwickelten Skulpturen, die er auf der Bühne wieder neu arrangierte.
Ausstellungsansicht, „von 2 auf 3“, 2021, Foto: Universalmuseum Joanneum/J.J. Kucek
Interessant ist auch sein Portraitkopf JASMIN (Es ist Pendant zum ägyptischen Ersatzkopf im Kunsthistorischen Museum. Die Funktion Ersatzkopf ist bis heute ungeklärt. Sie sind nicht Teil einem Statute, sondern stellen unabhängige Rundbilder dar, die am unteren Ende des Halses waagrecht abgearbeitet sind)
Die Ausstellung ist sehenswert und man sollte sich bei der Betrachtung auf das Wesentliche konzentrieren und in die Tiefe eines Details gehen.
Konzepterstellung und Gründer des Rockhouse waren Wolfgang Descho (seit 28 Jahren Geschäftsführer) und Michl Matschedolnig (Tontechniker † 06. Juli 2017, Salzburg ). Das Ziel war klar: Das Rockhouse sollte als Haus der Musik und der MusikerInnen ohne stilistische Grenzen werden. Ein ganzjähriges Angebot eines Konzertbetriebes, der die internationale wie auch die nationale Musikszene am „Puls der Zeit“ präsentiert.
Wolfgang Descho Geschäftsführer Rockhouse / Foto: Christa Linossi
Mittlerweile sind 28 Jahre vergangen und das Rockhouse hat mittlerweile einen sehr guten internationalen, wie nationalen Ruf und von hier aus begann schon der eine oder andere junge Musiker seine Karriere.
Seit der Pandemie mit Beginn des Frühjahrs 2020, stand auch das Rockhouse vor der Aufgabe, zwischen den wechselnden Auflagen für Veranstaltungen und dem allgemeinen Kulturauftrag zu balancieren. Es wurden Konzepte umgesetzt, die es ermöglichten, trotz der ungewöhnlichen Situation, das Publikum mit Programm zu versorgen. Man wich mit Hilfe der Produktionsfirma ATTIC, Livekonzerte per Streaming über Facebook und YouTube aus und belieferte so die Musik dem Zuschauer nach Hause. Des Weiteren wurden auch Konzerte der Local Heroes Reihe in Zusammenarbeit mit dem Sender FS1 als Streams übertragen.
Mit Herbst 2021 startet nun das Rockhous mit einem drei Monaten ausgerichteten Programm in die neue Saison.
Der Titel lautet: „WASH AWAY THE PAIN” und wird so interpretiert: „Der Kopf frei, das Herz voll – ein Gefühl wie neu geboren. Wer oft auf Live-Konzerte geht, kennt das. Viel zu lange mussten wir auf dieses Gefühl verzichten. Jetzt ist es an der Zeit die Säle wieder zu füllen, um den Schmerz aller abgesagten Konzerte weg zu waschen.“
Der Auftritt von LEMO wurde bereits 2x verschoben und findet jetzt am 07.09.2021 statt. Den Auftakt im Rockhouse macht LEMO der Sänger und Songwriter, geboren als Clemens Kinigadner und aufgewachsen in Graz. LEMO blickt auf eine Vielfalt an Bandprojekten und Live-Erfahrungen, die nun seit rund fünf Jahren in sein Projekt fließen.
Überblick für das Programm im Rockhouse ab Oktober 2021
Alte Saline, Perner-Insel Hallein Schmiede 2021/ Foto: Christa Linossi
Die Schmiede 21 ist heuer wieder positiv über die Bühne gegangen. Diesmal mit dem Thema „WAR“. Klingt nach Krieg, hat aber mit Krieg nach Auskunft des Initiator Rüdiger Wasserbauer nichts zu tun, sondern versteht darunter „WAR“ als Akronym für „We Are Right“. Es geht um das Phänomen des „Recht-haben-Wollens um jeden Preis“. Diese Aussage beherrscht leider zunehmend das aktuelle Weltgeschehen.
Viele werden sich fragen? Was ist eigentlich die SCHMIEDE 2021? Um was handelt es sich hier?
Die Schmiede 21 wurde als Partnerbörse für kreativ Arbeitende von den beiden Oberalmer Rüdiger und Philipp Wassibauer am 1. Juni 2003 gegründet. Das Arbeitsfestival entwickelte sich auf einer soliden regionalen Basis und einem internationalen Netzwerk für Projekte und Ideen über alle Grenzen von Kunstgenres hinweg. Seit 2003 findet das Festival jährlich in der Alten Saline auf der Perner-Insel in Hallein (Salzburg) statt.
Bei der Schmiede 21 handelt es sich um eine kooperative Prototyping-Umgebung, die sich auf Kunst, Hacking und Entrepreneurship (Unternehmerschaft) konzentriert. Es ist ein Ort, an dem Ideen zum Tragen kommen, ein Kleinformat von Ars Electronica. Es ging hier um ein gemeinsames Suchen und Finden in der Medienkunst und -Kultur in Form von Skulpturen, Rauminstallationen, Video- und Audio-Installationen.
Heuer trafen sich rund 90 Teilnehmer*innen in der Alten Saline Hallein, um zusammen zu erleben, was in den zurückliegenden zehn Tagen im inspirierenden Ambiente der Alten Saline entstanden ist. Es gab am Ende des Projektes wieder eine Werkschau voller Erlebnisse für Augen, Ohren und Geist. Unterstützung kam von der Stadtgemeinde Hallein, das Land Salzburg und die Republik Österreich, so dass auch 2021 die Schmiede 21 wieder stattfinden konnte.
Interessant war das Projekt von Johannes Knop, der seinen ORCA Suitcase weiterentwickelte und praxistauglich machte. Worum ging es hier? Es ist ein Koffer, in denen fünf Korg Volcas via MIDI durch einen Computer – basierend auf der Programmiersprache ORC? – gesteuert wird. Als einzige Energiequelle dient eine handelsübliche Powerbank.
Das Projekt von Martina Fröschl die ein systematisches Konzept für ein Würfelspiel entwickelte. „Virus Dice“ oder „Leben ist ein Spiel von Wahrscheinlichkeiten und Zufällen. Ein Spiel, wo es um den Virus Corona und andere Infektionen und um unsere Gesundheit geht. Ein Aufklärungsspiel? Für viele Interessant und Lehrreich. Martina Fröschl ist vom Science Visualization Lab der Universität für angewandte Kunst Wien. Mit diesem Spiel will sie Überzeugungsarbeit für den wissenschaftlichen Zugang zu Covid-19: Visualisierung von SARS-Cov-2 zeigen.
Martina Fröschl „Virus Dice“ Schmiede 2021 / Foto: Christa Linossi
Martina Fröschl „Virus Dice“ Schmiede 2021 / Foto: Christa Linossi
Der aus den USA stammende intermedia Artist Matthew Mosher inszenierte eine Work-in-Progress Installation „inveiglement“ mit zerschnittenen Schockdecken, wie sie bei Unfällen verwendet werden, eine provokante Aussage, die sowohl auch Fragen aufwirft. Er hinterfragt unsere Prioritäten und unsere Rolle in den zugrunde liegenden materiellen Fragen.
Inveiglement Schmiede 2021 Hallein Interactive Installation / Video von Matthew Mosher
Des Weiteren fand dann noch eine Show statt mit „Bühne frei für die Nachhaltigkeits-Talkshow der anderen Art „Hero Match – We Play Change“. Chris Schratt lud Publikum ein, die Fahrräder seiner Nachhaltigkeitstalkshow „Hero Match“ zum Spielen des Vintage Pixel Games zu nützen. Sechs Jahre lang durfte der Medienkünstler Chris seine Nachhaltigkeits-Talkshow auf der Schmiede Hallein weiterentwickeln. Begonnen hatte er mit einem Kaugummiautomaten und Jahr für Jahr kamen immer mehr Gegenstände hinzu und nun ist das Projekt vorläufig mal eine komplexe Installation, was sich aber jederzeit wieder ändern kann.
„Hero Match – We Play Change“. Chris Schratt Schmiede 2021 / Foto: Christa Linossi Chris Schratt Schmiede 2021 Multimedia Station / Foto: Christa Linossi
„Im Kern ist die Schmiede ein kreativer Austausch. Es geht darum, Dinge zu tun.“ Eric Wahlforss – CTO SoundCloud
Als neues Highlight wurde zum Ars Electronica Festival 2021 auch die FESTIVAL UNIVERSITY ins Leben gerufen. Es ist eine von der Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica initiierte internationale hybride Sommeruniversität, die erstmals am Campus der JKU und online stattfand.
(c) ARS Electronica Ideas for a university of the future
Ihr ambitioniertes Programm überwand fachliche Grenzen und vereinte neue Technologien, Wissenschaft und Kunst mit den großen gesellschaftlichen Fragen unserer Zeit. Hier wurde ein Prototyp installiert, die die Vorbotin einer „Universität der Zukunft“ präsentiert und ist somit die neue Technische Universität in Oberösterreich.
Eine wichtige Plattform ist die Festival University für die Ideen und Visionen von jungen Menschen – die in die Ausgestaltung und Entwicklung einer neuen Universität unbedingt miteinfließen müssen.
Auszug aus dem Pressetext: „Studierende präsentiert en ihre „Ideen für eine Universität der Zukunft“ im Rahmen der Festival University von JKU und Ars Electronica Wie sollen Lernen und Lehren an einer „Universität der Zukunft“ aussehen? Diese Frage wurde derzeit im Kontext der Gründung einer neuen Technischen Universität in Oberösterreich intensiv diskutiert. Studierende der ersten Festival University von Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica präsentierten im Deep Space im Ars Electronica Center nun ihre Ideen und Visionen dazu. Es entstand ein authentischer, internationaler und unbefangener Blick, dessen Essenz in die Ausgestaltung und Entwicklung einer neuen Universität unbedingt einfließen wird.
Die erste internationale Festival University, das neue visionäre Gemeinschaftsprojekt der Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica, zeigt als Feldversuch und Prototyp einer „Uni der Zukunft“ eindrucksvoll, welches Potenzial die Gründung einer neuen Universität in Oberösterreich im 21. Jahrhundert hat: „Es entsteht eine unglaubliche schöpferische Kraft, wenn Wissenschaft und Kunst gemeinsam auf Entdeckungsreise gehen. Daraus wurde von der JKU und Ars Electronica die erste internationale Festival University geboren. “
Es waren drei aufregende Wochen der Festival University am Campus. Es gab viele Themen, die bei dem Projekt sehr wichtig waren, wie man Kunst und Wissenschaft und Technologie in Einklang bringen kann. „Aus 230 Bewerber*innen wurden 100 Studierende aus 40 Ländern für die Festival University ausgewählt. Ihre fachlichen Hintergründe sind divers und reichten von Sozial- und Naturwissenschaften über Kunst bis zu Wirtschaft, Recht oder Technik.
Ein Resümee von Rektor Lukas JKU:
„Linz hat alle Voraussetzungen, um zu einem internationalen Zentrum der digitalen Renaissance zu werden – die neue TU OÖ kann dafür eine Trägerrakete sein. Dafür muss die Politik den Mut haben, mit Konventionen zu brechen. Interdisziplinarität und Internationalität müssen zu gelebten Eckpfeilern der neuen Universität werden. Nur so geben wir jungen Menschen die Werkzeuge und Fähigkeiten, mit denen sie unsere Welt in ihrer Komplexität erfassen und somit wirkungsvoll den Herausforderungen unserer Zeit begegnen können. Geschaffen aus dem Pioniergeist der JKU und Ars Electronica hat die Festival University als Feldversuch gezeigt, wie das gelingen kann.“
Das Dienstälteste Festival für interdisziplinäre und zeitgenössische Kunst in Europa hat seit 08.09.2021 wieder seine Pforten zwischen September und Oktober geöffnet. Graz ist in diesem Zeitraum wieder Festivalmetropole.
Der „steirische herbst“ der 1968 von Hanns Koren gegründet wurde, blickt auf eine lange Geschichte zurück und produktive Störungen waren immer wieder die Grundlage für öffentliche Debatten unterschiedlicher Art und quer durch alle Disziplinen und Medien, was Kultur für das Zeitgenössische bedeuten könnte, wurde neu definiert.
Das Motto 2021 lautet: „The Way Out” und wagt sich heuer radikal nach draußen, heraus aus dem Lockdown, aber auch heraus aus den Museen, Galerien und den institutionellen sicheren Räumlichkeiten. Des Weiteren beschäftigt sich das Festival mit der Frage, inwieweit können Kunstwerke in das Alltägliche eindringen. Sind es zufällige Begegnungen oder ist es die Wiederentdeckung der Außenwelt?
Murgasse mit dem Pressebüro THE WAY OUT Foto: Christa Linossi
Ich besuchte den „steirischen herbst“ und stellte fest, er ist heuer anders als sonst oder empfand ich es nur, weil ich etwas chaotischer unterwegs war? Ehrlich gesagt, man muss sich auf alle Fälle Zeit nehmen und kann nicht, wie üblich, durch die Innenräume der Museen und Galerien „fetzen“, um sich dadurch einen Eindruck zu verschaffen. Ich kam vom „Durchrasen“ herunter und begann bestimmte Ziele zu wählen und nicht wie üblich, alles unter einem „Hut“ zu bringen. Man musste schon zweimal hinsehen.
Heuer ist eben alles anders, auch die Zusammenarbeit mit den Museen und Galerien. Heuer finden auch keine Kooperationen zwischen Kunsthaus Graz oder anderen Institutionen statt. Es gibt hier nur Parallelprogramme zu sehen, klar, der Titel sagt es ja „The Way out“.
Beginnen wir mit dem Hauptbahnhof, dort werden die Menschen schon mit einem kunstvoll gestalteten Tor empfangen. Es deutet auf diese Welt in der Kunst und Leben ineinander übergehen und sie das eine von dem anderen nicht immer unterscheiden können. Das Kunstwerk Assembly schuf Marinella Senatore, eine multidisziplinäre Künstlerin, die sich durch eine starke partizipatorische Dimension und einen ständigen Dialog zwischen Geschichte, Popkultur und sozialen Strukturen auszeichnet. Ihre Installation besteht aus bunten Lichtern und gleicht am Abend einem beeindruckenden visuellen Feuerwerk und beleuchtet somit am Abend den Bahnhofsvorplatz.
In den Parks und Straßen von Graz sind Performance und Künstler: Innenplakete ein gewisser Schwerpunkt.
Mounira Al Solh, Things My Neighbour Could Say as She’s Watching the Sunset (2021), Plakat im öffentlichen Raum, Graz. Foto: Johanna Lamprecht
Mounira Al Solh, Things My Neighbour Could Say as She’s Watching the Sunset (2021), Plakat. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin
Ich hatte mir die Performance der radikalen New Yorker Performance-Gruppe „Reverend Billy and the Church of Stop Shopping” angesehen. Diese Gruppe interpretierte und warnte mit schrägen Predigten und Chören vor dem drohenden Ende der Menschheit durch den Shoppingwahn. Eine gut inszenierte und ausdrucksstarke Performance, die zuerst im Innenhof des Palais Attems stattfand und sich dann die Gruppe mit den Besuchern in die Sackstraße und von dort zum Joanneums-Viertel bewegte. Mit lauter Sprache und Megafone heizte die Gruppe die Menschen in der Innenstadt noch an, die oft nicht sagen konnten was mit ihnen im Moment geschah.
Es sind noch weitere interessante Kunst-Installationen zu sehen, wie zum Beispiel im Besucher: innen- und Pressezentrum von Peter Schloss mit „Grupa Ee“. Um was handelt es sich hier? Hier hat der Künstler in seinen formal-minimalistischen Arbeiten einen Versuch zu einer präzisen Vermessung der Welt gestartet. Es sind Erkenntnisse und wie die uns täuschen können. Seine Kollaboration mit dem Kollektiv Grupa Ee bewegen sich seine Arbeiten zwischen Design und künstlerischer Intervention. Es handelt sich hier um eine berühmte optische Täuschung, die erstmals 1898 beschriebene Café-Wall-Illusion. Was ist das bitte genau? Die Café-Wall-Illusion ist eine visuelle Wahrnehmungstäuschung, bei der Rechtecke trapezförmig erscheinen. Es geht hier auch um Farbillusionen, geometrische Illusionen. In all diesen Fällen scheint unser Sehvermögen falsche Annahmen des Sehreizes zu treffen. Optische Täuschungen beruhen auf der Tatsache, dass die Wahrnehmung subjektiv ist und vom Gehirn beeinflusst wird.
Peter Schloss mit „Grupa Ee“. Foto: Christa Linossi
Innenansicht Besucher:innen- und Pressezentrum, Ticketschalter. Foto: Dietmar Reinbacher
Zur Parallelausstellung in HALLE FÜR KUNST (ehemaliges Künstlerhaus) sah ich mir die Ausstellung eines afroamerikanischen Künstlers_innen Kevin Jerome Everson und Doreen Garner an. Es ist ein Blick auf den politischen Diskurs in den USA aber im speziellen auf das Leben von Afroamerikaner_innen in der Vergangenheit und im Hier und Jetzt an.
Doreen Garner (*1986 Philadelphia, lebt in New York) stellt in ihrer Ausstellung Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm den Versuch dar, die Erniedrigung des schwarzen Körpers und die tatsächlich gelebte Erfahrung schwarzer Menschen. Betrachtet man die Arbeiten der Künstlerin, sieht man Fleischbrocken, ein anderes Objekt zeigt einen geöffneten Schlund, wo auf der Seite der Schaum heruntertröpfelt, es sieht ekelerregend aus. Die Werke zeigen nicht nur die Schrecken der Vergangenheit der Weltbevölkerung auf, sondern zeigen auch klar auf, dass auch heute die Disparitäten zwischen einer privilegierten, mobilen weißen Mehrheit und einer farbigen, ökonomisch schwachen Minderheit fatale Wirkungen, vor allem auf die Schwarzen haben.
Doreen Garner Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm Foto: Christa Linossi
Doreen Garner Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson: Der Experimentalfilmemacher war im Norden von Chile und richtete gegen 19:22 Uhr Ortszeit seine Kamera gen Himmel. Die Arbeit CONDOR 2019 (benannt nach dem Greifvogel) nimmt den kompletten Hauptraum der HALLE FÜR KUNST Steiermark ein. Es war die Entscheidung des Künstlers, die Finsternis mit einem Schwarz-Weiß-Film festzuhalten. Es sollte die Sensibilität für das essenzielle Wesen der Dinge widerspiegeln. In dem Film zeigt er, wie sich der Mond vor die Sonne schiebt, und man nur mehr einen weißglühenden Ring sieht und das minimalistische Bild, auf das man blickt, könnte für ein paar Sekunden vieles wiedergeben, den danach erscheint die Wand als komplett Weiß. Sollte es folgendes interpretieren? Die weiße Macht gegenüber der schwarzen Bevölkerung? Nein, es war am 2. Juli 2019 ein astronomisches Ereignis in der Region, dass rund um den Südpazifik zu beobachten war.
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Das berühmte musikprotokoll 2021 vom „steirischen herbst“ findet dann ab 7.10. bis 10.10.2021 an verschiedenen Orten in der Stadt statt.
Martin Hochleitner Kunsthistoriker beschäftigte sich mit einer großen Anzahl von Museums-, Galerien-, Kunsthallen- und Kunstvereinsprojekten. Die Idee zu diesen Themen ein Buch zu verfassen, war die Grundvoraussetzung. Mit seinem analytischen Blick unentwegt an der „Sprache als ein symptomatischer Ausdruck der jeweiligen Zeit anzupassen. Hochleitners Studien legten ihm nahe, dass das signifikante Sprechen über die Kunst/Künste einer bestimmten Zeit diese nicht nur zu erfassen versucht, also nicht nur eine bloße Wiedergabe- und Erfassungs-Funktion besitzt (Auszug aus dem Nachwort von Karl Müller)
Es ist ein Ergebnis aus langjährigen Beobachtungen von künstlerischen und kuratorischen Praktiken und gibt den Einblick in die Gegenwart von Sprache über Kunst.
Dieses Buch ist es wert zu lesen?
Wer sich für Kunst im Allgemeinen interessiert, sollte diese Buch lesen. Es ist spannend zu lesen über die Sprache, wie sie in der Kunst gesprochen wird und man auch einen Einblick in verschiedene Wortspiele bekommt, die einem nicht immer so geläufig sind.
DER AUTOR:
Martin Hochleitner ist Kunsthistoriker und seit 2012 Direktor des Salzburg Museum. Zuvor leitete er von 2000 bis 2012 die Landesgalerie Linz. Er unterrichtet seit den 1990er-Jahren an verschiedenen Universitäten und Hochschulen in Österreich und Deutschland. 2013 erhielt er den Staatspreis ars docendi für exzellente Universitätslehre in Österreich.
Erschienen ist das Buch
2021 Verlag Anton Pustet, 5020 Salzburg ISBN 978-3-7025-1031-2
Bei einer Vernissage Anfang September 2021 im Traklhaus Salzburg, lernte ich den Künstler Roman Pfeffer kennen. Es handelt sich hier um eine Ausstellung in Kooperation mit der MAERZ Künstler- und Künstlerinnenvereinigung, Linz, nach Salzburg wird die Ausstellung in Linz gezeigt wird.
Roman Pfeffer, Ausstellungsansicht, Foto Rudolf Strobl
Zum Künstler Roman Pfeffer:
Die Arbeiten von Roman Pfeffer im Traklhaus und seine Arbeiten auf seiner Homepage sprachen mich sofort an und ich wusste, diesen Künstler muss ich interviewen und auf meinem Blog vorstellen.
Traklhaus – Roman Pfeffer / Foto: Christa Linossi
Linossiartstory: Deine Ausstellung im Traklhaus hat den „Schwerpunkt“: Maßnehmen, Dinge in Beziehung setzen – unter Umständen auch sich selbst – und dabei neue Parameter entdecken“. Was ist der Reiz darin?
Roman Pfeffer: Einmal sagte ich in einem Interview: Das Absolute macht mir eher Angst und das hat mit deiner Frage zu tun. Alles steht in Beziehung zueinander und kann sich jederzeit verändern. Ich nehme Dinge oder Themen des Alltags und beleuchte sie und so entsteht etwas Neues. Verschiebe ich eine Kleinigkeit, dann ist etwas, was vorher als absolut gegolten hat, danach nicht mehr richtig. Zum Beispiel im Falle der Gleichung 8 = 0, 176m2. Für diese Gleichung würde man in der Mathematikstunde eine 5 bekommen. Dadurch, dass, ich beim Kunstwerk andere Parameter heranziehe, ist diese Gleichung mathematisch richtig, obwohl das Ergebnis das Gleiche ist. Um das geht es immer wieder: Zusammenhänge verstehen und diese anzuwenden. Durch einen neuen Blickwinkel entdeckt man wieder etwas Neues.
Traklhaus – Roman Pfeffer / Foto: Christa Linossi
Linossiartstory: Erzähl uns ein paar Worte über dich und was bewog dich Künstler zu werden.
Roman Pfeffer: Wenn ich zurückblicke, dann haben mich in meiner Kindheit immer wieder Listen begleitet. Ich habe Statistiken aufgestellt und fiktive Wettbewerbe abgehalten, bei denen ich durch Manipulation Einfluss genommen habe, wer am Ende auf Position 1,2,3… steht. Somit waren Zahlen, Mathematik und ihr Verschiebung relativ früh für mich interessant. Mit Kunst hatte das zu dieser Zeit nichts zu tun, aber mit Analyse und wie Verschiebungen durch Einflussnahme zustande kommen. Ich bin dann später in die Ortweinschule in Graz gegangen, wo ich einen Architekten als Lehrer hatte, der viel über Rhythmik, Reihung und Komposition gesprochen hatte und das interessierte mich. Dass ich dann an der Akademie der bildenden Künste gelandet bin, war am Ende eher die Neugierde an der Kunst. Eigentlich hatte ich am Beginn des Studiums wenig Ahnung, was zeitgenössische Kunst bedeuten kann. Darum passierte es auch, dass ich in der Malerei-Klasse von Gunter Damisch gelandet bin. Mit meinem aktuellen Wissen würde ich mich heute eher in einer Bildhauerei Klasse bewerben. Aber die Zeit im Studium ist auch dazu da, um herauszufinden, wohin der Weg gehen kann.
Linossiartstory: Was beeinflusst dich und deine künstlerische Arbeit?
Roman Pfeffer: Kunstgeschichte, Dinge oder Inhalte, die uns umgeben, spielen bei meiner Arbeit eine Rolle. Manchmal finde ich ein Objekt, das lagert dann bei mir im Atelier und nach einer Weile entwickelt sich daraus ein Kunstwerk. Andere Arbeiten, wie die Mazzocchio Arbeiten, welche in der Ausstellung im Traklhaus zu sehen sind, knüpfen direkt an die Kunstgeschichte an.
Linossiartstory: Deine Arbeiten sind ausdrucksstark. Finden Deine Installationen auch im öffentlichen Raum oder nur in Galerien statt? Mit welchen Materialien arbeitest Du?
Roman Pfeffer:Am öffentlichen Raum habe ich großes Interesse, werde allerdings eher selten eingeladen dort etwas zu machen. Heuer stehen überraschenderweise gleich zwei Projekten an. Es gibt keine spezifischen Materialien, die ich verwende. Es verändert sich von Werk zu Werk und ist in Beziehung mit dem Inhalt der Arbeit zu sehen. Zum Beispiel bei den Arbeiten in der Ausstellung, bei denen ich die Linien eines Notenblattes herausgeschnitten habe, um eine Komposition entstehen zu lassen. Hier gibt die Arbeit schon das Material vor. Oder es gibt die kultivierten Zierpflanzen. Da habe ich die Blätter eines Gummibaums in eine Ahornform umgewandelt, indem ich die Blätter beschnitten habe. Da benötigt man die Fotografie, um diesen Eingriff weitertransportieren zu können.
Linossiartstory: Interessant ist Deine Arbeit „Swip“, 2017, es ist wie ein Puzzlespiel, betrachtet man es genau, findet man Quadrate, Rhomben, Linien vor: was war hier dein Gedankenspiel dies zu kreieren?
Roman Pfeffer: Diese Arbeit hat als Ausgangspunkt eine Zeichnung des 16-teiligen Mazzocchio-Ringes mit achteckigem Querschnitt. Diese Zeichnung ist auf 32 Tafeln aufgemalt. Jede dieser Tafeln ist drehbar. Dreht man jetzt genau die Hälfte der Tafeln, so entsteht ein abstraktes Bild. Hier interessiert mich die Frage, ab wann etwas Reales abstrakt wird bzw. genügt Form und Farbe oder benötigen wir den Konex zur Abbildung. Ein weiterer Punkt ist das Wissen, das unsere Sehgewohnheiten prägt. Haben wir das Wissen, dass bei dieser Arbeit der 16teilige Ring die Grundlage ist, so vervollständigt unser Gehirn dieses Werk.
Linossiartstory: In welchem Genre und Material fühlst du dich mehr zuhause?
Roman Pfeffer:Momentan ist es die konzeptuelle Bildhauerei, aber das kann sich schnell wieder ändern.
Linossiartstory: Gibt es Materialien, mit denen du besonders gerne arbeitest oder mit denen du zurzeit viel herumexperimentierst?
Roman Pfeffer:Holz hat den Vorteil, dass man sehr schnell ein Modell bauen kann, darum verwende ich das relativ oft.
Linossiartstory: Nimmst du auch an Künstler-Symposien teil. Was bringt dies dem Künstler (Austausch, Erfahrung)
Roman Pfeffer:Sehr selten bin ich bei Künstler-Symposien. Grundsätzlich ist das eine gute Erfahrung, aber ich bewerbe mich nie dafür, da ich im Atelier eher im Rückstand bin. Letztes Jahr wurde ich ins Silvrettatelier von Roland Haas für 2 Wochen ins Montafon eingeladen. Das war wunderbar und es ist auf 2000m Höhe einiges entstanden. Der Einfluss einer anderen Umgebung und das Zusammensein mit Kolleginnen, die man nicht kennt, hat natürlich etwas Reizvolles und bringt im Idealfall die Beteiligten einen Schritt weiter.
Linossiartstory: Inwiefern ist die Vernetzung über Social Media heute für den Künstler wichtig?
Roman Pfeffer: Social Media ist mittlerweile ein Teil unserer Welt geworden und in dieser bewegt sich auch der Künstler Roman Pfeffer. Ob es lebenswichtig ist, das stelle ich in Frage, aber es ist eine Möglichkeit, die eigene Arbeit zu verbreiten. Was die schnelle Verbreitung aber auch mit sich bringt, ist, dass ähnliche Arbeiten von vernetzten Personen entstehen.
Linossiartstory: Welches deiner Projekte ist Dir am meisten in Erinnerung geblieben und weshalb?
Roman Pfeffer:Es gibt Projekte, die sich an der Kante des Scheiterns bewegen, und die bleiben am stärksten in Erinnerung. 2015 realisierte ich eine Videoarbeit, bei der ich ein 17m langes Sportruderboot am Kopf rotieren ließ. Das Ruderboot war um 180 Grad gedreht, mein Kopf steckte zur Gänze im Rumpf und dann drehte sich das Ruderboot. Ich stand drinnen und hatte Angst um mein Leben, da ein Windstoß alles aus der Balance bringen hätte können. Die Arbeit bekam während des Drehs den Titel „Braintwister“, da man von der Außenwelt abgeschottet ist und das Boot durch die Drehung die Gehirnwindung ankurbelt.
Linossiartstory: Was bedeutet für Dich Erfolg?
Roman Pfeffer: Wenn die Rahmenbedingung es zulassen, dass ich meine Arbeit weiterentwickeln kann, dann ist es für mich Erfolg.
Linossiartstory: Der Virus COVID 19 hat auch die Kunstszene lahmgelegt, wie ist es Dir ergangen und wie sieht die Zukunft aus.
Roman Pfeffer:Ich hatte das Glück, dass ich in den Covid – Lücken Ausstellungen hatte. Manche wurden ein wenig verschoben, die anderen verlängert und wenige abgesagt. Ein Skulpturenprojekt in Sydney wird jetzt schon das 2 Mal verschoben, aber da ich vorhabe, noch eine Weile auf dieser Erde zu bleiben, wird sich das schon noch ausgehen.
Linossiartstory: Wo würdest Du am liebsten in Europa für immer Stationiert sein?
Roman Pfeffer:Ich lebe jetzt schon mehr als 25 Jahre in Wien und arbeite auch immer wieder in Attnang-Puchheim. Wien als Base ist gut und ich denke es wird auch so bleiben. Wenn ein Sponsor mein Studio vergrößern könnte, dann wäre das ein Wunsch, der auf meiner Liste steht. Bei meiner Kunst ist es weniger wichtig, wo ich angesiedelt bin, sondern die Rahmenbedingungen vor Ort spielen eine größere Rolle.
Roman Pfeffer, „11 m“, 2013/17, Maßband, Farbe, Holz, Installationsansicht Raum mit Licht
Linossiartstory: Roman es war nett mit dir diesen Chat zu führen. Es war ein offener ausführlicher Chat, mit vielen interessanten Einblicken in deine Kunst. Für die Zukunft wünsche ich dir noch viele atemberaubende und interessante Abenteuer auf deinem Weg zur öffentlichen Kunst.
Danke für das nette Chat-Gespräch und alles Gute für die Zukunft.
Lazy Mazzocchio, 2017 Bildrecht Foto: Josef Schauer Schmidinger
Die Ausstellung von Roman Pfeffer ist im Traklhaus/Salzburg noch bis zum 16. Oktober 2021 zu sehen
Es ist wieder September und jedes Jahr um diese Zeit findet das Ars Electronica Festival statt. Diesmal in einer neuen Location – 2020 aufgrund von Corona, sehr eingeschränkt – statt. Die Location „In Kepler’s Garden“ ist am Gelände des Campus JVK > Johannes-Kepler-Universität. Es ist auch eine Kooperation zwischen der Kepler Universität und Ars Electronica.
Wie immer, wenn Ars Electronica zur Pressekonferenz ruft, dann kommen sie alle Regional, National und International. Jeder ist gespannt, was wird präsentiert? Gibt es neue Einblicke in die Zukunft? Ja es gibt sie, die neuen Einblicke, und diesmal in Zusammenarbeit mit Wissenschaft, Technik und Kunst gekoppelt.
Es handelt sich heuer um eine große Themenausstellung der Ars Electronica 2021. Es geht um die Neuordnung unserer aus den Fugen geratenen (digitalen) Welt. Ars Electronica setzt hier gemeinsam mit Künstler*innen, Wissenschaftler*innen, Entwickler*innen, Aktivist*innen aus aller Welt den Finger in die Wunde und bringt Themen wie die lückenlose Überwachung, Hochkonjunktur von Verschwörungstheorien aufs Tableau.
Im dritten Jahrzehnt dieses 21. Jahrhunderts werden die Karten neu gemischt, um einen NEW DIGITAL DEAL auf den Weg zu bringen.
JKU Projekte beim Festival
30 Erfindungen pro 100.000 Einwohner*innen. Linz liegt somit weit über dem österreichischen Durchschnitt. JKU ist die UNESCO City of Media Arts und spielt eine tragende Rolle in der Entwicklung modernster Technologien und Materialien. Zitat: „Viel davon passiert am Linz Institute of Technology (LIT) der JKU, wo Forschung, Innovation und künstlerische Wissensvermittlung vereint werden.“ (“ARS ELECTRONICA 2021 – A New Digital Deal | JKU Linz”) Das Ars Electronica Festival bietet wieder die Bühne für ausgewählte Projekte des LIT, die den Besucher*innen einen Einblick in die durchwegs interdisziplinären Arbeiten geben.
Was faszinierte mich beim Festival? War es ein Roboter, Das Auge mit neuem Blickwinkel oder die Tränen-Forschung? Alle drei Objekte waren für mich interessant, die ich ihnen kurz vorstellen will:
Fascination Robotic Impressions of „Fascination Robotic“ by Daniel Hoeller (AT), Dominic Koll (AT), Alexander Koll (AT), Helmut Rohregger (AT), Robert Sturmlechner (AT), Amir Bastan (IR) at the „Digital && Life“ Exhibition at the JKU. Foto Credit: vog.Photo
Konfrontiert wurde ich am Vorplatz des Campus bei der Besichtigung mit einem Roboter, der direkt auf mich zu kam. Dieses Projekt nennt sich Magic-Eye, wird als vierbeinigen Roboterhund dargestellt und durch koordinierte Bewegungen des Roboters mit Radartechnik (Messung durch Millimeterwellenreflexionen) kombiniert. Spot, so wird er genannt, wird beim Festival folgendes zeigen: er wird Gesten und Handzeichen erkennen, schwieriges Gelände bewältigen und auf Hindernisse reagieren. Auch autonom kann Spot Besucher durch das Festivalprogramm führen und einen Vorgeschmack auf die Zukunft der Robotik geben.
Das Team rund um die Fascination Robotic Impressions of „Fascination Robotic“ by Daniel Hoeller (AT), Dominic Koll (AT), Alexander Koll (AT), Helmut Rohregger (AT), Robert Sturmlechner (AT), Amir Bastan (IR) at the „Digital && Life“ Exhibition at the JKU.
DImpressions of the Project „Demystify AI!“FACE OF AI by LIT Robopsychology Lab JKU Linz (AT) at the „Digital && Life“ Exhibition at JKU. Foto Credit: vog.Photo
Project „Demystify AI Face of AI / Foto: Christa Linossi
Interessant fand ich auch die Multimedia-Installation FACES of AI, welches Gesicht hat künstliche Intelligenz? So die Fragestellung. Eine groß angelegte Bildanalyse des LIT Robotpsychologie Lab zeigt faszinierende Ergebnisse, wie man künstliche Intelligenz in der Öffentlichkeit visuell darstellen kann. Die Frage stellt sich auch, wie viele Gehirne, Roboter oder Menschen erscheinen in welchen Farben? Wie viele Gehirne, Roboter oder Menschen erscheinen in welchen Farben? Und wie haben JKU Artificial Intelligence Studierende typische Medienbilder als realistisch eingeschätzt? Künstliche Intelligenz spielt in unserem Alltag immer mehr eine wichtigere Rolle.
Auch bei dem Projekt von Kasia Molga (UK/PL) die Arbeit trägt den Namen How to Make an Ocean, auch hiermusste man stehen bleiben. Worum geht es in diesem Projekt?
Impressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at Foto Credit: vog.PhotoImpressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at Foto Credit: vog.Photo
Kasia Molga kämpfte nach einem verheerenden Verlust im Herbst 2019 mit Trauer. Da sie sehr viel weinte, fing sie an, ihre Tränen zu sammeln, während dieses Sammeln, stellte sie sich die Frage, ob sie das Leben im Meer beginnen und dann erhalten könnte. Dieses Projekt ist eine persönliche Reise, um den Akt der Trauer zu verstehen und um den Akt der Trauer zu verstehen und gleichzeitig die Zusammenhänge zwischen dem menschlichen Körper, Emotionen und körpereigenen „Nebenprodukten“ wie Tränen mit ihrer chemischen Zusammensetzung basierend auf dem Grund des Weinens als mögliche Komponenten kreativ untersuchen im Mini-Meeres-Ökosystems. Des Weiteren stellte sie sich die Frage: können wir Tränen, die für das Ende von etwas geweint werden, als positive und lebensbejahende Schöpfung eines neuen Mini-Ozeans betrachten?
Impressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at JKU.
Es gibt jedoch viel mehr zu Entdecken auf der Ars Electronica, ich konnte jedoch aus Zeitgründen nur ein paar Objekte ansehen und diese drei oben angeführten Projekte fand ich auf alle Fälle spannend.
2021 wird das Ars Electronica Festival rund um den Globus stattfinden. Es findet somit nicht nur physisch in Linz, sondern auf der ganzen Welt statt. 80 Partnerinstitutionen rund um den Globus öffnen mit eigenen Inhalten ihre Ars Electronica Gardens, die als hybride Ars Electronica von 8. bis 12. September 2021 auch über das Internet erlebt werden können. Ars Electronica zeigt die Zukunft und es ist immer wieder eine Reise wert, in die Digitale Welt von Ars Electronica einzutauchen. Die Ausstellung läuft noch bis 12. September 2021 https://ars.electronica.art/news/de/
Liebe (die Illusion) und die Sehnsucht als Begleiterin gibt immer wieder Rätsel auf, es gibt keine Erklärung dafür!
Die Spirale dreht sich und darin befindet sich die Sehnsucht, die Liebe, der Verstand setzt aus, man kann sich aus der Spirale nicht befreien, sie dreht sich weiter…Sehnsucht ein starkes Element, eine brennende, verzehrende, ungestillte, unbestimmte Sehnsucht. Sie ist mit dem Gefühl verbunden, den Gegenstand der Sehnsucht nicht erreichen zu können.
linossiartstory 
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