„KI in der Kirche? Waschbären singen Boygroup-Hymnen? Willkommen in der Andräkirche – wo Philipp Timischl den Altar neu denkt.“

Die St. Andrä-Kirche am Mirabellplatz prägt mit ihren markanten Türmen das Stadtbild der rechten Altstadt Salzburgs. Schlichte, kräftige Formen des 20. Jahrhunderts kennzeichnen ihr Äußeres, während neugotische Grundstrukturen und Details aus der Erbauungszeit deutlich sichtbar bleiben.

Den einzigen bildnerischen Schmuck der Westfassade schuf Max Rieder: kubisch-flächige Steinstatuen der Salzburger Patrone Rupert und Erentrudis flankieren ein schlankes Mittelfenster. Der Innenraum der Kirche ist zurückhaltend gestaltet – er spiegelt eine abgewandelte Frömmigkeit der Gegenwart wider und kommt mit wenigen Akzenten aus. Im Kontrast dazu dominieren der Hochaltar, das Kreuz mit Christus, das Marienfenster und die Heiligenfenster den Raum.

Und genau diese Kirche hat sich nun entschlossen, Kunst zu zeigen – vielleicht sogar als Gegenspielerin zur Kollegienkirche. Künstliche Intelligenz in der Andräkirche!

Beim Betreten der Kirche werden Besucher:innen von einer großen LED-Wand empfangen, die den zentralen Bogen ausfüllt. Eine Leere in Form eines Kreuzes durchbricht die Fläche – eine Öffnung für Glauben oder Skepsis.

Auf dem Bildschirm wiederholen sich KI-generierte Visionen: Landschaften, die schmelzen und sich neu formen, Gesichter, die fast existieren. Das Digitale Erhabene tritt dort auf, wo einst das göttliche Drama inszeniert wurde. Doch dieses Spektakel ist nicht passiv – es scrollt, glitcht, verlangt danach, gleichzeitig gesehen und hinterfragt zu werden. Timischls Altar ist agnostisch, aber intim. Seine Botschaft: Etwas kann Bedeutung haben, auch wenn es von einer Maschine erschaffen wurde.

In den Seitengängen stehen freistehende LED-Skulpturen, kombiniert mit französischen Zierrahmen – ein deutlicher Verweis auf das private Wohnzimmer, platziert im öffentlichen, sakralen Raum. Auf den Bildschirmen laufen KI-generierte Sequenzen: fehlerhaft, unvollständig, manchmal schön, oft irritierend. Es ist keine göttliche Ordnung, sondern das Ergebnis algorithmischer Prozesse – maschinell erzeugt, aber nicht neutral.

Gezeigt werden auch Videos, in denen Tiere sich anders darstellen: ein Flusspferd mit Pfauenfedern auf dem Rücken, ein Dachs mit dem Körper einer Schildkröte, Fische mit Geweihen. Eine verrückte Welt, generiert durch KI – abhängig von den Vorgaben des Künstlers. Teils lustig, teils verstörend. Die Frage stellt sich: Wer ist der Schöpfer – der Künstler oder die KI? Klar ist: Der Künstler gibt der KI die Anweisungen.

In einer Seitenkapelle spielt sich stündlich eine Art Miniaturwunder ab: Auf den Screens erscheint eine Gruppe von Waschbären – ein Markenzeichen des Künstlers – umgeben von digitalen Kerzen. Sie singen Daphne Ahlers’ beruhigende Version von As Long As You Love Me. Danach verschwinden sie, und nur die flackernden Kerzen bleiben zurück. Es ist komisch. Es ist berührend. Es ist ein wenig albern. Und doch bleibt etwas hängen – eine Art Aufrichtigkeit, die sich nicht auflösen lässt.

Die Ausstellung mag auf den ersten Blick eigenartig wirken – irritierend, verspielt, schwer greifbar. Doch gerade darin liegt ihre Kraft. KI hält Einzug in die Kunst, nicht als Ersatz, sondern als Spiegel, als Werkzeug, als Provokation. Was wir hier sehen, ist nicht das Ende, sondern der Anfang – die Spitze eines Eisbergs, unter dem sich neue Formen, neue Fragen und neue Möglichkeiten verbergen. Immer mehr Künstler:innen werden sich bewusst oder intuitiv mit künstlicher Intelligenz auseinandersetzen – und dabei Räume betreten, die bisher niemand kannte.

KUNST trifft KI – und nichts bleibt, wie es war.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 31. August 2025.

Laurentius, Löffel und Leidenschaft – Ein Fest für die Kochkunst

Die Köche aus Bayern, Salzburg und Tirol versammeln sich in ihren weißen Jacken. Sie werden von einer Trachtenkapelle begleitet. Der Duft von Tradition liegt in der Luft. Dann ist klar: Der Schutzpatron der Köche, der heilige Laurentius, wird gefeiert. Jedes Jahr um den 10. August verwandelt sich die Stadt in eine Bühne für ein Ritual, das mehr ist als nur ein Fest – es ist ein stiller Protest gegen das Vergessen eines Handwerks, das einst als Kunst galt.

Ich war dabei. Ich habe mit Köchen gesprochen, die seit Jahrzehnten Teil dieser Tradition sind. Einer erzählte mir, wie dieses Treffen der Köche vor 38 Jahren ins Leben gerufen wurde – aus Liebe zum Beruf und zur Gemeinschaft.

„Damals waren wir noch viele – heute sind wir nur noch ein kleiner Kreis“, sagte er mit einem Blick, der zugleich stolz und melancholisch war.

Ein anderer sprach mit leiser Sorge über die Zukunft:

„In unserer Küche wird noch alles frisch gemacht. Aber ich weiß, dass viele Kollegen inzwischen mit Fertigprodukten arbeiten. Das tut weh.“

Die Zeremonie zum Laurentius-Tag war feierlich, die Musik der Trachtenkapelle hallte durch die Gassen, und doch lag etwas Nachdenkliches in der Luft. Wie in der Malerei, wo die Acrylfarbe die Öltechnik verdrängt hat, scheint auch in der Küche die Schnelligkeit über die Sorgfalt zu siegen.

Was bedeutet es, wenn ein Handwerk wie das Kochen an Bedeutung verliert? Wenn junge Menschen lieber Convenience-Produkte servieren als mit Hingabe zu kochen? Es ist ein kultureller Wandel – und ein Verlust an Sinnlichkeit, an Kunst, an Identität.

Ich habe an diesem Tag nicht nur Köche gesehen, sondern Künstler. Menschen, die mit Hitze, Zeit und Hingabe etwas schaffen, das verbindet. Vielleicht sind es weniger geworden – aber ihr Feuer brennt. Und das sollte nicht nur gefeiert, sondern bewahrt werden.

Der Laurentius-Tag ist mehr als ein Fest. Er ist ein Denkmal für eine Kunst, die schmeckt. Und ich bin froh, dass ich dabei war.

„Leider musste ich mich vor dem kulinarischen Finale verabschieden. Die Hitze hat mich zurück zum Auto gelotst. Auch die Sorge um meine Parkuhr trieb mich dorthin. Wie sich herausstellte: völlig unbegründet. Aber so ist das eben, wenn man mit einem halben Kopf schon wieder woanders ist.

„Danke an alle Köche, die mir ihre Gedanken und Geschichten anvertraut haben“.

Kennen SIE ihn schon? Nein? Dann erzähle ich Ihnen eine Geschichte über einen besonderen Hype in Salzburg.

Worum geht es eigentlich, fragen Sie sich? Berechtigte Frage!

Jedermann war gestern. Heute ist Hochmair. Was passiert, wenn ein Rockstar das Heiligtum der Salzburger Festspiele übernimmt? Willkommen im Jahr 2025 – wo Hofmannsthal auf Hochmair trifft und der Domplatz bebt.

Seit 2024 verkörpert Philipp Hochmair die Titelrolle des Jedermann bei den Salzburger Festspielen. In einem leidenschaftlichen Kraftakt schlüpft er in die klassische Rolle und verwandelt Hugo von Hofmannsthals Stück in das, was sich Regisseur Carsen erträumt hat.

Ich gebe es zu: Ich war skeptisch. Jedermann als Rockstar? Hochmair als apokalyptischer Performer? Doch dann stand ich auf dem Domplatz – und sah ihn in der klassischen Rolle. Kein Gitarrenlärm, keine Lichtshow – sondern Hochmair pur, in Hofmannsthals Text versunken.

Und morgen? Da spielt er „Jedermann Reloaded“ in Gmunden. Gestern war es Burg Clam, übermorgen vielleicht ein Festivalgelände. Zwei Bühnen, zwei Welten – und ein Schauspieler, der beide beherrscht.

Am Domplatz gibt er den traditionellen Jedermann – kraftvoll, konzentriert, ganz im Geist der Festspiele. Doch außerhalb Salzburgs verwandelt er das Mysterienspiel in ein apokalyptisches Sprech-Konzert. Getrieben von Gitarrenriffs und den experimentellen Sounds der Band Die Elektrohand Gottes spielt Hochmair alle Rollen selbst. Ein vielstimmiger Monolog, ein performativer Rausch – Jedermann auf Speed.

Philipp Hochmair ist einer der beliebtesten Schauspieler des Landes, gefeierter Jedermann bei den Salzburger Festspielen. 2025 ist der Hype um ihn endgültig ausgebrochen. Hochmair ist nicht nur Schauspieler, sondern ein performativer Wirbelwind-Rockstar, Provokateur, Jedermann und Jedermanns Gegenspieler zugleich.

Hochmair polarisiert – und genau das macht ihn spannend. Er ist nicht nur Künstler, sondern ein Spiegel unserer Sehnsucht nach charismatischen Einzelgängern. Er inszeniert sich selbst, erschafft seine Marke – und bleibt dabei überraschend nahbar. „Hochmair spielt nicht nur Jedermann – er spielt mit dem Format selbst.“

Vielleicht ist das der wahre Hype: ein Jedermann, der keiner sein will – und gerade deshalb alle fasziniert.

Er mischt sich unter das Volk, lässt sich mit Jederfrau-Jedermann fotografieren, ist auch gegen einen Smalltalk nicht abgeneigt. Pünktlich zu den Festspielen erschien auch seine Biografie „Hochmair, wo bist du?„, verfasst von Katharina von der Leyen.

Für mich stellt sich die Frage: Wie schafft er es, die Festspiele zu dominieren, obwohl sie voller Stars sind? Gerade weil er polarisiert, bleibt er im Gespräch – und das macht ihn zur Figur unserer Zeit.

Hochmair ist nicht nur Jedermann – er ist ein Ereignis. Er spielt mit Erwartungen, mit Formaten, mit sich selbst. Und vielleicht ist das der wahre Hype: ein Künstler, der sich nicht festlegen lässt – und gerade deshalb alle in seinen Bann zieht.

Salzburger Festspiele (offizielle Website): www.salzburgerfestspiele.at

 → Infos zu Programm, Tickets, Hintergrund

Philipp Hochmair (offizielle Website): www.philipphochmair.com

→ Biografie, Projekte, Termine

Einführung & persönliche Perspektive

Seit Sonntag, dem 27. Juli 2025 wurde der Residenzplatz in Salzburg von dem Künstler Jaume Plensa mit seinen überlebensgroßen, träumenden Metallköpfen in einen stillen Garten der Reflexion verwandelt.

„Ein faszinierender Anblick: Die monumentalen Skulpturen verwandeln den Residenzplatz und ziehen Besucher:innen magisch an – wie Motten das Licht.“

Künstlerische Reflexion und Dialog mit Mozart

„Diesmal begegne ich diesem Kunstwerk nicht als Online-Journalistin, sondern als Künstlerin – mit einem Blick für das Unsichtbare zwischen Form und Gefühl.“

Der Residenzplatz atmet Geschichte – heute jedoch schwebt über den steinernen Boden eine neue Sprache: die Sprache der Skulpturen von Jaume Plensa. Gesichter ohne Worte, Körper ohne Bewegung – und doch eine Stille, die spricht.

Im Hintergrund, unbewegt und doch ewig präsent, blickt Mozart – das Genie der Musik – auf diesen Dialog der Formen. Was sieht er? Was hört er? Vielleicht den Klang der Gedanken, die Kunst in uns auslöst.

Wie fühlt er sich? So in den Hintergrund gedrängt und doch auch präsent und mit einem Blick Richtung dieser monumentalen Skulpturen. Ein Dialog aus dem Hintergrund mit den „fünf Frauen, die unterschiedlicher Herkunft und Nationalität sind und mit geschlossenen Augen, vielleicht Träume und Sehnsüchte für sich behalten wollen?“

„Mozart, der ewige Klangpoet, blickt aus dem Hintergrund auf diese neue Sprache der Formen. Lauscht er dem inneren Dialog der Skulpturen? Oder hört er die Gedanken, die sie in uns auslösen?“

Die Installation dieser Skulpturen rund um den Residenzbrunnen – ebenfalls ein monumentaler barocker Brunnen – zu installieren, war eine großartige Idee – denn auch der Brunnen erzählt Geschichte. Er besteht aus drei Brunnenbecken und vier Figurengruppen, alle aus Untersberger Marmor. Tommaso di Garona war der Meister des Residenzbrunnen, jedoch aber nicht unumstritten?

Hier trifft sich Vergangenheit und Zukunft zugleich. Der Dialog zwischen den fünf Frauenköpfen und dem Brunnen, bringen einen auch zum Nachdenken. Was war Geschichte, was ist Zukunft?

Technische Details der Skulpturen

Entstanden im Jahr 2023 im Plensa Studio Barcelona, das Werk besteht aus fünf überlebensgroßen Köpfen, die mit jeweils 11 Metern Höhe aus Gusseisen gefertigt wurden und pro Skulptur ca. 30 Tonnen wiegen.

Die Skulpturen mit den Namen Minna, Rui Rui, Wilsis, Rose und Soribel sind in einem offenen Raster von 24 × 24 Metern angeordnet.

Jede Figur setzt sich aus 22 bis 26 einzelnen Fragmenten zusammen, die mit Edelstahlbolzen verbunden sind. Durch die modulare Konstruktion kann jede Skulptur segmentweise montiert werden.

Der geheime Garten – Plensas Idee

Das Statement von Jaume Plensa läßt aufhorchen: „Fünf Frauen unterschiedlicher Herkunft und Nationalität, die mit geschlossenen Augen zu uns über den inneren Weg sprechen, über all die Schönheit, die wir in uns verborgen halten. Eine unbekannte und einzigartige Landschaft, die tief in unserem Wesen verborgen bleibt – der geheime Garten unseres Lebens, der wertvollste Ort, das Zentrum unserer Träume und Sehnsüchte.“ 

Walk of Modern Art

„Secret Garden“ ist gewissermaßen eine Fortsetzung des vielbeachteten Projekts Walk of Modern Art, das zwischen 2002 und 2011 in Salzburg entstanden ist und die internationale Gegenwartskunst dauerhaft und frei zugänglich in den öffentlichen Raum bringt. Es setzt die Kunstwerke in einen lebendigen Dialog mit der historischen Altstadt Salzburgs. 

Statement: Walter Smerling, Vorsitzender der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. und Kurator

„Mit Secret Garden wird der Walk of Modern Art eindrucksvoll weitergeschrieben: Kunst, die allen gehört – mitten im Leben, mitten in Salzburg. Jaume Plensa gelingt es, mit Stille und Schönheit einen Raum für Menschlichkeit zu schaffen.“

Jaume Plensa erlangte internationale Bekanntheit durch Werke wie der „Crown Fountain“ in Chicago oder die Installation „Behind the Walls“ im Rockefeller Center in New York, darüber hinaus entwickelte er auch gefeierte Bühnenbilder u. a. am Liceu Barcelona. In Salzburg ist er bereits mit dem Werk „Awilda“ im Arkadenhof der Universität (2010) Teil des renommierten Walk of Modern Art der Salzburg Foundation.

Während der Salzburger Festspiele verwandeln Plensas Skulpturen den Residenzplatz in einen Ort stiller Poesie. Besucher:innen begegnen ihnen mit Staunen – setzen sich, verweilen, halten den Moment fest. Und mitten in Salzburg entfaltet sich der geheime Garten – offen, universell, tief in uns.

Die Skulpturen sind während der Salzburger Festspiele, vom 27. Juli bis 29. August, für alle frei zugänglich – mitten in der Altstadt – und verwandeln den Residenzplatz in einen Ort stiller Poesie und universeller Begegnung. 

Mit den Skulpturen von Tony Cragg, in Kooperation mit Thaddaeus Ropac, zeigt die Residenzgalerie Salzburg in den Prunkräumen der Residenz eine Ausstellung zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Schon damals erhielten herausragende Künstler Aufträge von den Salzburger Erzbischöfen – ihre Werke prägen die Räume bis heute. Auch sie mussten sich mit vorhandenen künstlerischen Ausdrucksformen auseinandersetzen. In dieser Tradition begegnet auch Tony Cragg dem bedeutungsvollen Ort mit Respekt und kreativer Neugier.

Zeitgenössische Kunst im historischen Kontext eröffnet neue Perspektiven. In den Prunkräumen der Residenz entfalten Craggs Arbeiten eine besondere Resonanz. Sie treten in Dialog mit Architektur und Ausstattung. Diese haben seiner Kunst unmittelbare Impulse verliehen.

Besonders fasziniert haben mich die fünf Köpfe (Untitled, 2019) aus Travertin-Stein. Betrachtet man diese aus Marmor anmutenden Blöcke, erkennt man je nach Blickwinkel einen anderen Ausdruck. Craggs Skulpturen muss man in Ruhe umrunden. Aus einer Position zeigen sie Gesichter und Körper. Aus einer anderen Position wirken sie wiederum wie abstrakte Formen, die an Schwämme oder andere Naturstrukturen erinnern.

Auch andere Werke laden zur Entdeckung ein: Etwa „Level Surface“, eine rosa getönte Skulptur, die auf einem 3D-Modell eines Prunkraum-Tisches basiert. Sie ist Craggs erste Arbeit mit einem 3D-Scanner und verströmt trotz ungewöhnlicher Form eine stille Eleganz.

Die Skulptur „Rem“, gefertigt aus patinierter weißer Bronze, greift die Form einer traditionellen afrikanischen Kopfstütze auf. In aufgestapelter Komposition entsteht ein neues Bild – fast wie verzerrte Buchstaben einer fremden Sprache.

Cragg verwendet vielfältige Materialien wie Holz, Glas und Kunststoff. Seine Werke wirken wie sichtbare Energie, basierend auf einem künstlerischen Konzept, das aus den Naturwissenschaften abgeleitet ist.

Bei der jüngsten Pressekonferenz (Juli 2025) präsentierte sich Tony Cragg nicht nur als Bildhauer. Er trat auch als leidenschaftlicher Denker über Kunst auf. Er sprach über die Gesellschaft und die Rolle des Einzelnen im kreativen Prozess. „Wer ist der schönste Mensch?“ – mit dieser provokanten Frage eröffnet Cragg eine Debatte über Identität und Wert. Seine Sprache, wie seine Skulpturen: roh, fragmentarisch, vielschichtig – und gerade deshalb voller Ausdruckskraft.

Für Cragg ist Kunst stets auch politisch. Sie steht nicht losgelöst von gesellschaftlichen Fragen, sondern spiegelt Positionen zu Umwelt, Menschenrechten und Gleichstellung wider.

Für mich ist Kunst wie ein Inselchen im Gehör, ein Bild aus Staub auf den Fingern, eine Melodie aus Material und Bedeutung. Sie zeigt nicht nur, was ist – sondern auch, was sein könnte. Jede Form, jedes Zeichen öffnet ein Fenster zur Welt und macht Kultur als lebendiges Experiment erfahrbar.

„In einer Welt, die ständig Form verliert und neue sucht, zeigen Craggs Skulpturen uns: Auch das Flüchtige hat Gewicht – und das Fragmentierte seine eigene Wahrheit.“

https://www.tony-cragg.com/

„Ein Regentag erzeugt Frustration — um diesem zu entfliehen, widme ich mich einer faszinierenden Ausstellung im DomQuartier Salzburg.“ Es ist eine Ausstellung, die zum Dialog mit der Vergangenheit einlädt.

Face to Face österreichische Porträtmalerei des 19. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert erlebte das Bürgertum einen rasanten Aufstieg. Mit zunehmender Bildung und vermehrtem Wohlstand wuchsen Ansehen und Selbstbewußtsein.

So vollzog sich in der österreichischen Porträtmalerei ein bemerkenswerter Wandel. Es kam zu einer Vielfalt an Ausdrucksformen und zu einer Öffnung der Porträtkunst für das Selbstbewusstsein des Bürgertums.

Der Trend, sich porträtieren zu lassen, bot ein Mittel zur Repräsentation und Selbstdarstellung. Die so entstandenen Porträts bestechen durch eine Fülle an Malweisen, Stilen und Typen.

In der Ausstellung werden Herrscherbildnisse, Familien- und Kinderporträts, Damen- und Herrenbildnisse, Selbstporträts sowie Atelierszenen vereint. Sie setzen die Dargestellten so in Szene, wie diese gesehen werden wollten.

Die ausgestellten Werke üben für mich immer wieder eine Faszination aus. Mit welchem Feingefühl die Künstler:innen an ihre Werke herangegangen sind. Beim Betrachten hat man das Gefühl, der Blick der Person richtet sich an dich und will mit dir kommunizieren. Die Augen sind das emotionale Epizentrum jedes Porträts. Es sind die Augen, die mich fesseln — gemalt mit solcher Intensität, dass sie mir Geschichten zuflüstern.

Auch die Details von Licht und Schatten, die Kleidung usw. Haben sie sich schon einmal versucht ein Porträt zu malen? Wenn ja, dann wissen sie vielleicht, wie schwierig es ist, die Person so darzustellen, wie sie ist.

Das Gemälde von Hans Makart ist für mich ein sehr ausdrucksstarkes Porträt seiner Frau Amalie Makart ca. 1871. Ihr Blick scheint eine Frage zu stellen — nicht an den Betrachter, sondern direkt an ihren Mann. Eine stumme Konfrontation in Öl.

In den 1850er Jahren begann das Aufkommen der Fotografie. In der Gegenwart haben wir modernste Elektronik und Kameras. Handys und die Inszenierung auf diversen Social-Media-Plattformen sind die Folge.

So stellte ich mir die Frage: „Gibt es heute im 21.Jhd. noch Porträtmaler?“ Ja, sie gibt es noch! Es ist nur ein kleiner Auszug von Porträtisten unserer Zeit. Heute nennt man es Neo-Porträtismus in der Gegenwartskunst. Diese Künstler:innen verweigern sich der glatten Oberfläche und suchen stattdessen nach der Wahrheit im Gesicht.

Des Weiteren beschäftigt mich die Frage, ob sich die Porträtmalerei heute noch lohnen würde. Diese Frage kann man mit Ja beantworten. Es findet eine Renaissance des Analogen inmitten digitaler Überflutung statt. Sie zielt aber auch auf Diversität ab, der wir im 21. Jahrhundert tagtäglich ausgesetzt sind.

Es gibt einen Unterschied. Früher war es anders. Heute ist es anders. Für viele Menschen ist es ein großer Wunsch, von einem Künstler porträtiert zu werden. Ein Porträt ist wie eine Statue, die einen Künstler ehrt und von anderen bewundert wird.

Heute ist es jedoch eine Ära der pixelgenauen Selbstvermarktung und digitaler Selbstinszenierung geworden, die sich in den letzten Jahren immer weiterverbreitet hat.

Ein Porträt kann viele verschiedene Aufgaben erfüllen. Wir sehen solche Bilder ständig, beispielsweise in Reisepässen oder Führerscheinen. Dort dient es der Identifizierung. Dabei handelt es sich um einen Prozess, bei dem Informationen gesammelt und verarbeitet werden, um die Identität einer Person zu bestimmen.

Wer sich für Zeichnung, Malerei und im speziellen für die Porträtmalerei interessiert, sollte sich diese Ausstellung ansehen und eintauchen in die Welt des Porträts.

„Porträts sind keine stummen Bilder. Sie sind Spiegel, die Gesichter, Zeiten und Geschichten reflektieren. In einer Ära der pixelgenauen Selbstvermarktung und ständig neu erfundenen Identitäten durch digitale Filter, erinnert uns die Porträtmalerei an die Tiefe im echten Blick. Sie zeigt uns, wie viel mehr als nur das Offensichtliche in einem Blick steckt. Wer einem gemalten Blick begegnet, trifft nicht nur auf die dargestellte Person – sondern auch auf sich selbst. FACE TO FACE ist nicht nur ein Ausstellungstitel. Es ist eine Einladung zum Dialog: zwischen den Jahrhunderten, zwischen Kunst und Betrachter. Es ist ein Gespräch zwischen dem äußeren Bild und dem inneren Erkennen.“

Die Ausstellung ist zu sehen: Residenzgalerie in Salzburg bis 29. September 2025

Face to Face – Österreichische Porträtmalerei des 19. Jahrhunderts