Als neues Highlight wurde zum Ars Electronica Festival 2021 auch die FESTIVAL UNIVERSITY ins Leben gerufen. Es ist eine von der Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica initiierte internationale hybride Sommeruniversität, die erstmals am Campus der JKU und online stattfand.
(c) ARS Electronica Ideas for a university of the future
Ihr ambitioniertes Programm überwand fachliche Grenzen und vereinte neue Technologien, Wissenschaft und Kunst mit den großen gesellschaftlichen Fragen unserer Zeit. Hier wurde ein Prototyp installiert, die die Vorbotin einer „Universität der Zukunft“ präsentiert und ist somit die neue Technische Universität in Oberösterreich.
Eine wichtige Plattform ist die Festival University für die Ideen und Visionen von jungen Menschen – die in die Ausgestaltung und Entwicklung einer neuen Universität unbedingt miteinfließen müssen.
Auszug aus dem Pressetext: „Studierende präsentiert en ihre „Ideen für eine Universität der Zukunft“ im Rahmen der Festival University von JKU und Ars Electronica Wie sollen Lernen und Lehren an einer „Universität der Zukunft“ aussehen? Diese Frage wurde derzeit im Kontext der Gründung einer neuen Technischen Universität in Oberösterreich intensiv diskutiert. Studierende der ersten Festival University von Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica präsentierten im Deep Space im Ars Electronica Center nun ihre Ideen und Visionen dazu. Es entstand ein authentischer, internationaler und unbefangener Blick, dessen Essenz in die Ausgestaltung und Entwicklung einer neuen Universität unbedingt einfließen wird.
Die erste internationale Festival University, das neue visionäre Gemeinschaftsprojekt der Johannes-Kepler-Universität Linz und Ars Electronica, zeigt als Feldversuch und Prototyp einer „Uni der Zukunft“ eindrucksvoll, welches Potenzial die Gründung einer neuen Universität in Oberösterreich im 21. Jahrhundert hat: „Es entsteht eine unglaubliche schöpferische Kraft, wenn Wissenschaft und Kunst gemeinsam auf Entdeckungsreise gehen. Daraus wurde von der JKU und Ars Electronica die erste internationale Festival University geboren. “
Es waren drei aufregende Wochen der Festival University am Campus. Es gab viele Themen, die bei dem Projekt sehr wichtig waren, wie man Kunst und Wissenschaft und Technologie in Einklang bringen kann. „Aus 230 Bewerber*innen wurden 100 Studierende aus 40 Ländern für die Festival University ausgewählt. Ihre fachlichen Hintergründe sind divers und reichten von Sozial- und Naturwissenschaften über Kunst bis zu Wirtschaft, Recht oder Technik.
Ein Resümee von Rektor Lukas JKU:
„Linz hat alle Voraussetzungen, um zu einem internationalen Zentrum der digitalen Renaissance zu werden – die neue TU OÖ kann dafür eine Trägerrakete sein. Dafür muss die Politik den Mut haben, mit Konventionen zu brechen. Interdisziplinarität und Internationalität müssen zu gelebten Eckpfeilern der neuen Universität werden. Nur so geben wir jungen Menschen die Werkzeuge und Fähigkeiten, mit denen sie unsere Welt in ihrer Komplexität erfassen und somit wirkungsvoll den Herausforderungen unserer Zeit begegnen können. Geschaffen aus dem Pioniergeist der JKU und Ars Electronica hat die Festival University als Feldversuch gezeigt, wie das gelingen kann.“
Das Dienstälteste Festival für interdisziplinäre und zeitgenössische Kunst in Europa hat seit 08.09.2021 wieder seine Pforten zwischen September und Oktober geöffnet. Graz ist in diesem Zeitraum wieder Festivalmetropole.
Der „steirische herbst“ der 1968 von Hanns Koren gegründet wurde, blickt auf eine lange Geschichte zurück und produktive Störungen waren immer wieder die Grundlage für öffentliche Debatten unterschiedlicher Art und quer durch alle Disziplinen und Medien, was Kultur für das Zeitgenössische bedeuten könnte, wurde neu definiert.
Das Motto 2021 lautet: „The Way Out” und wagt sich heuer radikal nach draußen, heraus aus dem Lockdown, aber auch heraus aus den Museen, Galerien und den institutionellen sicheren Räumlichkeiten. Des Weiteren beschäftigt sich das Festival mit der Frage, inwieweit können Kunstwerke in das Alltägliche eindringen. Sind es zufällige Begegnungen oder ist es die Wiederentdeckung der Außenwelt?
Murgasse mit dem Pressebüro THE WAY OUT Foto: Christa Linossi
Ich besuchte den „steirischen herbst“ und stellte fest, er ist heuer anders als sonst oder empfand ich es nur, weil ich etwas chaotischer unterwegs war? Ehrlich gesagt, man muss sich auf alle Fälle Zeit nehmen und kann nicht, wie üblich, durch die Innenräume der Museen und Galerien „fetzen“, um sich dadurch einen Eindruck zu verschaffen. Ich kam vom „Durchrasen“ herunter und begann bestimmte Ziele zu wählen und nicht wie üblich, alles unter einem „Hut“ zu bringen. Man musste schon zweimal hinsehen.
Heuer ist eben alles anders, auch die Zusammenarbeit mit den Museen und Galerien. Heuer finden auch keine Kooperationen zwischen Kunsthaus Graz oder anderen Institutionen statt. Es gibt hier nur Parallelprogramme zu sehen, klar, der Titel sagt es ja „The Way out“.
Beginnen wir mit dem Hauptbahnhof, dort werden die Menschen schon mit einem kunstvoll gestalteten Tor empfangen. Es deutet auf diese Welt in der Kunst und Leben ineinander übergehen und sie das eine von dem anderen nicht immer unterscheiden können. Das Kunstwerk Assembly schuf Marinella Senatore, eine multidisziplinäre Künstlerin, die sich durch eine starke partizipatorische Dimension und einen ständigen Dialog zwischen Geschichte, Popkultur und sozialen Strukturen auszeichnet. Ihre Installation besteht aus bunten Lichtern und gleicht am Abend einem beeindruckenden visuellen Feuerwerk und beleuchtet somit am Abend den Bahnhofsvorplatz.
In den Parks und Straßen von Graz sind Performance und Künstler: Innenplakete ein gewisser Schwerpunkt.
Mounira Al Solh, Things My Neighbour Could Say as She’s Watching the Sunset (2021), Plakat im öffentlichen Raum, Graz. Foto: Johanna Lamprecht
Mounira Al Solh, Things My Neighbour Could Say as She’s Watching the Sunset (2021), Plakat. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin
Ich hatte mir die Performance der radikalen New Yorker Performance-Gruppe „Reverend Billy and the Church of Stop Shopping” angesehen. Diese Gruppe interpretierte und warnte mit schrägen Predigten und Chören vor dem drohenden Ende der Menschheit durch den Shoppingwahn. Eine gut inszenierte und ausdrucksstarke Performance, die zuerst im Innenhof des Palais Attems stattfand und sich dann die Gruppe mit den Besuchern in die Sackstraße und von dort zum Joanneums-Viertel bewegte. Mit lauter Sprache und Megafone heizte die Gruppe die Menschen in der Innenstadt noch an, die oft nicht sagen konnten was mit ihnen im Moment geschah.
Es sind noch weitere interessante Kunst-Installationen zu sehen, wie zum Beispiel im Besucher: innen- und Pressezentrum von Peter Schloss mit „Grupa Ee“. Um was handelt es sich hier? Hier hat der Künstler in seinen formal-minimalistischen Arbeiten einen Versuch zu einer präzisen Vermessung der Welt gestartet. Es sind Erkenntnisse und wie die uns täuschen können. Seine Kollaboration mit dem Kollektiv Grupa Ee bewegen sich seine Arbeiten zwischen Design und künstlerischer Intervention. Es handelt sich hier um eine berühmte optische Täuschung, die erstmals 1898 beschriebene Café-Wall-Illusion. Was ist das bitte genau? Die Café-Wall-Illusion ist eine visuelle Wahrnehmungstäuschung, bei der Rechtecke trapezförmig erscheinen. Es geht hier auch um Farbillusionen, geometrische Illusionen. In all diesen Fällen scheint unser Sehvermögen falsche Annahmen des Sehreizes zu treffen. Optische Täuschungen beruhen auf der Tatsache, dass die Wahrnehmung subjektiv ist und vom Gehirn beeinflusst wird.
Peter Schloss mit „Grupa Ee“. Foto: Christa Linossi
Innenansicht Besucher:innen- und Pressezentrum, Ticketschalter. Foto: Dietmar Reinbacher
Zur Parallelausstellung in HALLE FÜR KUNST (ehemaliges Künstlerhaus) sah ich mir die Ausstellung eines afroamerikanischen Künstlers_innen Kevin Jerome Everson und Doreen Garner an. Es ist ein Blick auf den politischen Diskurs in den USA aber im speziellen auf das Leben von Afroamerikaner_innen in der Vergangenheit und im Hier und Jetzt an.
Doreen Garner (*1986 Philadelphia, lebt in New York) stellt in ihrer Ausstellung Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm den Versuch dar, die Erniedrigung des schwarzen Körpers und die tatsächlich gelebte Erfahrung schwarzer Menschen. Betrachtet man die Arbeiten der Künstlerin, sieht man Fleischbrocken, ein anderes Objekt zeigt einen geöffneten Schlund, wo auf der Seite der Schaum heruntertröpfelt, es sieht ekelerregend aus. Die Werke zeigen nicht nur die Schrecken der Vergangenheit der Weltbevölkerung auf, sondern zeigen auch klar auf, dass auch heute die Disparitäten zwischen einer privilegierten, mobilen weißen Mehrheit und einer farbigen, ökonomisch schwachen Minderheit fatale Wirkungen, vor allem auf die Schwarzen haben.
Doreen Garner Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm Foto: Christa Linossi
Doreen Garner Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson: Der Experimentalfilmemacher war im Norden von Chile und richtete gegen 19:22 Uhr Ortszeit seine Kamera gen Himmel. Die Arbeit CONDOR 2019 (benannt nach dem Greifvogel) nimmt den kompletten Hauptraum der HALLE FÜR KUNST Steiermark ein. Es war die Entscheidung des Künstlers, die Finsternis mit einem Schwarz-Weiß-Film festzuhalten. Es sollte die Sensibilität für das essenzielle Wesen der Dinge widerspiegeln. In dem Film zeigt er, wie sich der Mond vor die Sonne schiebt, und man nur mehr einen weißglühenden Ring sieht und das minimalistische Bild, auf das man blickt, könnte für ein paar Sekunden vieles wiedergeben, den danach erscheint die Wand als komplett Weiß. Sollte es folgendes interpretieren? Die weiße Macht gegenüber der schwarzen Bevölkerung? Nein, es war am 2. Juli 2019 ein astronomisches Ereignis in der Region, dass rund um den Südpazifik zu beobachten war.
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Kevin Jerome Everson Ausstellung CONDOR 2019 Foto: Christa Linossi
Das berühmte musikprotokoll 2021 vom „steirischen herbst“ findet dann ab 7.10. bis 10.10.2021 an verschiedenen Orten in der Stadt statt.
Martin Hochleitner Kunsthistoriker beschäftigte sich mit einer großen Anzahl von Museums-, Galerien-, Kunsthallen- und Kunstvereinsprojekten. Die Idee zu diesen Themen ein Buch zu verfassen, war die Grundvoraussetzung. Mit seinem analytischen Blick unentwegt an der „Sprache als ein symptomatischer Ausdruck der jeweiligen Zeit anzupassen. Hochleitners Studien legten ihm nahe, dass das signifikante Sprechen über die Kunst/Künste einer bestimmten Zeit diese nicht nur zu erfassen versucht, also nicht nur eine bloße Wiedergabe- und Erfassungs-Funktion besitzt (Auszug aus dem Nachwort von Karl Müller)
Es ist ein Ergebnis aus langjährigen Beobachtungen von künstlerischen und kuratorischen Praktiken und gibt den Einblick in die Gegenwart von Sprache über Kunst.
Dieses Buch ist es wert zu lesen?
Wer sich für Kunst im Allgemeinen interessiert, sollte diese Buch lesen. Es ist spannend zu lesen über die Sprache, wie sie in der Kunst gesprochen wird und man auch einen Einblick in verschiedene Wortspiele bekommt, die einem nicht immer so geläufig sind.
DER AUTOR:
Martin Hochleitner ist Kunsthistoriker und seit 2012 Direktor des Salzburg Museum. Zuvor leitete er von 2000 bis 2012 die Landesgalerie Linz. Er unterrichtet seit den 1990er-Jahren an verschiedenen Universitäten und Hochschulen in Österreich und Deutschland. 2013 erhielt er den Staatspreis ars docendi für exzellente Universitätslehre in Österreich.
Erschienen ist das Buch
2021 Verlag Anton Pustet, 5020 Salzburg ISBN 978-3-7025-1031-2
Bei einer Vernissage Anfang September 2021 im Traklhaus Salzburg, lernte ich den Künstler Roman Pfeffer kennen. Es handelt sich hier um eine Ausstellung in Kooperation mit der MAERZ Künstler- und Künstlerinnenvereinigung, Linz, nach Salzburg wird die Ausstellung in Linz gezeigt wird.
Roman Pfeffer, Ausstellungsansicht, Foto Rudolf Strobl
Zum Künstler Roman Pfeffer:
Die Arbeiten von Roman Pfeffer im Traklhaus und seine Arbeiten auf seiner Homepage sprachen mich sofort an und ich wusste, diesen Künstler muss ich interviewen und auf meinem Blog vorstellen.
Traklhaus – Roman Pfeffer / Foto: Christa Linossi
Linossiartstory: Deine Ausstellung im Traklhaus hat den „Schwerpunkt“: Maßnehmen, Dinge in Beziehung setzen – unter Umständen auch sich selbst – und dabei neue Parameter entdecken“. Was ist der Reiz darin?
Roman Pfeffer: Einmal sagte ich in einem Interview: Das Absolute macht mir eher Angst und das hat mit deiner Frage zu tun. Alles steht in Beziehung zueinander und kann sich jederzeit verändern. Ich nehme Dinge oder Themen des Alltags und beleuchte sie und so entsteht etwas Neues. Verschiebe ich eine Kleinigkeit, dann ist etwas, was vorher als absolut gegolten hat, danach nicht mehr richtig. Zum Beispiel im Falle der Gleichung 8 = 0, 176m2. Für diese Gleichung würde man in der Mathematikstunde eine 5 bekommen. Dadurch, dass, ich beim Kunstwerk andere Parameter heranziehe, ist diese Gleichung mathematisch richtig, obwohl das Ergebnis das Gleiche ist. Um das geht es immer wieder: Zusammenhänge verstehen und diese anzuwenden. Durch einen neuen Blickwinkel entdeckt man wieder etwas Neues.
Traklhaus – Roman Pfeffer / Foto: Christa Linossi
Linossiartstory: Erzähl uns ein paar Worte über dich und was bewog dich Künstler zu werden.
Roman Pfeffer: Wenn ich zurückblicke, dann haben mich in meiner Kindheit immer wieder Listen begleitet. Ich habe Statistiken aufgestellt und fiktive Wettbewerbe abgehalten, bei denen ich durch Manipulation Einfluss genommen habe, wer am Ende auf Position 1,2,3… steht. Somit waren Zahlen, Mathematik und ihr Verschiebung relativ früh für mich interessant. Mit Kunst hatte das zu dieser Zeit nichts zu tun, aber mit Analyse und wie Verschiebungen durch Einflussnahme zustande kommen. Ich bin dann später in die Ortweinschule in Graz gegangen, wo ich einen Architekten als Lehrer hatte, der viel über Rhythmik, Reihung und Komposition gesprochen hatte und das interessierte mich. Dass ich dann an der Akademie der bildenden Künste gelandet bin, war am Ende eher die Neugierde an der Kunst. Eigentlich hatte ich am Beginn des Studiums wenig Ahnung, was zeitgenössische Kunst bedeuten kann. Darum passierte es auch, dass ich in der Malerei-Klasse von Gunter Damisch gelandet bin. Mit meinem aktuellen Wissen würde ich mich heute eher in einer Bildhauerei Klasse bewerben. Aber die Zeit im Studium ist auch dazu da, um herauszufinden, wohin der Weg gehen kann.
Linossiartstory: Was beeinflusst dich und deine künstlerische Arbeit?
Roman Pfeffer: Kunstgeschichte, Dinge oder Inhalte, die uns umgeben, spielen bei meiner Arbeit eine Rolle. Manchmal finde ich ein Objekt, das lagert dann bei mir im Atelier und nach einer Weile entwickelt sich daraus ein Kunstwerk. Andere Arbeiten, wie die Mazzocchio Arbeiten, welche in der Ausstellung im Traklhaus zu sehen sind, knüpfen direkt an die Kunstgeschichte an.
Linossiartstory: Deine Arbeiten sind ausdrucksstark. Finden Deine Installationen auch im öffentlichen Raum oder nur in Galerien statt? Mit welchen Materialien arbeitest Du?
Roman Pfeffer:Am öffentlichen Raum habe ich großes Interesse, werde allerdings eher selten eingeladen dort etwas zu machen. Heuer stehen überraschenderweise gleich zwei Projekten an. Es gibt keine spezifischen Materialien, die ich verwende. Es verändert sich von Werk zu Werk und ist in Beziehung mit dem Inhalt der Arbeit zu sehen. Zum Beispiel bei den Arbeiten in der Ausstellung, bei denen ich die Linien eines Notenblattes herausgeschnitten habe, um eine Komposition entstehen zu lassen. Hier gibt die Arbeit schon das Material vor. Oder es gibt die kultivierten Zierpflanzen. Da habe ich die Blätter eines Gummibaums in eine Ahornform umgewandelt, indem ich die Blätter beschnitten habe. Da benötigt man die Fotografie, um diesen Eingriff weitertransportieren zu können.
Linossiartstory: Interessant ist Deine Arbeit „Swip“, 2017, es ist wie ein Puzzlespiel, betrachtet man es genau, findet man Quadrate, Rhomben, Linien vor: was war hier dein Gedankenspiel dies zu kreieren?
Roman Pfeffer: Diese Arbeit hat als Ausgangspunkt eine Zeichnung des 16-teiligen Mazzocchio-Ringes mit achteckigem Querschnitt. Diese Zeichnung ist auf 32 Tafeln aufgemalt. Jede dieser Tafeln ist drehbar. Dreht man jetzt genau die Hälfte der Tafeln, so entsteht ein abstraktes Bild. Hier interessiert mich die Frage, ab wann etwas Reales abstrakt wird bzw. genügt Form und Farbe oder benötigen wir den Konex zur Abbildung. Ein weiterer Punkt ist das Wissen, das unsere Sehgewohnheiten prägt. Haben wir das Wissen, dass bei dieser Arbeit der 16teilige Ring die Grundlage ist, so vervollständigt unser Gehirn dieses Werk.
Linossiartstory: In welchem Genre und Material fühlst du dich mehr zuhause?
Roman Pfeffer:Momentan ist es die konzeptuelle Bildhauerei, aber das kann sich schnell wieder ändern.
Linossiartstory: Gibt es Materialien, mit denen du besonders gerne arbeitest oder mit denen du zurzeit viel herumexperimentierst?
Roman Pfeffer:Holz hat den Vorteil, dass man sehr schnell ein Modell bauen kann, darum verwende ich das relativ oft.
Linossiartstory: Nimmst du auch an Künstler-Symposien teil. Was bringt dies dem Künstler (Austausch, Erfahrung)
Roman Pfeffer:Sehr selten bin ich bei Künstler-Symposien. Grundsätzlich ist das eine gute Erfahrung, aber ich bewerbe mich nie dafür, da ich im Atelier eher im Rückstand bin. Letztes Jahr wurde ich ins Silvrettatelier von Roland Haas für 2 Wochen ins Montafon eingeladen. Das war wunderbar und es ist auf 2000m Höhe einiges entstanden. Der Einfluss einer anderen Umgebung und das Zusammensein mit Kolleginnen, die man nicht kennt, hat natürlich etwas Reizvolles und bringt im Idealfall die Beteiligten einen Schritt weiter.
Linossiartstory: Inwiefern ist die Vernetzung über Social Media heute für den Künstler wichtig?
Roman Pfeffer: Social Media ist mittlerweile ein Teil unserer Welt geworden und in dieser bewegt sich auch der Künstler Roman Pfeffer. Ob es lebenswichtig ist, das stelle ich in Frage, aber es ist eine Möglichkeit, die eigene Arbeit zu verbreiten. Was die schnelle Verbreitung aber auch mit sich bringt, ist, dass ähnliche Arbeiten von vernetzten Personen entstehen.
Linossiartstory: Welches deiner Projekte ist Dir am meisten in Erinnerung geblieben und weshalb?
Roman Pfeffer:Es gibt Projekte, die sich an der Kante des Scheiterns bewegen, und die bleiben am stärksten in Erinnerung. 2015 realisierte ich eine Videoarbeit, bei der ich ein 17m langes Sportruderboot am Kopf rotieren ließ. Das Ruderboot war um 180 Grad gedreht, mein Kopf steckte zur Gänze im Rumpf und dann drehte sich das Ruderboot. Ich stand drinnen und hatte Angst um mein Leben, da ein Windstoß alles aus der Balance bringen hätte können. Die Arbeit bekam während des Drehs den Titel „Braintwister“, da man von der Außenwelt abgeschottet ist und das Boot durch die Drehung die Gehirnwindung ankurbelt.
Linossiartstory: Was bedeutet für Dich Erfolg?
Roman Pfeffer: Wenn die Rahmenbedingung es zulassen, dass ich meine Arbeit weiterentwickeln kann, dann ist es für mich Erfolg.
Linossiartstory: Der Virus COVID 19 hat auch die Kunstszene lahmgelegt, wie ist es Dir ergangen und wie sieht die Zukunft aus.
Roman Pfeffer:Ich hatte das Glück, dass ich in den Covid – Lücken Ausstellungen hatte. Manche wurden ein wenig verschoben, die anderen verlängert und wenige abgesagt. Ein Skulpturenprojekt in Sydney wird jetzt schon das 2 Mal verschoben, aber da ich vorhabe, noch eine Weile auf dieser Erde zu bleiben, wird sich das schon noch ausgehen.
Linossiartstory: Wo würdest Du am liebsten in Europa für immer Stationiert sein?
Roman Pfeffer:Ich lebe jetzt schon mehr als 25 Jahre in Wien und arbeite auch immer wieder in Attnang-Puchheim. Wien als Base ist gut und ich denke es wird auch so bleiben. Wenn ein Sponsor mein Studio vergrößern könnte, dann wäre das ein Wunsch, der auf meiner Liste steht. Bei meiner Kunst ist es weniger wichtig, wo ich angesiedelt bin, sondern die Rahmenbedingungen vor Ort spielen eine größere Rolle.
Roman Pfeffer, „11 m“, 2013/17, Maßband, Farbe, Holz, Installationsansicht Raum mit Licht
Linossiartstory: Roman es war nett mit dir diesen Chat zu führen. Es war ein offener ausführlicher Chat, mit vielen interessanten Einblicken in deine Kunst. Für die Zukunft wünsche ich dir noch viele atemberaubende und interessante Abenteuer auf deinem Weg zur öffentlichen Kunst.
Danke für das nette Chat-Gespräch und alles Gute für die Zukunft.
Lazy Mazzocchio, 2017 Bildrecht Foto: Josef Schauer Schmidinger
Die Ausstellung von Roman Pfeffer ist im Traklhaus/Salzburg noch bis zum 16. Oktober 2021 zu sehen
Es ist wieder September und jedes Jahr um diese Zeit findet das Ars Electronica Festival statt. Diesmal in einer neuen Location – 2020 aufgrund von Corona, sehr eingeschränkt – statt. Die Location „In Kepler’s Garden“ ist am Gelände des Campus JVK > Johannes-Kepler-Universität. Es ist auch eine Kooperation zwischen der Kepler Universität und Ars Electronica.
Wie immer, wenn Ars Electronica zur Pressekonferenz ruft, dann kommen sie alle Regional, National und International. Jeder ist gespannt, was wird präsentiert? Gibt es neue Einblicke in die Zukunft? Ja es gibt sie, die neuen Einblicke, und diesmal in Zusammenarbeit mit Wissenschaft, Technik und Kunst gekoppelt.
Es handelt sich heuer um eine große Themenausstellung der Ars Electronica 2021. Es geht um die Neuordnung unserer aus den Fugen geratenen (digitalen) Welt. Ars Electronica setzt hier gemeinsam mit Künstler*innen, Wissenschaftler*innen, Entwickler*innen, Aktivist*innen aus aller Welt den Finger in die Wunde und bringt Themen wie die lückenlose Überwachung, Hochkonjunktur von Verschwörungstheorien aufs Tableau.
Im dritten Jahrzehnt dieses 21. Jahrhunderts werden die Karten neu gemischt, um einen NEW DIGITAL DEAL auf den Weg zu bringen.
JKU Projekte beim Festival
30 Erfindungen pro 100.000 Einwohner*innen. Linz liegt somit weit über dem österreichischen Durchschnitt. JKU ist die UNESCO City of Media Arts und spielt eine tragende Rolle in der Entwicklung modernster Technologien und Materialien. Zitat: „Viel davon passiert am Linz Institute of Technology (LIT) der JKU, wo Forschung, Innovation und künstlerische Wissensvermittlung vereint werden.“ (“ARS ELECTRONICA 2021 – A New Digital Deal | JKU Linz”) Das Ars Electronica Festival bietet wieder die Bühne für ausgewählte Projekte des LIT, die den Besucher*innen einen Einblick in die durchwegs interdisziplinären Arbeiten geben.
Was faszinierte mich beim Festival? War es ein Roboter, Das Auge mit neuem Blickwinkel oder die Tränen-Forschung? Alle drei Objekte waren für mich interessant, die ich ihnen kurz vorstellen will:
Fascination Robotic Impressions of „Fascination Robotic“ by Daniel Hoeller (AT), Dominic Koll (AT), Alexander Koll (AT), Helmut Rohregger (AT), Robert Sturmlechner (AT), Amir Bastan (IR) at the „Digital && Life“ Exhibition at the JKU. Foto Credit: vog.Photo
Konfrontiert wurde ich am Vorplatz des Campus bei der Besichtigung mit einem Roboter, der direkt auf mich zu kam. Dieses Projekt nennt sich Magic-Eye, wird als vierbeinigen Roboterhund dargestellt und durch koordinierte Bewegungen des Roboters mit Radartechnik (Messung durch Millimeterwellenreflexionen) kombiniert. Spot, so wird er genannt, wird beim Festival folgendes zeigen: er wird Gesten und Handzeichen erkennen, schwieriges Gelände bewältigen und auf Hindernisse reagieren. Auch autonom kann Spot Besucher durch das Festivalprogramm führen und einen Vorgeschmack auf die Zukunft der Robotik geben.
Das Team rund um die Fascination Robotic Impressions of „Fascination Robotic“ by Daniel Hoeller (AT), Dominic Koll (AT), Alexander Koll (AT), Helmut Rohregger (AT), Robert Sturmlechner (AT), Amir Bastan (IR) at the „Digital && Life“ Exhibition at the JKU.
DImpressions of the Project „Demystify AI!“FACE OF AI by LIT Robopsychology Lab JKU Linz (AT) at the „Digital && Life“ Exhibition at JKU. Foto Credit: vog.Photo
Project „Demystify AI Face of AI / Foto: Christa Linossi
Interessant fand ich auch die Multimedia-Installation FACES of AI, welches Gesicht hat künstliche Intelligenz? So die Fragestellung. Eine groß angelegte Bildanalyse des LIT Robotpsychologie Lab zeigt faszinierende Ergebnisse, wie man künstliche Intelligenz in der Öffentlichkeit visuell darstellen kann. Die Frage stellt sich auch, wie viele Gehirne, Roboter oder Menschen erscheinen in welchen Farben? Wie viele Gehirne, Roboter oder Menschen erscheinen in welchen Farben? Und wie haben JKU Artificial Intelligence Studierende typische Medienbilder als realistisch eingeschätzt? Künstliche Intelligenz spielt in unserem Alltag immer mehr eine wichtigere Rolle.
Auch bei dem Projekt von Kasia Molga (UK/PL) die Arbeit trägt den Namen How to Make an Ocean, auch hiermusste man stehen bleiben. Worum geht es in diesem Projekt?
Impressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at Foto Credit: vog.PhotoImpressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at Foto Credit: vog.Photo
Kasia Molga kämpfte nach einem verheerenden Verlust im Herbst 2019 mit Trauer. Da sie sehr viel weinte, fing sie an, ihre Tränen zu sammeln, während dieses Sammeln, stellte sie sich die Frage, ob sie das Leben im Meer beginnen und dann erhalten könnte. Dieses Projekt ist eine persönliche Reise, um den Akt der Trauer zu verstehen und um den Akt der Trauer zu verstehen und gleichzeitig die Zusammenhänge zwischen dem menschlichen Körper, Emotionen und körpereigenen „Nebenprodukten“ wie Tränen mit ihrer chemischen Zusammensetzung basierend auf dem Grund des Weinens als mögliche Komponenten kreativ untersuchen im Mini-Meeres-Ökosystems. Des Weiteren stellte sie sich die Frage: können wir Tränen, die für das Ende von etwas geweint werden, als positive und lebensbejahende Schöpfung eines neuen Mini-Ozeans betrachten?
Impressions of the Project „How to Make an Ocean“ by Kasia Molga at the „Digital && Life“ Exhibition at JKU.
Es gibt jedoch viel mehr zu Entdecken auf der Ars Electronica, ich konnte jedoch aus Zeitgründen nur ein paar Objekte ansehen und diese drei oben angeführten Projekte fand ich auf alle Fälle spannend.
2021 wird das Ars Electronica Festival rund um den Globus stattfinden. Es findet somit nicht nur physisch in Linz, sondern auf der ganzen Welt statt. 80 Partnerinstitutionen rund um den Globus öffnen mit eigenen Inhalten ihre Ars Electronica Gardens, die als hybride Ars Electronica von 8. bis 12. September 2021 auch über das Internet erlebt werden können. Ars Electronica zeigt die Zukunft und es ist immer wieder eine Reise wert, in die Digitale Welt von Ars Electronica einzutauchen. Die Ausstellung läuft noch bis 12. September 2021 https://ars.electronica.art/news/de/
Liebe (die Illusion) und die Sehnsucht als Begleiterin gibt immer wieder Rätsel auf, es gibt keine Erklärung dafür!
Die Spirale dreht sich und darin befindet sich die Sehnsucht, die Liebe, der Verstand setzt aus, man kann sich aus der Spirale nicht befreien, sie dreht sich weiter…Sehnsucht ein starkes Element, eine brennende, verzehrende, ungestillte, unbestimmte Sehnsucht. Sie ist mit dem Gefühl verbunden, den Gegenstand der Sehnsucht nicht erreichen zu können.
„100 FEMALE VOICES Portraits bedeutender Künstlerinnen aus 100 Jahren Salzburger Festspiele“ zum Jubiläumsjahr der Salzburger Festspiele
DIE KOLLEGIENKIRCHE – ORT MIT FESTSPIELTRADITION – ließ einst ein selbstbewusster Landesfürst, Erzbischof Johann Ernst von Thun und der modernste Architekt seiner Zeit, Johann Fischer von Erlach in der kurzen Bauzeit von 1696 – 1707 die Kollegienkirche aus dem Boden wachsen– die Kollegienkirche gegenüber den Festspielhäusern ist somit seit der Gründung der Salzburger Festspiele ebenfalls zentrale Spielstätte geworden.
In dieser Kirche mit Festspieltradition, stellt die gebürtige Salzburgerin Martina Stock, die als bildende Künstlerin und Harfenistin in Berlin lebt und arbeitet, eine begehbare audiovisuelle Installation „100 FEMALE VOICES – Portraits bedeutender Künstlerinnen aus 100 Jahren Salzburger Festspiele“ aus.
Martina Stock hat 100 ausgewählte Protagonistinnen die in den Mittelpunkt der Wahrnehmung gerückt. Es stehen Künstlerinnen, die von 1920 bis 2020 in verschiedenen Bereichen, wie Oper, Schauspiel, Tanz, Bühnenbild und Kostüm, Regie, Komposition, Musikalische Leitung, Instrumental, Video und Sounddesign, Literatur und Theaterfotografie durch ihre Persönlichkeit und ihr Wirken prägend waren/sind, im Blickfeld.
Es handelt sich um 100 freistehende Serigrafien auf Leinwand und da es sich um eine audiovisuelle Installation handelt, hat Martina Stock eine Eigenkomposition für Harfe komponiert und für die Ausstellung in Form einer Toninstallation installiert. Die Harfe unterstreicht die Wirkung der Motive der 100 Kunstwerke, welche die Künstlerinnen der Salzburger Festspiele zeigen. Die Besucher*Innen werden beim Durchschreiten der Kollegienkirche von der Musik getragen und sind somit ein Teil einer besonderen Klang- und Bildwelt.
Die Kirche bietet mit ihrem römischen Stil gehaltenen barocken Architektur und ohne Kirchenbänke die ideale räumliche, akustische und historische Beschaffenheit zu dieser Ausstellung. Die Kirche wurde von Johann Fischer von Erlach auch als ein „Tempel der Weisheit“ genannt. Mit Maria als Sitz der Weisheit und Beschützerin der Künste befindet sich in der Mitte des Hochaltars.
BIOGRAFIE Martina Stock ist Harfenistin und bildende Künstlerin im Bereich der Serigrafie. Studien an der Kunstuniversität Mozarteum Salzburg, Klasse Grafik und Neue Medien mit einem Erasmusaufenthalt in Krakau, an der Universität der Künste Berlin, Geografie an der naturwissenschaftlichen Fakultät Salzburg. 2009 Magisterabschlüsse. Seitdem künstlerisch tätig mit eigenem Atelier, zwischenzeitlich auch als Dozentin https://www.martinastock.at/
DAUER 22. August – 12. September 2021 ORT Kollegienkirche | Universitätsplatz 1 | 5020 Salzburg ÖFFNUNGSZEITEN Mo – So | 10 – 19 Uhr EINTRITT FREI
Seit geraumer Zeit beschäftige ich mich mit dem Thema „Liebe und ihre Illusionen“ es betrifft alle Menschen auf der Welt.
Warum der Titel „Love an Illusion“? Illusionen sind optische Täuschungen, wenn das Gehirn durch den Scheindruck etwas wahrnimmt, das nicht mit der Realität übereinstimmt. Die Illusion existiert, jedoch sie existiert nicht so, wie der Verstand denkt. Illusion eine Sinnestäuschung oder doch Realität?
Albert Einstein sagte schon: „Realität ist eine Illusion, allerdings eine sehr hartnäckige“. Sind Illusion und Realität ident? Im Klartext: eine Illusion ist eine falsche Wahrnehmung der Wirklichkeit!
Meine Arbeiten zum Thema „Liebe“ entstanden aus einer reinen Illusion heraus. Wissenschaftlich wurde auch erwiesen, dass zum Beispiel ein Partner nur einen Reiz auslöst und daher die „Liebe nur eine Illusion“ sein kann.
2021 ist für die Sommerakademie für Bildende Kunst Salzburg auch wieder Geschichte. Natürlich konnte sie nur unter speziellen Auflagen – aufgrund von Corona – mit Maskenpflicht und den 3G Regeln stattfinden.
In diesem Jahr waren 306 Studierende angemeldet und 240 Studierende nahmen aus 60 verschiedenen Nationen teil. 16 ein- bis vierwöchige Kurse auf der Festung Hohensalzburg, im Steinbruch Fürstenbrunn. Erstmalig bestand auch die Möglichkeit online teilzunehmen. Das heißt die Sommerakademie ist auch hier im 21. Jahrhundert angekommen.
Somit ist auch in der Kunst eine neue Landkarte der Globalisierung entstanden. Die Medienkunst, von der Fotografie bis zum Videofilm, jagt verstärkt durch das globale Netz und verändert so Museen, Kunsthochschulen. Neue Kontinente und Länder, quer über den Globus finden Eintritt in die Welt der Kunst. 2020 das Corona Jahr, hatte auch hier einen großen Anteil dazu beigetragen.
Die Frage Kunst in einer globalisierten Welt zu hinterfragen, hier bieten sich viele Möglichkeiten an, um das ganze Spektrum aller Medienformen in ein universales Medium zu bringen. Die Vermischung der Medien hat zu bedeutenden Entwicklungen in den einzelnen Medien und in der Kunst geführt. Kein einzelnes Medium hat noch die Vorherrschaft; vielmehr beeinflussen und bestimmen alle verschiedenen Medien einander.
210825_KU_RossellaBiscotti_Foto: Anna Aicher
Der Sommer neigt sich wieder dem Ende zu und die Internationale Sommerakademie für Bildende Kunst in Salzburg, blickt erstmals auf ihre Kurse in Poetik/Performance, VR/AR Programming zurück. Ein Schwerpunkt dieses Jahr war die Veranstaltung DOCUMENTA AS A COMMON, die einen Ausblick auf die DOCUMENTA 15 gab.
Beim heutigen Rundgang der Kurse, fielen mir zwei Studierende – die die Klasse vonRossella Biscotti (Skulptur, Installation) besuchten – besonders mit ihren Werken auf.
Dies ist zum einen der Schweizer DOMENIC LANG *1984, lives and works in St. Gallen CH auf und sein Zitat: „Kunst soll zeitlos und die Essenz des menschlichen Daseins widerspiegeln“
Seine Arbeit auf der Sommerakademie trägt den Titel: Singulartiy 2021, plastic model, cardboard
Statement dazu:„Das Fundament ist eine Musterkirchemit den typischen Dachformen österreichischer Kirchen. Diese Plastikschablone wurde in mehrere Fragmente geteilt und mit Hilfe von. rekonstruiert architektonischer Karton. Die neu geschaffene Struktur stellt die Verbindung zum Universum. In einem Bereich befindet sich das Schwarze Loch und im anderen Bereich ist in Polarität dasWeiße Loch, die noch nicht erforscht ist und oft mit dem Urknall in Verbindung gebracht wird. Diese Skulptur soll unsere selbst auferlegten Ideen und Einstellungen repräsentieren, was oft gilt als unser Zentrum. Um die Skulptur herum ist das schwarz-weiße Loch – das große Geheimnis“.
Statement dazu: „Beton- und Infrastrukturinvestitionen sind zum Symbol des Fortschritts geworden. In der Tat Beton ist das Fundament der modernen Zivilisation, er trennt uns von Zeit, Natur und Entropie und ermöglicht es uns, entfernte Orte näher zu bringen, dank seiner Haltbarkeit fühlen wir uns, dass wir sich darauf verlassen können. Nach dem Zweiten Weltkrieg baute Beton seine Position als billige und einfache Möglichkeit des Wiederaufbaus auf für zerstörte Städte. Konkreter Wahnsinn hatte einen harmlosen Anfang – definiert als Mittel der gesellschaftlichen Entwicklung, in eine wirtschaftliche Notwendigkeit verwandelt, dann die Grundlage des gewünschten Modells der schnellen Entwicklung, schließlich degeneriert, in die Trägheit der Wesen fallend um die Idee von Wachstum und Bereicherung zementiert – Politiker, Bürokraten und Baufirmen. Für politische Führer ist das Bruttoinlandsprodukt der wichtigste Indikator – behandelt als Determinante der Wirtschaftskraft. Dynamischer Positionsaufbau in der Welt mit Hilfe von Infrastrukturinvestitionen gelten für alle Länder in einem bestimmten Entwicklungsstadium. Den konkreten Supermachttitel hält nun China, dass eine beeindruckende Erfahrung gemacht hat Metamorphose – vom Entwicklungsland zur Weltsupermacht. China macht fast die Hälfte der weltweiten Betonproduktion und der Immobiliensektor – Straßen, Brücken, die städtische Expansion usw. hat in den letzten Jahren ein Drittel des chinesischen Wirtschaftswachstums ausgemacht. Wie andere Länder, die sich früher entwickelt haben, erreicht China den Punkt.“Die Säule ist eine Aufzeichnung des mittleren, leeren Teils des Turms aus Betonsäcken charakteristisch abwechselnd wie auf Paletten des Herstellers angeordnet.“
Blicken wir mit Zuversicht in die Zukunft, welche neue Wege werden sich im 21. Jahrhundert in der Kunst auftun? Digital oder wieder zurück zum Handwerk? Es wird auf alle Fälle spannend sein.
100 Jahre Salzburger Festspiele 2021 / auf der Perner Insel in Hallein
England in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Der Thron von England ist durch einen Bastard entweiht, der Briten edelherzig Volk durch eine listige Gauklerin betrogen. „Regierte Recht, so läget Ihr vor mir / Im Staube jetzt, denn ich bin Euer König.“ (“MARIA STUART – Schleswig-Holsteinisches Landestheater”)
Bei der Inszenierung von Schillers Spätwerk MARIA STUART führte der Burgtheaterdirektor Martin Kušej Regie. Hauptdarstellerinnen sind Bibianna Beglau als Elisabeth und Birgit Minichmayr als Maria Stuart.
Es ist eine unerwartete Inszenierung von Maria Stuart. Kušej: „Dieses Stück hat sich seit über 200 Jahren bewiesen. Wenn bei Schiller alles richtig gesprochen und betont wird, übt der Text eine Faszination aus, auf die man sich blind verlassen kann“.
Schwieriger wird es schon bei der Erzählung der Moral von Schiller als Philosoph und Mensch aus heutiger Sicht. Maria Stuart wurde anders auf die Bühne gebracht, nicht so wie man es sich vorstellt. Eine Übersetzung der historischen Orte in die heutige Welt kam nicht in Frage.
Kušej arbeitete zuerst allein mit dem Stück. Lesen, Nachdenken, der Fantasie freien Lauf lassen, das sei für ihn das Tollste an seiner Arbeit gewesen. Danach setzte er den Kostümbildner und Bühnenbilder mit ein, erstellte eine Strichfassung – ungestrichen hätte das Stück eine Länge von sechs Stunden. Seine Idee präsentierte er bei der ersten Leseprobe dem Ensemble. Nach 30 Jahren Berufserfahrung, sieht er kein Problem, und kann mittlerweile alle ins selbe Boot holen. „Wir arbeiteten dann in den ersten Proben sehr frei und offen, aber das gemeinsame Ziel vor Augen“, sagt Martin Kušej.
Martin Kušej erzeugte eine Bühne aus Menschen, die aus dreißig splitternackten Mannsbildern (Statisten) in Reih und Glied dargestellt wurden. Darin befinden sich acht Individuen, die „auf Teufel komm raus Schiller spielen“. Es entstand ein großes Bild und durch diese Umgebung wird aufgezeigt, wie eine Gesellschaft sein kann, in der die Männer dominierend sind. Gleichzeitig geht es aber auch um Macht und Manipulation, um zwei verfeindete Systeme, an deren Spitze zwei Frauen stehen. Die Schauspielerinnen Bibiana Beglau als ELISABETH und Birgit Minichmayr als MARIA STUART setzen dies exzellent um.
Martin Kušej: MARIA STUART ist ein Politthriller, eine historische Überhöhung und eine leidenschaftlich geführte Auseinandersetzung mit jenen Fragen, die Schiller sein Leben lang umtrieben: Was ist Freiheit des Einzelnen? Was ist politische Macht, und wo endet sie? Was ist Gerechtigkeit? In welchem Staat wollen wir eigentlich leben?
Es ist eine Koproduktion mit dem Burgtheater Wien, Premiere in Salzburg war am 14.08.2021 und ist noch bis 26. August 2021 auf der Perner Insel in Hallein zu sehen. https://www.salzburgerfestspiele.at/
linossiartstory 
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