Zhang Huan „My Temple“
bis 29. September 2015
Die Salzburg Foundation präsentiert das zweite Kunstprojekt Krauthügel in Salzburg. Das Kunstprojekt Krauthügel ist eine auf fünf Jahre angelegte Kooperation zwischen der Salzburg Foundation, der Erzabtei St. Peter und der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. 2014 war Tony Cragg der erste Künstler der seine drei einzigartigen Bronzeskulpturen „Points of View“, „Runner“ und „Mixed Feelings“ auf dem Krauthügel präsentierte. Weiterlesen
Bei der Pressekonferenz am 8. Mai 2026 wurde deutlich, wie konsequent Salzburg an seiner kulturellen Zukunft arbeitet. Der Festspielbezirk 2030 ist kein gewöhnliches Bauprojekt – er ist ein Eingriff in die kulturelle DNA der Stadt. Während die Festspiele 2026 noch laufen, beginnen im Hintergrund bereits die Vorbereitungen für den größten Umbau seit Jahrzehnten. Ein Stadtteil im Ausnahmezustand.
Warum der Umbau unvermeidlich ist
Das Große Festspielhaus ist ein ikonischer Ort – aber seine Technik stammt aus einer anderen Zeit. Vieles wirkt heute wie ein Museumsstück: veraltete Bühnentechnik, fehlende Sicherheitsstandards, ein Dach, das bereits einmal während einer Aufführung undicht wurde. Die Verantwortlichen formulieren es klar: Die Modernisierung ist nicht nur sinnvoll, sondern dringend notwendig.
Zwei Jahre ohne Großes Festspielhaus – das wirft Fragen auf. Für die Festspiele, für die Stadt, für das Publikum. Doch die Logik hinter dem Umbau ist nachvollziehbar: Nur ein technisch erneuertes Festspielhaus kann langfristig bestehen.
Startschuss: Kavernenbau ab Herbst 2026
Sobald die Festspiele 2026 vorbei sind, beginnt die erste Hauptphase des Großprojekts: der Kavernenbau. Unter dem Mönchsberg entsteht ein neues „Haus im Berg“ – mit Montagehalle, Probesälen, Einspielräumen und Haustechnik. Gleichzeitig wird eine unterirdische Verbindung zwischen den Festspielhäusern geschaffen.
Der Felsabtrag erfolgt mittels Anbaufräse – erschütterungsarm, präzise und flexibel. Rund 108.000 m³ Material werden abgefräst, über Schutterschächte abtransportiert und im Umkreis von 15 Kilometern gelagert. 90 Prozent davon werden wiederverwendet – für Lärmschutzdämme, Straßenunterbau und andere Projekte. Nachhaltigkeit ist hier kein Schlagwort, sondern gelebte Praxis.
Wirtschaftliche Bedeutung
Die Sanierung ist ein Kraftakt – aber einer, der sich rechnet. Eine aktuelle Wertschöpfungsstudie zeigt: Allein im Sommer generieren die Salzburger Festspiele 96 Millionen Euro an Steuern und Abgaben. Der Großteil der bisherigen Ausschreibungen ging an österreichische Unternehmen.
Mit dem Kavernenbau werden Arbeitsplätze gesichert und die Zukunft des Festspielbezirks langfristig stabilisiert. Die Kosten für die erste Projektphase liegen bei rund 395 Millionen Euro (±20 %). Bund, Land und Stadt tragen diese gemeinsam.
UNESCO: Grünes Licht für das Welterbe
Bauen im Welterbe ist komplex. Ein unabhängiges Gutachten, beauftragt von der Stadt Salzburg, kam Anfang 2026 zu einem klaren Ergebnis: Der Festspielbezirk 2030 ist mit dem UNESCO-Welterbe vereinbar – und viele Maßnahmen wirken sogar positiv auf den Schutzstatus.
Neutor-Sperre: Ein verkehrspolitischer Stresstest
Ab 14. September 2026 wird das Neutor für ein halbes Jahr komplett gesperrt. Danach ist eine einspurige Durchfahrt für Busse, Anrainer und Lieferverkehr möglich.
Das Thema ist brisant: Seit Jahren wird über eine Verkehrsberuhigung der Innenstadt diskutiert – nun zwingt die Baustelle die Stadt zu Lösungen, die bisher politisch nicht durchsetzbar waren. Vielleicht entsteht hier ein Modell, das über die Bauzeit hinaus Bestand hat.
Interims-Konzerthalle für 2029 und 2030
Nach den Festspielen 2028 wird das Große Festspielhaus bis Frühjahr 2031 geschlossen. Für die Festspiele 2029 und 2030 sowie alle unterjährigen Konzertveranstaltungen entsteht eine temporäre Konzerthalle für rund 2.000 Personen.
Zwei Standorte werden geprüft:
Die Diskussionen laufen bereits: Kosten? Standortnähe zur Altstadt? Wirtschaftsfaktor für Gastronomie und Hotellerie? Die Fragen sind berechtigt – und werden die Stadt noch beschäftigen.
Architektur als Vision
Der Festspielbezirk 2030 ist mehr als eine technische Modernisierung. Er ist ein städtebauliches Statement. Zwei architektonische Leitideen prägen das Projekt:
Architektur, Kunst und Stadtvision greifen hier ineinander – und formen einen Kulturraum, der Salzburg in die Zukunft führt.
Der Festspielbezirk 2030 ist ein Projekt voller Chancen und Risiken. Ein Kraftakt, der Salzburg verändern wird – technisch, kulturell und städtebaulich.
Eine Phase, die fordert, genauer hinzusehen.
Manchmal entscheidet der Berg. Schon 2025 wollte ich bei den Dachstein Dialogen dabei sein, doch Terminüberschneidungen machten mir einen Strich durch die Rechnung. Und als ich heuer zur Präsentation am 12. Mai aufbrechen wollte, stoppte mich der Wettergott persönlich: Schneefall in der Ramsau, Sommerreifen am Auto – und ich musste umdrehen.
Vielleicht liegt es daran, dass mir die Dachsteinregion mehr bedeutet als ein Festivalort. Ich komme aus der Obersteiermark, ich kenne diese Berge, ihre Geschichten, ihre Eigenheiten. Und ich habe über die Region schon oft geschrieben – von Bill Fontanas Silent Echoes bis zu den Spuren von Ai Weiwei am Hohen Dachstein. Auch die Geschichte von Bodo Hell, der seit August 2024 in diesem Gebiet vermisst wird, begleitet mich seither wie ein Echo.
Umso mehr hoffe ich, 2026 endlich bei den Dachstein Dialogen dabei zu sein. Denn das Festival widmet sich heuer einer Frage, die uns alle betrifft: „Worauf kann ich vertrauen?“
Ein Festival im Zeichen der Unsicherheit
Vom 18. bis 24. September 2026 erkunden die Dachstein Dialoge in Filzmoos und Ramsau zentrale Fragestellungen unserer Gegenwart. In einer Welt, die von geopolitischen Machtkämpfen, Kriegen, digitalem Umbruch und KI‑Dynamiken geprägt ist, wird Vertrauen zur knappsten Ressource.
Eröffnet wird das Festival von der Philosophin Lisz Hirn, die ein Plädoyer für Urteilsfähigkeit in unsicheren Zeiten hält – ein Auftakt, den ich mir nicht entgehen lassen werde.
Der künstlerische Leiter Philipp Blom bringt es auf den Punkt: „Ohne Vertrauen gibt es keine Gemeinschaft, keine Gesellschaft.“
Welche Basis braucht Vertrauen? Wem können wir glauben – Personen, Institutionen, Quellen? Welche Rolle spielt KI in der Wahrnehmung von Wahrheit? Und wie lässt sich Vertrauen wieder stärken?
Orte, die zu Bühnen werden
Die Dachsteinregion verwandelt sich erneut in einen Resonanzraum: Scheunen, Bauernstuben, Kirchen und historische Plätze werden zu Orten des Zuhörens und des Austauschs. Die Mützenhalle Filzmoos wird zum Kinosaal, wo Filme wie Boyhood und Die beste aller Welten gezeigt werden – beide erzählen vom Vertrauen als Prozess.
Eine historische Wanderung führt zu den Spuren der Bibelschmuggler im 17. und 18. Jahrhundert. Hier wird Dialog nicht nur geführt – er wird gegangen.
Impulse, Stimmen, Perspektiven
Diskussionen, Vorträge, Workshops und Seminare beleuchten das Thema aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Bei „Fakten, Daten, Leidenschaft – Wissenschaftler:innen und der Kampf um Vertrauen“ sprechen u. a. Eva Nowotny und Reinhard Steurer darüber, wie Vertrauen in einer komplexen Welt neu aufgebaut werden kann.
Erwartet werden u. a.:
Musikalisch begleiten das Simply Quartet, Christophe Coin, das Trio Bohémo, Peter Havlicek, die AUTländisch.family und Chöre der Region. Open Concerts laden Musiker:innen und Publikum zum gemeinsamen Musizieren ein.
Ein Festival aus der Region – für die Region
„Die Dachstein Dialoge wurden von Menschen aus der Region für die Region gegründet“, sagt Obfrau Regina Stocker. Der Leitgedanke: In die Zukunft schauen, aus der Vergangenheit lernen, die Gegenwart gestalten.
Gerade in einer Region, die lange von Konflikten geprägt war, ist Dialog nicht Luxus – er ist Notwendigkeit.
Die Dachstein Dialoge sind mehr als ein Festival. Sie sind eine Einladung, Vertrauen neu zu denken – an einem Ort, der selbst seit Jahrhunderten zwischen Fels, Geschichte und Zukunft steht.
Die Kunstwelt bewegt sich – und die ALBERTINA bewegt sich mit. Mit Beginn des Jahres 2026 hat das Haus einen Schritt gesetzt, der weit über die Mauern des Museums hinausstrahlt: Die Kunst wird in der digitalen Welt verankert. Und zwar nicht als Zusatz, sondern als neue Ebene kunsthistorischer Forschung.
Kursiv: Die ALBERTINA hat erstmals mit Beginn des Jahres 2026 einen großen Schritt gesetzt! Es gibt erstmals eine gemeinsame Plattform digitaler Werkverzeichnisse, welche auf mehrjähriger systematischer Forschungsarbeit basieren.
Diese Plattform ist mehr als ein Archiv. Sie ist ein lebendiges Forschungsinstrument, das Künstler:innen sichtbar macht, deren Werk in der Sammlung der ALBERTINA besonders stark vertreten ist. Den Auftakt bilden drei große Namen: Gustav Klimt, Florentina Pakosta und Max Weiler – allesamt Künstler, deren grafische Arbeiten die DNA der ALBERTINA prägen.
Ein digitales Fundament für die Zukunft
Mit dem weltweit ersten Online-Werkverzeichnis der Zeichnungen Gustav Klimts setzt die ALBERTINA ein internationales Signal. Die Werkverzeichnisse sind dynamisch, interaktiv und wissenschaftlich fundiert. Sie ermöglichen neue Erkenntnisse, zeigen bislang verborgene Zusammenhänge und wachsen kontinuierlich weiter.
Kursiv: Die Werkverzeichnisse ermöglichen ein rasches Erfassen neuer Erkenntnisse und neu identifizierter Zeichnungen. Sie machen durch interaktive Verknüpfungen von Informationen bislang verborgene Zusammenhänge sichtbar und werden ständig erweitert.
Generaldirektor Ralph Gleis betont die Rolle der ALBERTINA als Knotenpunkt eines globalen Forschungsnetzwerks. Sein Statement zeigt klar: Digitalisierung ist hier kein Trend, sondern eine Haltung.
Wissen für alle – jederzeit und überall
Die Plattform ist frei zugänglich. Das bedeutet: Kunstgeschichte wird demokratisiert. Forscher:innen, Museen, Sammler:innen und kunstinteressierte Menschen können gleichermaßen eintauchen – tief, strukturiert und ohne Barrieren.
Kursiv: Der neu präsentierte digitale Catalogue Raisonné eröffnet mit der interaktiven Verknüpfung von Informationen… die Möglichkeit, neue Zusammenhänge zu erschließen und sichtbar zu machen.
Für die Öffentlichkeit wirkt das fast revolutionär: Zum ersten Mal werden Werkverzeichnisse zentral, vergleichbar und transparent.
Digitale Zukunft – Analoge Wurzeln
Während die ALBERTINA digital neue Räume öffnet, schlägt die analoge Welt am Attersee einen Bogen zurück zu Gustav Klimt. Am 22. Mai 2026 wird das Klimt-Museum wiedereröffnet – mit einer Ausstellung, die Vergangenheit und Gegenwart miteinander verschränkt.
Klimt trifft dort auf Richard Teschner, dessen selten gezeigte Zeichnungen aus der Villa Paulick erstmals umfassend präsentiert werden. Und im Zentrum steht Pablo Meier-Schomburg, ein zeitgenössischer Maler, der mit seiner pointillistischen Handschrift unsere Sehgewohnheiten herausfordert.
Über diese Ausstellung werde ich exklusiv berichten – denn hier begegnen sich zwei Welten: die digitale Forschung und die analoge Erfahrung.
Warum das alles wichtig ist
Die Digitalisierung der ALBERTINA ist kein Projekt, sondern ein Wendepunkt. Sie schafft nachhaltige Strukturen, öffnet Archive, verbindet Generationen und macht Kunstgeschichte beweglich.
Geschichte lebt – und sie lebt weiter, wenn wir sie zugänglich machen.
Ausblick
Die nächsten digitalen Werkverzeichnisse sind bereits in Arbeit: Arnulf Rainer und Alex Katz folgen. Die Reise hat erst begonnen.
Zwischen analogen Schätzen und digitalen Räumen entfaltet sich die Zukunft der Kunst – leise, aber unaufhaltsam. Und wir dürfen miterleben, wie ein neuer Blick auf die Kunst entsteht.
Weiterführende Links der ALBERTINA
Der Sommer in Salzburg beginnt nicht leise — er beginnt mit einem Puls. Doch dieser Puls schlägt heuer anders. Die SOMMERSZENE 2026 eröffnet den kulturellen Frühsommer mit vierzehn Produktionen, fünf österreichischen Erstaufführungen und zwei Premieren. Ein beeindruckender Rahmen, der jedoch nicht in allen Bereichen die erwartete künstlerische Schärfe entfaltet.
Zeitgenössischer Tanz, Performance und gesellschaftspolitische Themen stehen im Zentrum — doch die kuratorische Handschrift wirkt stellenweise zurückhaltend. Manche Arbeiten behaupten mehr, als sie riskieren. Andere bleiben atmosphärisch blass. Die Frage, wie viel Reibung ein Festival zulässt, das gleichzeitig als Green Event und mit neuem Markenauftritt glänzen möchte, begleitet den diesjährigen Jahrgang wie ein leiser Unterton.
Trotzdem gibt es Produktionen, die herausstechen — durch Energie, Haltung oder klare künstlerische Vision. Zwei davon seien hier hervorgehoben.
Rosana Ribeiro / SELVA – Break the Dam
Premiere, 11. & 12. Juni, ARGEkultur
Ein Bild bleibt hängen: fünf Körper, die sich aus einer Starre heraus in Bewegung kämpfen. Dynamik, Resonanz, Druck, der sich aufbaut und entlädt. Die in Salzburg lebende portugiesisch-brasilianische Choreographin Rosana Ribeiro entwickelt seit Jahren eine präzise, eigenständige Bewegungssprache. In Break the Dam untersucht sie, wie äußere Erschütterungen — ökologische, politische, emotionale — sich in Körper und Landschaft einschreiben.
Mikrobewegungen lösen die Starre, Energie beginnt zu zirkulieren, Landschaften scheinen aufzubrechen. Ein Stück, das in unsere Zeit passt: Klima, Konflikte, Stagnation — und die Frage, wie Transformation beginnt. Ein Blick auf selva.co.at vertieft den Eindruck.
Sasha Waltz – Travelogue I – Twenty to Eight
Internationales Gastspiel, 8. & 9. Juni, SZENE Salzburg
Ein Klassiker, der seine Kraft nicht verloren hat. Sasha Waltz’ ikonisches Stück über den zwischenmenschlichen Mikrokosmos — voller Rhythmus, Witz und Expressivität — wird erneut einer jungen Generation von Tänzer*innen übergeben. In einem Festivaljahrgang, der insgesamt eher verhalten wirkt, setzt dieses Gastspiel einen klaren Akzent: zeitlos, präzise, lebendig.
SOMMERSZENE × Universität Mozarteum – Bodies, Borders, Porosity
Applied Theatre, Eintritt frei
Wo beginnt ein Körper — und wo endet er? Welche Grenzen sind sichtbar, welche unsichtbar, welche durchlässig? Studierende des Masterstudiengangs Applied Theatre arbeiten mit Menschen aus Salzburg: Sexarbeiterinnen, Sportlerinnen, Gläubigen und Zweifelnden, Bewohner*innen von Liefering, migrantischen Communities. Aus diesen Begegnungen entstehen Gesten des Protests, Räume der Veränderung und ein vielstimmiges Nachdenken über Körper und Territorien.
Ein Projekt, das zeigt, wie stark die Sommerszene sein kann, wenn sie gesellschaftliche Realität nicht nur abbildet, sondern öffnet.
Neuer Look – neue Energie?
Die Sommerszene präsentiert sich 2026 mit einem neuen visuellen Auftritt des Salzburger Studios Solid & Bold. Bewegungsunschärfen verstärken die Dynamik der Künstler*innen, die karmesinrote Farbwelt pulsiert wie ein Herzschlag im Stadtraum. Doch so kraftvoll der Look ist — er kann nicht überall kaschieren, dass manche programmatischen Entscheidungen weniger mutig ausfallen als die grafische Linie suggeriert.
Green Event – Anspruch und Verantwortung
Die Sommerszene wird als Green Event ausgerichtet und trägt seit Anfang 2026 das Österreichische Umweltzeichen. Ressourcenschonung, regionale Wertschöpfung und Gemeinwohlökonomie sind zentrale Leitlinien. Ein wichtiger Schritt — doch auch hier stellt sich die Frage, wie ökologische Verantwortung und künstlerische Radikalität sich gegenseitig stärken können.
Spielorte 2026
Am Ende bleibt ein Festival, das wichtige Fragen stellt, aber nicht immer die nötige Schärfe findet – und gerade deshalb aufmerksam beobachtet werden sollte.
Der Frühling hat Salzburg nicht nur geweckt, er hat die Stadt wachgeküsst und in jenes vibrierende Leuchten getaucht, das Kunst und Sprache miteinander verbindet. Beim 18. Literaturfest Salzburg wird genau dieses Leuchten hörbar: Worte treffen auf Musik, Stimmen auf Klangräume, und plötzlich entsteht ein Dialog, der weit über die Bühne hinausreicht. Unlängst war ich bei der Präsentation des Festivals, das heuer vom 27. bis 31. Mai 2026 die Stadt erneut in ein Resonanzfeld aus Literatur, Klang und lebendiger Begegnung verwandeln wird.
Neu an der Spitze: Birgit Birnbacher, Salzburgerin, Bachmann‑Preisträgerin 2019 – gemeinsam mit Carmen Schwarz und Nadine Samija bildet sie ein Leitungstrio, das frischen Wind verspricht. „Auf zu neuen Ufern“ heißt es so schön – und genau diese Frage schwebte im Raum: Was bleibt? Was verändert sich?
Das Literaturfest ist seit jeher ein Ort, an dem Gespräche, Lesungen, Diskussionen und Konzerte miteinander in Beziehung treten. Heuer steht alles unter einem großen, schimmernden Thema: die Wechselwirkung von Sprache und Musik.
Schon bei der Präsentation wurde klar, wie kraftvoll diese Verbindung sein kann: Das Künstlerduo Cassandra Rühmling und Stefan Fleming zeigte eine Performance, die mich mitten ins Herz traf. Rühmling – musikalisch, performativ, eigenständig, eine Wucht. Fleming – ein alter Theaterfuchs, präzise, rhythmisch, mit diesem typisch österreichischen Understatement, das plötzlich explodiert.
Gemeinsam präsentierten sie komponierte Musik zu Interviews von Thomas Bernhard. Fleming traf den Ton Bernhards mit verblüffender Genauigkeit, während Rühmling Klangräume öffnete, die zwischen Wucht und Zartheit schwebten. Wer Bernhard liebt – und wer Rühmlings Kompositionen kennt – wird hier goldrichtig sein.
Eröffnung im Marionettentheater – 27. Mai, 19:30 Uhr
Die Eröffnung verspricht ein starkes literarisches Trio:
Musikalisch begleitet von DIE STROTTERN, die das österreichische Schwarzmalen in ein klangvolles, entstaubtes Wienerlied verwandeln – Geige, Gitarre, Atmosphäre.
Edmundsburg – Literatur, Musik und ein Blick in die Tiefe
Besonders spannend wird die Matinee im Europasaal der Edmundsburg: Manfred Mittermayer und Susanne Kogler sprechen über Ingeborg Bachmann, anlässlich ihres 100. Geburtstags – über ihre intellektuellen und emotionalen Zugänge zur Musik. Cassandra Rühmling liest ausgewählte Textstellen und verleiht ihnen ihren ganz eigenen Klang.
Ein Satz aus dem Festivalprogramm blieb mir hängen:
„Irgendwann haben alle wieder ihr Ziel erreicht, selbst die, die keins hatten.“ (Jovana Reisinger, Spitzenreiterin)
Mein Statement:
Jeder Mensch hat seine eigene Vorstellung davon, was Literatur ist – und was ein Literaturfestival sein soll. Umso mehr lohnt sich ein Blick ins Programm, das heuer besonders reich an Stimmen, Klängen und überraschenden Begegnungen ist.
👉 Programm: www.literaturfest-salzburg.at
Manchmal stolpert man in etwas hinein, das einen unvermittelt trifft. So ging es mir, als ich – zu früh dran, wartend auf eine Freundin – in die Stadtgalerie Rathaus Salzburg trat. Ein Plakat kündigte einen Künstler an, dessen Name mir bis dahin nichts sagte: Florian Köhnlein. Sekunden später stand ich mit offenem Mund da. Ein leises, aber tiefes Wow.
Totentänze ohne Schrecken – eine stille, existenzielle Wucht
Die Ausstellung trägt den Titel „Totentänze und andere Wesen“. Ja, es geht um den Tod – aber nicht um den makabren, nicht um den schockierenden. Köhnlein zeigt Skelette, die sich in knochigen Armen halten, miteinander tanzen, ein Glas heben oder einfach beieinander sitzen. Es ist ein Totentanz, der nicht erschreckt, sondern erinnert: an Vergänglichkeit, an Gleichheit, an das, was bleibt, wenn alles Äußere fällt.
„Geklebte Materialien bringen eine vorgegebene Struktur mit. Ich muss sie nur noch betonen.“ Über Material, Collage und das Erbe seines Vaters
Das Material überrascht: einfaches Packpapier, geformt, geschichtet, geklebt. Kein Glas vor den Werken – bewusst. Spiegelungen würden die Präsenz stören. So stehen die Figuren offen im Raum, verletzlich und direkt.
Arbeiten aus dem Inneren – Impuls statt Konzept
Köhnlein beschreibt seinen Ausgangspunkt als etwas, das schwer zu benennen ist. „Innerer Impuls“ trifft es wohl am ehesten. Zeichnen ist für ihn eine Form des Denkens, eine Sprache, die näher an seinem Wesen liegt als Worte.
„Nur weil wir Augen haben, können wir noch lange nicht sehen.“ Ein Satz, der sein gesamtes Werk durchzieht
Natur, Tierwelt, Licht, Rhythmus – all das liefert ihm Struktur. Seine Werke entstehen aus diesem genauen, geduldigen Sehen.
Die Gegenwart, der Tod und die Frage nach dem Wesentlichen
Köhnlein ist 61. Und er sagt offen, dass er unsere Zeit als die beunruhigendste seines Lebens empfindet.
„Die Menschheit dreht gerade völlig durch. Superreiche wollen den Tod überwinden oder zumindest vergessen.“
Der Tod ist für ihn kein Tabu, sondern ein Schlüssel:
„Das Mysterium des Lebens ist nur über die Auseinandersetzung mit dem Tod zu verstehen.“
Eine Krebserkrankung in jungen Jahren hat diese Haltung geprägt. Der Tod ist für ihn kein Ende, sondern ein Gleichrichter.
Japanische Reduktion – und die Kunst, das Wesentliche zu lassen
In vielen Arbeiten spürt man eine japanisch anmutende Klarheit. Hokusai, Hiroshige – sie begegneten ihm früh. Format, Positionierung, Reduktion: alles bewusst, aber nicht verkopft.
Die grafischen Arbeiten – Tiere, Vogelnester, Blicke – wirken minimalistisch und gleichzeitig intensiv. Die Augen spielen eine zentrale Rolle: ob Totenkopf, Vogel oder Tierwesen – sie tragen Ausdruck, Haltung, Geschichte.
Der Lehrer, der täglich selbst lernt
Köhnlein unterrichtet Grafik & Medien an der HTL Salzburg. Dort übt er mit seinen Schüler*innen Grundlagen des Sehens und Gestaltens – und gleichzeitig mit sich selbst.
„Der Austausch mit den Schülerinnen eröffnet immer wieder Perspektiven, an die ich selbst noch nicht gedacht habe.“*
Er unterscheidet klar zwischen erlernbaren Grundlagen und individuellem Ausdruck. Diese Haltung spürt man in seinen Werken: Handwerk und Intuition greifen ineinander.
Ein Künstler, den man nicht vergisst
Ich frage mich, warum ich ihn bisher übersehen habe. Er hatte Ausstellungen in Vorarlberg und Salzburg, ist auf Instagram präsent – und doch blieb er mir verborgen, bis ich zufällig in diese Galerie stolperte.
Vielleicht musste es so sein. Vielleicht brauchte es genau diesen Moment, dieses Wow.
Denn eines ist klar: Florian Köhnlein ist ein Künstler, den man sich merken sollte. Nicht laut, nicht auf Vermarktung aus – sondern jemand, der Kunst als Kunst versteht. Und jemand, mit dem man Gespräche führt, die philosophisch werden, ohne schwer zu werden.
Ein Künstler, der Räume öffnet. Und einer, der bleibt.
Diesmal tauchte ich im Lentos Museum in eine Ausstellung ein, die einem der bedeutendsten deutschen Maler und Grafiker des Expressionismus gewidmet ist: Max Pechstein. Die Schau zeigt über 100 Werke aus der Kunstsammlung Zwickau – eine internationale Retrospektive, die Pechsteins Weg von den frühen Jahren in der Künstlergruppe Brücke bis in das Spätwerk nach 1945 nachzeichnet.
Ein kurzer Blick auf den Künstler
Max Pechstein (1881–1955), in Zwickau geboren, entstammte einer Arbeiterfamilie und begann seine Laufbahn als Dekorationsmaler. Nach seiner Ausbildung an der Kunstgewerbeschule und der Dresdner Akademie wurde er 1906 Mitglied der Künstlergruppe „Brücke“, wo er eine zentrale Rolle in der Entwicklung des deutschen Expressionismus einnahm. Seine Werke verbinden kraftvolle Farbigkeit, exotische Motive und eine unmittelbare, emotionale Bildsprache.
Was Expressionismus bedeutet
Der Begriff „Expressionismus“ leitet sich von expressio – „Ausdruck“ – ab. Im Zentrum steht nicht die äußere Realität, sondern das Innere des Künstlers: Gefühle, Wahrnehmungen, seelische Zustände. Zu den bedeutenden Vertretern zählen u. a. Kandinsky, Marc, Macke, Munch, van Gogh und Gauguin. Der Expressionismus entstand als Gegenbewegung zu Impressionismus und Naturalismus – und Pechstein war einer seiner prägendsten Stimmen.
Die Ausstellung im Lentos
Die Retrospektive zeigt Pechstein nicht nur als Maler, sondern auch im Spannungsfeld von Förderung, Vermarktung und künstlerischer Selbstbehauptung – besonders sichtbar in seiner komplexen Beziehung zum Galeristen Wolfgang Gurlitt. Förderung und Abhängigkeit, Erfolg und Konflikt: Diese Dynamik zieht sich wie ein roter Faden durch Pechsteins Karriere.
Mich persönlich faszinierten besonders die Werke seiner Südseereise und späteren Aufenthalte an der Ostsee. Diese Bilder tragen eine farbliche Intensität, die sofort berührt.
„Abend im Hafen von Leba“ (1951)
Ein tiefes, vibrierendes Blau dominiert die Szene. Grün‑Gelb‑Töne und die untergehende Sonne schaffen eine Atmosphäre zwischen Ruhe und Bewegung. Die Boote spiegeln sich im Wasser, und beim näheren Hinsehen meint man fast, die Wellen gegen die Rümpfe schlagen zu hören.
„Abschied am Abend“ (1950)
Fischer und Frauen am Strand, vielleicht nach einem langen Tag. Wieder diese kräftigen Farben – Blau, Gelb, das Licht am Horizont. Der Strand spiegelt sich im Wasser, und man spürt die Stimmung eines Moments, der vergeht und doch bleibt.
„Am Garder See“ (1924)
Ein Werk voller Ruhe: tiefes Blau, Schilf, Landschaft, ein grauer Sonnenkreis, der dennoch strahlt. Man spürt, wie sehr Pechstein in der Natur aufging – umgeben von Wasser, Licht und Weite. Ein Blick, den er unbedingt festhalten musste.
Biografische Brüche
Pechstein erlebte nicht nur künstlerische Höhen, sondern auch schwere Einschnitte: Internierung im Ersten Weltkrieg, Geldnot, erzwungene Rückkehr aus der Südsee, später Kriegsdienst. In der NS‑Zeit wurden über 500 seiner Werke als „entartet“ beschlagnahmt, viele gingen verloren oder wurden zerstört.
Die Ausstellung zeigt neben Gemälden und Grafiken auch Fotografien, Briefe, Holzstöcke, Malutensilien und die Reisetagebücher von Max und Lotte Pechstein – Dokumente, die auch die kolonialen und rassistischen Sichtweisen ihrer Zeit sichtbar machen.
Zum Ausklang
Pechstein nimmt innerhalb der deutschen Avantgarde eine zentrale Rolle ein. Die Retrospektive im Lentos vereint Schlüsselwerke aus allen Schaffensphasen und legt einen besonderen Fokus auf seine Beziehung zu Wolfgang Gurlitt, dem Gründer der Vorgängerinstitution des Lentos.
Diese Ausstellung ist auf jeden Fall einen Besuch wert.
65 Jahre Operette – ein Jubiläumssommer voller Klassiker
2026 feiert das Lehár Festival Bad Ischl sein 65‑jähriges Bestehen – und damit eine Kunstform, die bis heute nichts von ihrer Strahlkraft verloren hat. Nach dem großen Strauss‑Jubiläum im Vorjahr widmet sich dieser Sommer erneut der Operette in all ihren Facetten: mit Meisterwerken, Wiederentdeckungen und einem Programm, das Vergangenheit und Gegenwart miteinander ins Gespräch bringt.
Drei Operetten – drei Welten
Der Jubiläumssommer präsentiert drei große Produktionen, die jeweils eine eigene Farbe in die Operettenlandschaft bringen.
BOCCACCIO
Operette von Franz von Suppé Premiere: 11. Juli 2026, Kongress & TheaterHaus Bad Ischl
Franz von Suppés „Boccaccio“ ist ein Feuerwerk aus Witz, Tempo und musikalischer Raffinesse. Das mittelalterliche Florenz steht Kopf: Der Dichter Boccaccio bringt mit seinen freizügigen Novellen die ehrwürdigen Herren der Stadt zur Weißglut, während die Damenwelt seinem Charme nur allzu gerne verfällt. Eine Operette voller Schwung, Humor und melodischer Höhepunkte.
GRÄFIN MARIZA
Operette von Emmerich Kálmán Premiere: 18. Juli 2026, Kongress & TheaterHaus Bad Ischl
Allein der Titel verspricht ungarisches Flair, große Gefühle und musikalische Opulenz. Kálmáns „Gräfin Mariza“ verbindet Sentiment, Humor und Csárdás‑Feuer zu einem der beliebtesten Klassiker des Genres. Ein Abend voller Evergreens, Leidenschaft und Operettenzauber in Rot‑Weiß‑Grün.
DER GÖTTERGATTE
Operette von Franz Lehár Premiere: 14. August 2026, Kongress & TheaterHaus Bad Ischl
Eine echte Rarität im Repertoire: Lehárs „Göttergatte“ ist eine humorvolle, leichtfüßige Operette, die sich mit einem Augenzwinkern der griechischen Mythologie bedient. Gottvater Jupiter mischt sich – inkognito – unter die Sterblichen, nur um am Ende selbst in amouröse Verwicklungen zu geraten. Ein charmantes, selten gespieltes Juwel aus dem Jahr 1904.
Mehr als Operette – ein Festprogramm zum Jubiläum
Zum 65‑jährigen Bestehen bietet das Festival ein umfangreiches Rahmenprogramm:
Bad Ischl bleibt damit, was es seit Jahrzehnten ist: ein Zentrum der sommerlichen Operettenkultur, ein Ort, an dem Tradition und Gegenwart einander begegnen.
Schlussgedanken
Auch wenn die diesjährige Pressekonferenz kurz und unspektakulär ausfiel – das Programm selbst verspricht einen abwechslungsreichen, festlichen Operettensommer. Wer Operette liebt, kommt 2026 in Bad Ischl auf seine Kosten.
Die HAND.WERK.STADT, heuer bereits in ihrer 11. Ausgabe, verwandelte vom 15. bis 25. April 2026 die Salzburger Altstadt erneut in ein lebendiges Schaufenster handwerklicher Kultur. In einer Zeit, in der Digitalisierung und künstliche Intelligenz immer stärker in den Alltag drängen, zeigt dieses Format eindrucksvoll, dass es Bereiche gibt, in denen menschliche Präzision, Erfahrung und Materialkenntnis unersetzbar bleiben. Eine KI kann ein Brotrezept liefern – aber nicht den Duft, die Handgriffe, die Wärme. Genau hier beginnt Handwerk.
Handwerk in der Altstadt – gelebte Nachhaltigkeit
Das Altstadtverband Salzburg setzt seit Jahren auf die Sichtbarkeit jener Betriebe, die mit Tradition, Reparaturkultur und ressourcenschonenden Methoden arbeiten. Nachhaltigkeit ist hier kein Schlagwort, sondern gelebte Praxis: Der Schirmmacher fertigt aus alten Sonnenschirmen Badetaschen, aus Holzresten entstehen Schlüsselanhänger, die Handweberei verwandelt Stoffreste in farbenfrohe Teppiche. So leisten die Handwerker:innen der Altstadt einen wichtigen Beitrag zur „klimaneutralen Stadt 2040“.
Ein Blick in die grafische Werkstatt im Traklhaus
Mein persönlicher Schwerpunkt führte mich in die grafische Werkstatt im Traklhaus, ein Ort, der seit 1945 als offenes Atelier für klassische Druckgrafik besteht. Im Rahmen eines Workshops konnten Besucher:innen in die Welt des Tiefdrucks eintauchen. Künstler Jöran Möller gab eine präzise Einführung in eines der ältesten Druckverfahren.
Tiefdruck – ein Spiel aus Druck, Vertiefung und Farbe
Beim Tiefdruck liegen die druckenden Stellen vertieft in der Platte. Die Vertiefungen werden eingefärbt, die Oberfläche sorgfältig gereinigt, und unter hohem Druck entsteht der Abdruck. Die Teilnehmer:innen arbeiteten konzentriert an ihren Kupferplatten, ritzen Linien, suchten Motive, experimentierten. Ich selbst verließ den Raum bald wieder – Herr Möller hatte mich als Journalistin vorgestellt, und ich wollte die Gruppe nicht unnötig nervös machen.
Ein persönlicher Exkurs: Lithografie
Obwohl im Workshop nicht angeboten, gehört die Lithografie zu jenen Techniken, die mich seit Jahren faszinieren. Ich habe sie selbst einmal erlernt – ein heikles, hochpräzises Verfahren, das auf einem einfachen chemischen Prinzip beruht: Wasser und Fett stoßen einander ab. Der Solnhofener Lithostein, seine Härte, seine Porosität, die Zeichnung mit fetthaltigen Stiften, das Ätzen, das Einfärben – all das verlangt Genauigkeit, Geduld und ein tiefes Verständnis für Material und Prozess. Vielleicht gerade deshalb begleitet mich diese Technik bis heute.
DENKMAL EINBLICK – Ein Haus mit vielen Leben
Mein zweites Ziel führte mich in die Steingasse 24, im Rahmen der Kooperation DENKMAL EINBLICK mit dem Bundesdenkmalamt. Anlässlich des Welterbetags öffnete sich ein Haus, das mehr Geschichte in sich trägt, als seine schmale Fassade vermuten lässt.
Vom mittelalterlichen Handwerkerhaus zum „Maison de Plaisir“
Das spätmittelalterliche Bürgerhaus war einst ein Lederer- oder Weißgerberhaus – die Nähe zur Salzach war essenziell. Über das 19. und 20. Jahrhundert hinweg wurde es als Bordell unter dem Namen „Maison de Plaisir“ geführt. Seit Corona stand es leer, vergessen, ungewollt.
Nun wird es vom Besitzer der Steinterrasse zu einem Boutiquehotel umgebaut. Bei der Restaurierung kamen wertvolle spätmittelalterliche Holzdecken zum Vorschein, dendrochronologisch auf 1471/1473 datiert. Der Architekt erzählte, dass die Pläne fünfmal umgeworfen werden mussten – zu viele Überraschungen, zu viele historische Befunde, zu viele technische Herausforderungen in einem Haus, das künftig digital geführt wird.
Ein Haus voller Enge, Geschichte und Widersprüche
Die Räume sind klein, die Stiegen steil und eng – Fluchtwege? Fehlanzeige. Man kann sich kaum vorstellen, wie hier einst Handwerk betrieben wurde, geschweige denn das spätere Bordellleben. Grotesk fast: Gleich nebenan befindet sich das renommierte Trachtenhaus Lanz.
Am Ende entstehen fünf modern ausgestattete Zimmer, gefrühstückt wird auf der Steinterrasse. Ein Haus, das viele Leben hatte – und nun ein neues beginnt.
Fazit
HAND.WERK.STADT 2026 bot heuer eine spannende Mischung aus traditionellem Handwerk, historischen Einblicken und künstlerischen Techniken. Vom offenen Atelier im Traklhaus bis zum verborgenen spätmittelalterlichen Bürgerhaus in der Steingasse – Salzburg zeigte einmal mehr, wie vielschichtig seine Handwerks- und Kulturgeschichte ist.
Die Kunst der Versöhnung
Im April 2026 präsentierte das Landestheater Salzburg seinen neuen Spielplan für die Saison 2026/2027 – unter dem programmatischen Titel „Die Kunst der Versöhnung“. Ein Motto, das bewusst einen Raum jenseits des Lärms der Welt öffnen möchte: einen Ort, an dem Spannung und Entspannung, Konflikt und Annäherung gemeinsam erlebt und reflektiert werden können.
Doch was bedeutet eigentlich Versöhnung? Für mich ist es der Moment, in dem nach Konflikt, Verletzung oder innerer Zerrissenheit wieder Frieden möglich wird – ein Prozess, der Empathie, Mut und den Willen zu einem Neubeginn erfordert.
Und genau hier beginnt meine Frage: Wo findet man Versöhnung im Theater?
OPER – TOSCA
Premiere: 31. Oktober 2026 / Großes Festspielhaus
Puccinis „Tosca“ gilt als Opernthriller schlechthin – eine Geschichte voller Leidenschaft, Macht, Gewalt und Tod. Versöhnung? Auf den ersten Blick kaum.
Doch das Landestheater setzt einen neuen Akzent: Der Zeichner und Karikaturist Thomas Wizany wird die Aufführung mit live entstehenden Bildern begleiten. Seine Zeichnungen sollen Puccinis Klangwelt visuell erweitern und die Fantasie des Publikums auf neue Weise anregen.
Vielleicht liegt genau darin ein Moment der Versöhnung: in der Verbindung von Musik und Zeichnung, in einem künstlerischen Dialog, der neue Perspektiven öffnet – selbst in einer Oper, die keine harmonische Auflösung kennt.
Wie Wizany etwa die Szene interpretiert, in der Tosca ihren Geliebten Cavaradossi retten will, während Scarpia seine Macht ausspielt, bleibt spannend. Vielleicht ist die Versöhnung hier nicht in der Handlung zu finden, sondern im Erleben, im Nachdenken, im künstlerischen Prozess.
SCHAUSPIEL – SCHACHNOVELLE
Premiere: 21. November 2026 / Landestheater
Auch Stefan Zweigs „Schachnovelle“ scheint auf den ersten Blick wenig mit Versöhnung zu tun zu haben. Ein harmloses Schachspiel wird zur psychologischen Abgrunderkundung – zur Metapher für Isolation, Machtmissbrauch und seelische Zerrissenheit im Nationalsozialismus.
Regisseurin Alexandra Liedtke interpretiert das Schachbrett als Sinnbild der Welt: Jede Handlung provoziert eine Reaktion, jede Figur ist gefangen in einem System aus Zwang und Gegenzug. Eine musikalische Ebene bildet das Gegengewicht – sie erzählt von innerer Flucht, emotionaler Überforderung und dem Versuch, sich selbst zu retten.
Versöhnung? Vielleicht nicht im klassischen Sinn. Aber im Verstehen, im Erkennen, im Aushalten.
JUNGES LAND – RENNSCHWEIN RUDI RÜSSEL
Österreichische Erstaufführung: 3. November 2026 / Landestheater
Hier zeigt sich die Versöhnung im Alltag: humorvoll, warm, menschlich. Das Familienstück nach dem bekannten Kinderbuch erzählt von Zusammenhalt, erster Liebe und dem Umgang mit Extremismus-Erfahrungen – verpackt in die turbulente Geschichte eines Schweins, das plötzlich Teil einer Stadtfamilie wird.
Ein Stück, das zeigt: Versöhnung beginnt oft im Kleinen – im Miteinander, im Lachen, im Mut, anders zu sein.
MUSICAL – TSCHITTI TSCHITTI BÄNG BÄNG
Premiere: 5. Dezember 2026 / Landestheater
Ein Klassiker voller Fantasie, Abenteuer und Herz. Der exzentrische Erfinder Caractacus Potts verwandelt ein altes Auto in ein Wunderfahrzeug, das fliegen, schwimmen und träumen kann. Die Musik der Sherman‑Brüder, bekannt aus dem Film von 1968, trägt die Geschichte mit Leichtigkeit und Humor.
Vielleicht liegt die Versöhnung hier in der Fantasie: in der Möglichkeit, die Welt für einen Moment anders zu sehen – leichter, spielerischer, hoffnungsvoller.
FAZIT – DIE KUNST DER VERSÖHNUNG
Der Spielplan 2026/2027 zeigt: Versöhnung ist kein einfaches Thema. Sie ist nicht immer sichtbar, nicht immer erzählerisch eingebaut, nicht immer harmonisch. Manchmal ist sie ein Prozess, manchmal ein Gedanke, manchmal ein Gefühl, das erst im Publikum entsteht.
Das Landestheater lädt dazu ein, sich auf diese Suche einzulassen – in Oper, Schauspiel, Musical, Ballett und Jungem Land.
Versöhnung beginnt im Kleinen. Vielleicht finden wir sie gemeinsam – im Theater, im Alltag, in einer Welt, die sie dringend braucht.
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