Das Keltenmuseum Hallein schafft mit der neuen Ausstellung einen besonderen Dialog zwischen Gerhard Marcks und Josef Zenzmaier. Den beiden Künstlern ist eine Ausstellung gewidmet, die auch als Hommage bezeichnet werden kann.
Sie erzählt von der Wertschätzung des österreichischen Bildhauers Josef Zenzmaier für den deutlich älteren Gerhard Marcks anhand der Gegenüberstellung ausgewählter Werke beider Künstler. Marcks galt als einer der bekanntesten Bildhauer Deutschlands zum Zeitpunkt ihrer ersten persönlichen Begegnung in den 1950er Jahren. Seine konsequente Auseinandersetzung mit dem Körper und der existenziellen Verfasstheit des Menschen hat Zenzmaier nachhaltig geprägt und ihn zu einem Künstler gemacht.
Beide Künstler waren Bildhauer und arbeiteten in Bronze. Die Bronzen der beiden Künstler entstanden auf sehr unterschiedliche Weise. Gerhard Marcks fertigte seine Gussmodelle meist in Gips an. Im Gegensatz zu Marcks arbeitete oder konstruierte Zenzmaier seine raumgreifenden Formen aus Wachs mit bloßen Händen, Gasbrenner und Metallspachtel.
Marcks war schon früh von den Griechen begeistert. Seit seiner Reise 1928 fühlte er sich noch stärker von der griechischen Plastik angezogen. Zenzmaier hingegen war stets ein Entdecker, offen für seine Umwelt, unbeirrbar und konsequent, auch in existenziellen Notzeiten. Das temperamentvolle italienische Lebensgefühl hat er sich zu eigen gemacht. Giacomo Manzù galt ihm als väterliches Vorbild und Mentor, ebenso prägend war die Begegnung mit Oskar Kokoschka, als er 1953 die Sommerakademie als „Schule des Sehens“ gründete.
Gerhard Marcks war Zenzmaiers konsequenter Gegenpart. Nüchtern, mit einer abgekühlten, sehr sachlichen Leidenschaft. Den großen Traditionen verpflichtet, entwickelten beide sehr unterschiedliche, eigenständige Ausdrucksformen.
Josef Zenzmaier war auch von seiner Heimat geprägt. Er setzte die Bergwelt in seinen Skulpturen um. Sein zentrales Schaffensmotiv war die Beobachtung der Natur, der Menschen und ihrer Gesten.
Das Kuratorische Team, v.l.n.r.: Florian Knopp, Arie Hartog, Martin Hochleitner / Bildcredit: Coen Kossmann
Statement Florian Knopp/ Leiter des Keltenmuseums Hallein: Sein Werk hat in den letzten Jahren immer wieder Aufmerksamkeit erregt und diese Ausstellung ist ein ganz besonderes Projekt anlässlich des 90. Geburtstages von Josef Zenzmaier. Die Freude über diese Anregung trieb ihn an. Ermöglicht wurde das Projekt durch die umfassende und sehr entgegenkommende Zusammenarbeit mit dem Gerhard-Marcks-Haus in Bremen.
Statement Martin Hochleitner / Direktor Salzburg Museum: Durch die Kooperation ist ein einzigartiges Projekt entstanden. Dafür sind wir Direktor Arie Hartog und der Familie Zenzmaier sehr dankbar. Vor allem die große Wertschätzung für den Menschen und Künstler Josef Zenzmaier soll mit dieser ersten posthumen Ausstellung zum Ausdruck gebracht werden.
Die Wut, die bleibt „Veränderungen können auch im Kleinen beginnen.„
am 11.07.2023 – während des Terrassentalks zu Die Wut, die bleibt, Festspielhaus, Salzburg, Österreich Foto: JAN FRIESE –
Mareike Fallwickl, Jorinde Dröse und Bettina Hering sprachen beim Salzburger Festspiele Terrassen Talk über den Roman Die Wut, die bleibt
Mareike Fallwickl ist in Salzburg keine Unbekannte, schrieb sie doch regelmäßig in den Salzburger Nachrichten unter der Rubrik „Zuckergoscherl“ über Alltagsgeschichten und Geschichten, die die Menschen bewegen.
Mareike Fallwickl hat mit ihrem Roman Die Wut, die bleibt (Erscheinungsjahr 2022) die Chance, ihren Roman im Rahmen der Salzburger Festspiele auf die Bühne zu bringen. Die Uraufführung findet am 18. August 2023 im Landestheater ihrer Heimatstadt Salzburg statt. Regie führt Jorinde Dröse.
am 11.07.2023 – während des Terrassentalks zu Die Wut, die bleibt, Festspielhaus, Salzburg, Österreich Foto: JAN FRIESE –
Jorinde Dröse erzählt, dass sie Die Wut, die bleibt gleich nach Erscheinen des Buches im März 2022 gelesen hat. „Ich war verblüfft, wie toll das Thema ’Frau und Mutter sein‘ in einer so spannenden Geschichte behandelt wird, und habe sofort gedacht: Das will ich machen, wenn ich die Chance bekomme, das auf die Bühne zu bringen.
am 11.07.2023 – während des Terrassentalks zu Die Wut, die bleibt, Festspielhaus, Salzburg, Österreich Foto: JAN FRIESE –
Sie hat einige Intendant/-innen kontaktiert und ist unter anderem auf Betina Hering gestoßen. Mit Bettina Hering (Leitung Schauspiel der Salzburger Festspiele) hat sie darüber gesprochen, ob man das Buch überhaupt dramatisieren kann, weil das immer eine gewisse Verdichtung und Verdichtung mit sich bringt. Und so haben sich die beiden Frauen nach dem Sommer noch einmal getroffen und waren der Meinung, ja, das kann man machen.
Bettina Hering wollte von Mareike Fallwickl wissen: Wie ist das Buch auf ihren zahlreichen Lesereisen und Einladungen angekommen? Und sind auch die Männer zu den Lesungen gekommen?
Mareike Fallwickl zu Herings Frage: „Ich habe meine Vorträge immer mit statistischen Fakten untermauert. Denn Themen wie die chronische, unbezahlte Überlastung von Müttern in der Gesellschaft und das nach wie vor reformbedürftige weibliche Rollenbild werden von uns nicht so deutlich benannt und öffentlich diskutiert. Dafür habe ich jede Bühne genutzt. Und ich war sehr überrascht, wie heftig die Welle der Reaktionen zurückgeschlagen ist. Von all meinen Büchern war das bei „Die Wut, die bleibt“ besonders heftig. Die Männer kamen selten, aber unter den Frauen war oft so etwas wie ein kollektiver Schmerz zu spüren.
Eigentlich, erzählt Mareike Fallwickl, wollte sie ein Buch mit „etwas Nettem“ schreiben. Doch dann kam der von vielen als sehr düster empfundene Lockdown. „Ich bekam fast täglich Nachrichten wie: ‚Ich will nicht mehr‘, ‚Ich kann nicht mehr. Ich springe vom Balkon‘. Da hat es mich gepackt, da habe ich mir die Frage gestellt: „Was ist, wenn es wirklich so ist?'“
Unter diesem Eindruck habe sie dann mitten im „Homeschooling“ ihre erste Seite geschrieben und festgestellt: Das war viel besser und authentischer als das, was sie ursprünglich schreiben wollte.
Ob das Stück durch die Begegnung zweier Generationen auch ein „Jugendstück“ sei, fragt Bettina Hering die Regisseurin Jorinde Dröse. Eine solche Einordnung findet sie – auch als Mutter – schwierig. Sie selbst habe die Erfahrung gemacht, dass so genannte Kinder- oder Jugendstücke genauso die Kinderseele im Erwachsenen ansprechen und diese Einordnung an den Rand drängen. Für sie geht es in Die Wut, die bleibt ganz klar um die Frage „Wie will ich als Frau leben?“, unabhängig von den Generationen. Generell sei die jüngere Frauengeneration durch mehr Wissen schneller und könne dadurch radikaler sein. Daraus ergäben sich interessante Dialoge zwischen den Generationen.
Mareike Fallwickl betont, dass sie tatsächlich von interessierten jungen Frauen zu ihrem Roman inspiriert wurde. Sie hätten sich nicht gescheut, alles zu sagen, etwas sehr Reales getroffen habe. Ihr sei klar geworden, dass diese Generation durch mehr Wissen und bessere Vernetzung einen Startvorteil gegenüber ihrer eigenen Generation habe. Unklar sei jedoch, was dies für die Umsetzung von Veränderungen bedeute.
Die Jugend von heute habe die Rebellion nicht erfunden. Es habe sie schon früher gegeben, ergänzt Jorinde Dröse. Das bestätigt auch Bettina Hering, blickt etwa auf Simone de Beauvoirs Grundlagentext Das andere Geschlecht aus den 1970er Jahren, den sie für die Marathonlesung am Ende der diesjährigen Spielzeit gründlich durchforstet hat, und stellt in diesem Zusammenhang klar: „Solange die Verhältnisse so sind, wie sie sind, bleibt noch viel zu tun, um das gesellschaftliche Frauenbild zu verändern.
Die Salzburger Festspiele 2023 stehen bereits in den Startlöchern, ab 21. Juli 2023 geht es Schlag auf Schlag in den Festspielsommer.
Auch die Terrassengespräche geben wieder Einblicke in neue Produktionen und Inszenierungen, und wie das Genie Shakespeare, der Welttheatermacher, der Weisheit ebenso verstand wie das schallende Gelächter und den Schrecken der Erkenntnis, steht uns – Hand in Hand mit Verdi in MACBETH und FALSTAFF – zur Seite.
Beim ersten Terrassengespräch des Festspielsommers diskutierten Marie Therese Rudolph (österreichische Musikwissenschaftlerin und Autorin), der Regisseur Krzysztof Warlikowski, die Bühnenbildnerin Malgorzata Szczesniak und die Hauptdarstellerin Asmik Grigorian als Lady Macbeth (Opernsängerin), über Verdis Oper MACBETH.
Bei den Salzburger Festspielen inszeniert der Regisseur Krzysztof Warlikowski zum dritten Mal eine Oper.Für ihn ist es nicht nur eine neue Herangehensweise an das Werk, sondern nach seiner Pariser Hamlet-Inszenierung (französischer Komponist: Ambroise Thomas) im März bereits die zweite Auseinandersetzung mit einem Shakespeare-Stoff in diesem Jahr.
„Beide Opern wurzeln in mythologischen Stoffen der Antike und basieren auf zwei großen Werken der Weltliteratur – musikalisch haben wir es aber mit zwei unterschiedlichen Welten zu tun“, sagt er. Die Handlung spielt in einer Zeit, in der die Figuren dem Wahnsinn verfallen sind. Bei der Frage, wie er sie gestalten solle, habe ihn die menschliche Dimension der Figuren interessiert – schließlich sei Macbeth eine Reise ins Inferno.
Worum geht es in Macbeth? Shakespeare erzählt die Geschichte der heimtückischen Ermordung des schottischen Königs Duncan. Der Feldherr Macbeth ermordet, angestachelt von drei Hexen und seiner bösen Frau Lady Macbeth, den beliebten schottischen König. Er verspricht sich davon Macht und Ruhm.
Warlikowski inspirierten bei seiner Arbeit Assoziationen zu Bernardo Bertoluccis Film „Der große Irrtum“ („Il conformista“). Der Moment, in dem Macbeth die Hexen über seine Zukunft befragt, sei ein besonderer Moment: „Das ist eine bewusste menschliche Entscheidung mit dem Ziel, sich davon leiten zu lassen. Also das Gegenteil von passiver Schicksalsergebenheit“, so Kryzstof Warlikowski.
Asmik Grigorian, in diesem Sommer als Lady Macbeth in Salzburg zu sehen, sagt über ihre Rolle: „Das ist eine sehr schwierige Rolle. Aber wie bei jeder Figur, die ich verkörpere, gebe ich mein Bestes und investiere viel Zeit in die Vorbereitung“. Eine grundsätzlich neue musikalische Erfahrung sei das aber nicht. Schon ihre Eltern hätten viel Verdi gesungen, so dass sie mit einem italienischen Repertoire aufgewachsen sei.
Eine weitere Frage war, ob sich Macbeth und Lady Macbeth als Paar auf Augenhöhe begegnen. Asmik Grigorian antwortet: „Grundsätzlich versuche ich auf der Bühne, den Menschen hinter der Rolle zu ergründen. Ich will mich in die Situationen hineinversetzen, die sie erlebt.“ Eine Paarbeziehung sei immer dynamisch, deshalb wolle sie auch die Verletzlichkeit und die Schwächen herausarbeiten. Nur das Dunkle und Böse in dieser Figur darzustellen, interessiere sie nicht, betont sie: „Ich glaube nicht an eindimensionale Charaktere. Ich bin Krzysztof Warlikowski sehr dankbar, dass er die Geschichte so erzählt, dass alles, was passiert, eine Ursache und ein Motiv hat“.
Małgorzata Szczęśniak, die erneut für Bühnenbild und Kostüme verantwortlich zeichnet, sagt: „Wir wollten einen Raum schaffen, den man gleichzeitig als universell, metaphorisch und poetisch bezeichnen kann. Von Bildern, die etwas Kriegerisches, Militärisches assoziieren, hat sich unser Konzept gelöst. Inspiriert wurde sie vom „Jeu de paume“, dem „Spiel der Könige“ aus der Renaissance, dem Vorläufer des heutigen Tennis. Zu den Kostümen sagt sie: „Sie sind angelehnt an den italienischen Stil der 1920/30er Jahre, an die Filmwelt von „Il Conformista“, in der sich nach außen hin ein normales Leben abspielt.
Nicht nur außergewöhnliche Stimmen, sondern auch außergewöhnliche Darsteller sind für eine Oper wie diese gefragt. In MACBETH geht es um unsere Verletzlichkeit und unser Bedürfnis nach Glauben, um das Unbekannte zu bewältigen.
Franz Welser-Möst, der die musikalische Leitung dieser Oper übernommen hätte, muss sich zu seinem großen Bedauern aufgrund einer akuten orthopädischen Erkrankung in ärztliche Behandlung begeben. Die Salzburger Festspiele danken Philippe Jordan, dass er kurzfristig zugesagt hat, die musikalische Leitung der Neuproduktion von Giuseppe Verdis Macbeth in der Regie von Krzysztof Warlikowski zu übernehmen.
Bereits seit April 2023 findet in den Pittler Werken Leipzig die interessante Ausstellung DIGITALE KUNST statt. Sie ist ein Sprung in die digitale Welt. Erst jetzt komme ich dazu, über diese interessante Ausstellung zu schreiben, die noch bis zum 09. Juli 2023 läuft.
Pittlerwerke Außenansicht 2023 Installationsansicht DIMENSIONS Digital Art since 1859, Leipzig 2023 // installation view DIMENSIONS – Digital Art since 1859, Leipzig 2023
Was zeigt die Ausstellung? Auf 10.000 Quadratmetern werden rund 60 Kunstwerke vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart gezeigt. So entsteht ein einzigartiges Ausstellungserlebnis, das den Zusammenhang von Kunst und technologischer Entwicklung auf faszinierende Weise erfahrbar macht. Internationale Shootingstars der Kunstszene wie Refik Anadol oder Lu Yang zeigen neben frühen Pionieren aktuelle Arbeiten. Die Schau ist eine Hommage an die Vielfalt der digitalen Kunst und die schöpferische Kraft des Menschen in der spektakulären Industriearchitektur der PittlerWerke.
Die Ausstellung DIMENSIONS-Digitale Art since 1859 sorgte auch für viel Gesprächsstoff, Interesse und Nachfrage. Was hat digitale Kunst mit der analogen Kunst des 19. Jahrhunderts zu tun? Wie beeinflusst die Digitalisierung die Künstler*innen heute? Die Digitalisierung hat längst auch die Kunst erreicht – weltweit erfinden Künstler*innen neue digitale Räume und Erzählungen. DIMENSIONS zeigt, dass es sich dabei weniger um einen neuen Trend als vielmehr um eine Konstante in der Geschichte der Kunst handelt, die seit jeher durch den Dialog zwischen neuen Technologien und künstlerischen Ausdrucksformen geprägt wird.
Ein DIMENSIONS-SYMPOSIUM fand parallel zur Ausstellung statt. Zu Gast waren namhafte Expertinnen und Experten aus den USA und Europa, die über Chancen und Gefahren von Künstlicher Intelligenz (KI) in Kunst und Gesellschaft diskutierten. Das Fazit der Expertinnen und Experten: 1. KI kann ein hilfreiches Werkzeug zur Gestaltung unserer Gesellschaft im Sinne einer erweiterten Intelligenz (engl. Augmented Intelligence im Unterschied zu Artificial Intelligence) werden, aber gleichzeitig auch ein hochgefährliches Werkzeug, um kriminelle Machenschaften in bisher nicht gekannter Weise zu ermöglichen.
Es ist mehr als dringend notwendig, zu regulieren. 2. KI simuliert, sie schafft nichts! KI hat kein eigenes Bewusstsein und keine eigene Agenda. Dennoch muss die Gesellschaft wachsam sein und den Umgang mit KI-Simulationen angemessen regulieren, da diese sich ständig und sehr schnell weiterentwickeln.
Dies ist eine globale Aufgabe, und in der EU ist die Ausarbeitung von Rechtsvorschriften bereits im Gange. Von entscheidender Bedeutung ist die Bildung. Die Gesellschaft muss die Funktionsweise der KI im Rahmen der digitalen Transformation besser verstehen und kennen lernen. 3. Die Kunst bleibt unabhängig und frei. KI-basierte Software kann ein weiteres, sehr effektives Werkzeug für Künstlerinnen und Künstler sein, aber sie wird Künstler und Autoren – menschliche Kreativität, Authentizität und Originalität – nicht ersetzen.
Die Ausstellung Dimensions– Digitale Kunst seit 1859 läuft noch bis zum 9. Juli 2023 und um noch mehr Menschen den Besuch der Ausstellung zu ermöglichen, entfällt ab dem 05. Juli 2023 der gesamte Eintrittspreis für alle Besucher*innen bis zum Ende der Ausstellungam 9. Juli 2023.
„Kunst wäscht den Staub des Alltags von der Seele“ – so poetisch hat Pablo Picasso eine tiefe Wahrheit in Worte gefasst. Mit dem Fest zur Festspieleröffnung wollen die Salzburger Festspiele SIE aus dem Alltag entführen.
Pressegespräch Salzburger Festspiele
Fest zur Festspieleröffnung
Im Bild Festspielpräsidentin Kristina Hammer und Renate Stelzl
Foto: Franz Neumayr 23.6.2023
An die Unsterblichkeit des Theaters glaubte schon der Festspielgründer Max Reinhardt. Es ist der seligste Zufluchtsort für jene, die ihre Kindheit heimlich in die Tasche gesteckt und sich damit auf den Weg gemacht haben, um bis an ihr Lebensende weiterzuspielen.
An die Unvergänglichkeit des Theaters, der Oper, der großen Kunstwerke glauben auch die Salzburger Festspiele. Zum 150. Geburtstag des großen Theatermagiers laden die Salzburger Festspiele wieder zu einem großen Fest für die Salzburger und ihre Gäste ein, um die Festspiele zu eröffnen. Die ganze Stadt wird wieder zur Bühne. Die Besucher*innen werden mit einem prall gefüllten Programm erwartet. Das Fest zur Festspieleröffnung wird am 22. und 23. Juli 2023 gefeiert.
Was wird geboten? Musik, Theater, Lesungen, Ausstellungen, Tanz und Gratisführungen an 31 Spielorten: Zwei Tage lang werden Salzburger*innen und Festspielgäste beim Eröffnungsfest auf den Festspielsommer eingestimmt.
Welches sind die Highlights?
2023 geht ein lang gehegter Wunsch in Erfüllung: Eine JEDERMANN-GALA mit hundert Schauspieler*innen vergangener Inszenierungen und einer Auswahl der aufgeführten Bühnenmusik der letzten 100 Jahre war für das Jubiläumsjahr 2020 geplant. Doch das Projekt fiel der Pandemie zum Opfer. Nun ist es so weit. Die Idee wurde in diesem Jahr wieder aufgegriffen. Für die Auswahl der Gustostückerl zeichnet sich Hannes Löschel, musikalischer Leiter der JEDERMANN-PRODUKTION und erfahrener Theaterkomponist und -arrangeur, verantwortlich.
Das Programm spannt den Bogen von den Anfängen der Salzburger Festspiele bis in die Gegenwart, in zeitgemäßen Adaptionen. Mirco Kreibich, Schuldknecht und Mammon aus der Produktion JEDERMANN 2023, führt durch das Programm.
Zurück in die Zeit Max Reinhardts führt das Ensemble der Wiener Philharmoniker mit Adela Frasineanu-Morrison (Violine), Benjamin Morrison (Violine), Elmar Landerer (Viola) und Wolfgang Härtel (Violoncello).
Im Gespräch mit dem Kulturjournalisten Hannes Eichmann in der Salzburg Kulisse lässt Festspielpräsidentin Kristina Hammer ihr erstes Festspieljahr Revue passieren, gibt Einblicke in ihr persönliches Salzburg und einen Ausblick auf die Pläne für die Zukunft.
Aber es gibt noch viel mehr zu erleben: Im Großen Saal der Stiftung Mozarteum findet ein Konzert mit dem Strauss Festival Orchester Wien unter der Leitung von Christoph Koncz statt.
Lukas Crepaz, kaufmännischer Direktor der Salzburger Festspiele, führt die Besucher*innen gemeinsam mit dem technischen Direktor Andreas Zechner hinter die Kulissen und gibt dabei Einblicke in die Häuser. Nebenbei wird das Großprojekt „Festspielbezirk 2030“ erläutert.
In neuem Gewand und mit inhaltlicher Weiterentwicklung präsentiert sich auch die Internationale Sommerakademie der Universität Mozarteum Salzburg.
Auch für Kinder und Jugendliche gibt es beim Eröffnungsfest der Festspiele viel zu entdecken, darunter die Abschlussaufführung des alljährlichen JEDERMANN-Camps im Max Schlereth-Saal der Universität Mozarteum und vieles mehr.
Ein weiterer volkskultureller Höhepunkt ist der berühmte Salzburger Fackeltanz, bei dem am Samstag, den 22. Juli 2023 von 22.30 Uhr bis 23.20 Uhr über 100 Paare der verschiedenen Brauchtumstanzgruppen aus Stadt und Land Salzburg mit ihren Fackeln 13 verschiedene Figuren in die Nacht zeichnen und so den Tag ausklingen lassen.
Der LandArt Künstler Carlos de Credo aus Spanien hat mich zur Veranstaltung “RECITAL 2 h antes del OCASO” eingeladen. Aus Zeitgründen kann ich der Einladung nicht folgen. Aber in unserer virtuellen Welt ist es heute kein Problem mehr, trotzdem eine kurze Information über dieses Konzert zu geben.
1.Carlos de Gredos. Desde mi corazón.2008-17 (002)
So mache ich nun einen digitalen Ausflug nach Spanien, genauer gesagt zum Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero. Das Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero ist ein interessantes Gebiet im Norden der Stadt Hoyocasero in der Provinz Ávila, 7 km von Venta del Obispo an der N-502 und 2,4 km vom Dorfplatz an der Camino Agrícola in Richtung Navaquesera entfernt.
Im Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero finden am 8. Juli 2023 um 19.52 Uhr Lesungen mit außergewöhnlichen Gedichten statt. Zum Abschluss gibt es ab 22:00 Uhr ein Konzert von Northwest. „RECITAL 2 h vor dem OCASO“ heißt die Veranstaltung.
Der Reisende, der hierherkommt, findet eine Vielzahl wunderschöner Naturwerke, geschaffen von LandART Künstlern, die er entdecken und genießen kann.
La cimbra. 2013. Carlos de Gredos (002)
Wenn der Künstler zum ersten Mal kommt, ist er nur ein weiterer Spaziergänger, er muss mit dem, was er sieht, in Dialog treten. Wenn er zuhört, wird er am Ende beschenkt, wie jeder andere Betrachter auch. Wir können also einen Buchstabenbogen mit einer verschlüsselten Botschaft finden, aber wir müssen daran denken, dass wir ohne die Wirkung der Zeit nicht diesen großen Riss finden würden, der es wert ist, auf den Gipfel des Hügels zu steigen, und so können wir die Abfolge der Werke erzählen.
Im Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero finden am 8. Juli 2023 um 19.52 Uhr Lesungen mit außergewöhnlichen Gedichten statt. Zum Abschluss gibt es ab 22:00 Uhr ein Konzert von Northwest. „RECITAL 2 h vor dem OCASO“ heißt die Veranstaltung.
Vortragende sind folgende Künstler*innen:
Asunción Escribano ist Dichterin und Journalistin aus Salamanca und Professorin für spanische Sprache und Literatur an der Fakultät für Kommunikation der Päpstlichen Universität von Salamanca.
Daniel Rabal Davidov (Madrid, 1998). Erzähler, Dichter und Musiker. Im Alter von 17 Jahren veröffentlichte er seinen ersten Roman mit dem Titel Las Brillantes Luces de la Ciudad (Amargord Ediciones, 2016) und nahm an den Buchmessen von Madrid, Soria und El Escorial teil.
Mónica Velasco. „Wir stehen vor einer originellen und vollendeten Stimme, sensibel und reif (…) Poesie als Entschleierung und Begegnung mit dem Hymnischen (…) Aus der Gestaltung dieses poetischen Zustands entsteht eine leuchtende Poesie, die von der Unermesslichkeit erhellt wird, wie Giuseppe Ungaretti in seinen bedeutungsvollen Versen bemerkte“.
Den Abschluss bildet das Pop-Duo NORTHWEST. Wer und was ist NORTHWEST? Das experimentelle Pop-Duo besteht aus dem Multiinstrumentalisten, Komponisten und Produzenten Ignacio Simón und der Komponistin, Produzentin und Sängerin Mariuca García-Lomas. Das Duo wurde 2015 in London gegründet, wo es bis 2022 lebte, bevor es 2023 nach Madrid zog.
Ihre Musik steht in der Tradition von Künstlern wie Mark Hollis, Julia Holter, Portishead oder Radiohead, was den ständigen Dialog zwischen Ausdruck und Experiment, zwischen elektronischen und orchestralen Texturen und die ständige Suche nach neuen Wegen zur Umsetzung ihrer Ideen betrifft. Sie bewegen sich in verschiedenen musikalischen Genres, von zeitgenössischer klassischer Musik bis hin zu Avantgarde-Elektronik, Psychedelic und Ambient. Seit ihren Anfängen haben Northwest verschiedene Medien als Teil ihres künstlerischen Ausdrucks erforscht.
Neben ihrer Arbeit für Northwest sind Ignacio und Mariuca sehr produktiv als Soundtrack-Komponisten, in ihren Soloprojekten und als Produzenten für andere Künstler.
Kurze Information über die Landschaft und die LandArt, die in diesem Centro zu sehen ist:
Javier Hernando Carrasco
„Die Natur, obwohl sie während seiner langen Evolution den existentiellen Rahmen des Menschen bildete, hat erst in jüngster Zeit sein Interesse wirklich zu wecken begann. Ich meine, dass, obwohl die die menschliche Entwicklung von der natürlichen Umwelt abhing, es gab kein Bewusstsein für den Wert und die Bedeutungen davon.“
In Cerro Gallinero wird eine neue Beziehung zwischen Menschen und Landschaft vorgeschlagen. Es werden Werke entwickelt, in denen der Künstler dieses Gebiet und seinen Kontext erkundet und für ihn arbeitet, wodurch er zum privilegierten Betrachter wird, zum Entdecker von Elementen und Empfindungen, die ohne diese Werke von den Einheimischen oft unbemerkt bleiben würden. Es geht darum, dieses Gebiet mit seinem unschätzbaren landschaftlichen Erbe aufzuwerten und verschiedenen Künstlern die Möglichkeit zu geben, den Eindruck, den es auf sie gemacht hat, festzuhalten.
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Ich schaute wieder über den Tellerrand hinaus und machte mich auf den Weg nach Australien in die GALLERY OF MODERN ART STANLEY PLACE, SOUTH BRISBANE QUEENSLAND, AUSTRALIEN.
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Die Gallery zeigt unter dem Titel „Beautiful Wickedness“ eine der bedeutendsten Ausstellungen mit Werken der bekannten australischen Künstlerin eX de Medici. Es ist die größte Ausstellung in der 40-jährigen Karriere von eX de Medici. Die Besucher*innen werden in das exquisite, dunkle Herz ihrer Praxis hineingezogen, die den Wert und die Zerbrechlichkeit des Lebens, globale Angelegenheiten, Gier und Kommerz sowie universelle Themen wie Macht, Konflikt und Tod erforscht.
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Die Künstlerin wurde am 12. April 1959 in Coolamon im Riverina District im Südwesten von New South Wales geboren, wuchs aber in Canberra auf. Sie besuchte die Canberra School of Art und kombinierte in ihrem Kunststudium Performance, Installation und Fotografie. 1988, während eines Aufenthalts in Melbourne, ließ sie sich ihr erstes Tattoo stechen, das sie dazu veranlasste, die nächsten 12 Jahre als Tätowiererin zu arbeiten. Sie erhielt ein Stipendium des Australian Council Overseas Development und ging bei einem Tätowierer in Los Angeles in die Lehre. In den 1990er Jahren begann sie mit der Ausstellung von Fotografien und Zeichnungen, die sie während ihrer Arbeit als Tätowiererin anfertigte.
Ihre detailreichen und technisch versierten, oft großformatigen Aquarelle ziehen den Betrachter in ihren Bann. Sie versuchen, die Schattenseiten des Konsumverhaltens und die weitreichenden Überwachungs- und Kontrollsysteme aufzudecken.
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In ihren Werken finden sich versteckte, aber scharfe Widerhaken, umgeben von üppigen Arrangements historischer und zeitgenössischer Embleme des Exzesses. eX de Medici ist eine Stimme des Dissenses in der australischen Kunstwelt. Ihre minutiösen Stillleben mit Totenköpfen, Helmen, Gewehren, Blumen und Insekten sind schön und hässlich zugleich und sollen den Betrachter mit Szenen von Macht, Gewalt, Korruption und Gier konfrontieren.
Im Jahr 1998 sah die Künstlerin eine Ausstellung über das Werk des botanischen Illustrators Ferdinand Bauer aus dem 19. Jahrhundert, die exquisiten Aquarelle der australischen Flora und Fauna zeigte, die Matthew Flinders (1801-1803) während seiner Umrundung des Kontinents gezeichnet hatte. De Medici erkannte, dass Bauers Geschick und Disziplin den Anforderungen des Tätowierens nicht unähnlich waren, und entschied sich für die Aquarellmalerei.
eX de Medici ist eine Künstlerin, die man sich auf jeden Fall merken sollte. Ihre Arbeiten sind immer bis ins kleinste Detail ausgearbeitet, so dass es sich lohnt, darüber nachzudenken.
Vom 24. Juni bis zum 2. Oktober 2023 wird die interessante Retrospektive „eX de Medici: Beautiful Wickedness“ mit über 100 Werken der berühmten Künstlerin und Tätowiererin aus Canberra in der Gallery of Modern Art in Brisbane zu sehen sein.
ist auf der weltgrößten Luft- und Raumfahrtmesse in Paris vertreten!
The „Salon International de l’Aéronautique et de l’Espace“ (SIAE) in Paris, Le Bourget is one of the world’s largest and most renowned trade shows for the aerospace industry. Photo: Isabel Schölmbauer / Ars Electronica Solutions
Ars Electronica ist weltweit bekannt und engagiert sich stark für die Zukunft. Diesmal gestaltet Ars Electronica den ESA Space Pavillon in Paris.
Eine der weltweit größten und renommiertesten Fachmessen der Luft- und Raumfahrtindustrie ist die „Salon International de l’Aéronautique et de l’Espace” (SIAE) in Paris, Le Bourget. Auf 125.000 Quadratmetern präsentieren diesmal 2.453 internationale Aussteller*innen ihre Produkte und Innovationen, darunter auch die European Space Agency, kurz ESA.
Impressions of ESA Space Pavilion / Ars Electronica Solutions Photo: Isabel Schölmbauer / Ars Electronica Solutions
Der Space Pavillon stellt die zentralen Aufgaben und Missionen der Europäischen Weltraumorganisation und wurde von Ars Electronica Solutions mitentwickelt. Die Präsentation kombiniert interaktive Elemente, Artefakte, Licht und Sound und eröffnet den Besucher*innen ein ebenso spannendes wie informatives Erlebnis. Die Internationale Pariser Luftfahrtausstellung findet vom 19. bis 25. Juni 2023 statt und ist zunächst für knapp 150.000 Fachbesucher*innen, ab dem 23. Juni 2023 dann auch für das breite Publikum geöffnet.
Impressions of ESA Space Pavilion / Ars Electronica Solutions Photo: Isabel Schölmbauer / Ars Electronica Solutions
Von „Space Safety“ (Weltraumsicherheit, Sicherheitsanwendungen und Cybersecurity) über „Applications“ (Telekommunikation, Erdbeobachtung und Navigation) bis hin zu „Enabling and Support“ (Technologie, Raumtransport und Betrieb) – der Space Pavillon bietet Einblicke in den Kosmos der Europäischen Weltraumorganisation.
Die vom Ars Electronica Solutions Team konzipierte Science Experience“ stellt alle aktuellen und zukünftigen Missionen interaktiv dar. Die Besucher*innen kreieren und erleben farbige Licht- und Klangwelten, die in ein zentrales Element münden, das für zukünftige ESA-Ambitionen steht.
Impressions of ESA Space Pavilion / Ars Electronica Solutions Photo: Isabel Schölmbauer / Ars Electronica Solutions
Highlight ist eine Linienanimation, die sich permanent durch den Raum bewegt und als programmiertes Vermittlungstool eingesetzt wird. Alle Auftragsarbeiten, die Ars Electronica Solutions für die ESA entwickeltund umsetzt, haben zum Ziel, Wissensvermittlung als immersives Erlebnis zu inszenieren. Sie sollen ein breites Publikum ansprechen, für komplexe Themen interessieren und die Bedeutung wissenschaftlicher Forschung für unsere Gesellschaft und Zukunft vermitteln.
Die Europäische Weltraumorganisation widmet sich der friedlichen Erforschung und Nutzung des Weltraums zum Wohle der Menschheit. Gegründet 1975, ist die ESA heute ein Zusammenschluss von 22 Staaten mit dem Ziel der Erweiterung der Grenzen von Wissenschaft und Technologie und der Förderung des Wirtschaftswachstums in Europa.
Ars Electronica Solutions konzipiert, gestaltet und realisiert interaktive und multisensorische Erlebnisse für temporäre und permanente öffentliche Ausstellungen, Markenlandschaften, Messen und Events. Seit Jahren arbeitet das Team für die ESA und wurde unter anderem mit der Konzeption und Umsetzung des interaktiven Besucherzentrums (Φ-Experience) am Earth Observation Site (ESRIN) in Frascati beauftragt.
Project Credits: ESA (ESRIN): Ralph Danner, Robert Meisner, Michele Martino, Emmanouil Lagoudakis, Maurizio della Fornace, Carsten Scheler, Aldo Damiani, Ivano Fusco DLR: Nils Sparwasser, Thorsten Andresen, Stefan Keim Ars Electronica Solutions: Klaus Dieterstorfer, Stefan Dorn, Harald Moser, Patrick Müller, Andreas Pramböck, Gerald Priewasser-Höller, Dominik Trichlin, Markus Wipplinger Extern: Garamantis Interactive Technologies, Ton & Bild, Thomas Ecker, Tischlerei Niedermayr, Glas&Co, Rupert Huber Foto Credits: Mario Pietravalle, Ars Electronica/Harald Moser
Der Space Pavillon in Le Bourget ist ein weiterer Baustein im Bereich der interaktiven Wissensvermittlung mit dem Schwerpunkt Wissenschaftskommunikation (Science Experience). Dieser Bereich der Ars Electronica Solutions zeichnet sich durch eine starke Vernetzung mit wissenschaftlichen Institutionen aus.
Ars Electronica gestaltet einmal mehr die Zukunft mit!
Gründer OSKAR KOKOSCHKA von der SCHULE DES SEHENS in Salzburg, feiert heuer sein 70-jähriges Jubiläum. Wer war Oskar Kokoschka? Er war ein österreichischer Graphiker, Bildhauer und Schriftsteller, geboren 1886 in Pöchlarn, verstorben 1980 in Montreux. (Österreich)
Er wurde als Sohn einer Prager Goldschmiedefamilie geboren. Er war der zweite Sohn des Kaufmanns Gustav Kokoschka und der Försters Tochter Maria Romana. Er besuchte zunächst die k.u.k. Staatsrealschule in Wien und ab 1905 die Wiener Kunstgewerbeschule. In dieser Zeit begann er mit der Ölmalerei und nahm 1909 erstmals an der Internationalen Wiener Kunstschau teil. Neben der Malerei betätigte er sich auch als Schriftsteller.
Kokoschkas Werk ist von einem psychologischen Expressionismus geprägt. 1953 gründete er die „Schule des Sehens“, die Internationale Sommerakademie für Bildende Kunst in Salzburg – die älteste ihrer Art in Europa – und ließ sich am Genfer See nieder. Neben Egon Schiele, Richard Gerstl und Max Oppenheimer zählt er zu den wichtigsten Vertretern des Expressionismus in Österreich.
Zurück ins 21. Jahrhundert und zur Internationalen Sommerakademie Salzburg, die sich heuer anlässlich des 70-jährigen Jubiläums der „Schule des Sehens“ zum Ziel gesetzt hat, unter dem Thema OK.oskar von April bis September 2023 in der Galerie Kunst im Traklhaus internationale Künstler*innen auszustellen, die sich aus feministischer, queerer, nicht-binärer Perspektive dem SEHEN heute in einem erweiterten Bildverständnis annähern.
Bis jetzt habe ich drei Ausstellungen besucht, über die ich an dieser Stelle kurz berichten möchte.
Die Ausstellung wurde von Ad Minoliti (geb. 1980) aus Buenos Aires eröffnet. Sie verbindet Ideen aus Kunst und Subkultur, Wissenschaft und Ethik zu einer Reflexion über die moderne Weltgestaltung. Ad Minoliti findet visuelle Alternativen zu einer Welt, die in Gegensätzen codiert ist: Natur und Kultur, Mensch und Maschine, Mann und Frau. In Wandmalereien aus geometrischen Formen und in Gemälden, die an Weltraummissionen oder Kinderspielzeug erinnern. Die Ausstellung wird zum Spielbrett, auf dem sich die Bilder und ihre Bezüge wie Definitionen ständig verschieben.
Die Arbeiten von Ad Minoliti knüpfen an die Kritik des Malers Kokoschka an, mit einer Perspektive der „erweiterten Malerei“, die sich von der Fläche in den Raum ausdehnt. Ihre Werke sind expressiv und die kräftigen Farben betonen die Elemente, die sie in verschiedene quadratische und runde Formen verpackt.
Die zweite Ausstellung fand Mitte Mai statt. Sie wurde bis zum 11. Juni 2023 gezeigt. Es war die Ausstellung von Mette Sterres (*1983, Delft/Niederlande). Die Verflüssigung von Körpern und die Verbindung ihrer Erscheinung mit neuen Technologien, die sich kulturellen Vorstellungen widersetzen, ist bei ihr eine permanente Wiederaneignung und Aufwertung von Körpern in technisch-sozialen Kontexten.
Die Künstlerin greift auf Ideen des Post-/Transhumanismus, des Queer/Feminismus und der Science-Fiction zurück. Sie macht deutlich, dass Körper schon immer mehr waren als nur substanzielle Masse (Fleisch).
Voluminöse Ganzkörperanzüge, 3D-gedruckte Figuren und die Verschmelzung unterschiedlicher Materialien wie Plastik und Öl mit dem menschlichen Körper zeigen eine Welt, in der Körper mit ihrer Umwelt in Beziehung gesetzt werden. Sie verweisen auf eine Zukunft jenseits des Anthropozentrismus.
Karol Radziszewski ist der dritte Teil der Ausstellungsreihe, die ich mir angesehen habe. Worum geht es in seiner Ausstellung? Es ist eine Spurensuche nach Georg Trakl und seinem Gedicht SEBASTIAN IM TRAUM. In Trakls Geburtshaus (heute Forschungs- und Gedenkstätte) spekuliert der Künstler über mögliche Geschichten und fehlende Artefakte im Archiv des österreichischen Dichters.
Der Künstler rekontextualisiert seinen Film MS 101 (2012) über eine imaginäre (nur in der Vorstellung existierende, nicht reale) Begegnung des Dichters mit dem Philosophen Ludwig Wittgenstein und dessen Geliebten David Pinsent.
Der Philosoph Wittgenstein kam 1914 als österreichischer Soldat nach Krakau, wo er Trakl treffen wollte, der dort als Sanitätsleutnant stationiert war. Da dieser kurz vor seiner Ankunft im Lazarett starb, bleibt nur zu erahnen, welche Anziehungskraft der Begegnung zugrunde lag.
Bittere Vorwürfe machte sich Kokoschka auch selbst, als er vom Tod seines Freundes Trakl erfuhr, dass er ihm nicht öfter geschrieben hatte: „Ich weiß, dass es oft so eine kleine Stärkung ist, die einen Menschen, der am Rande seiner seelischen Kräfte ist, wieder aufrichtet und den Ausschlag geben kann, dass der Körper es noch aushält.
Die Porträts dieser erfundenen Ménage-à-trois bilden zusammen mit der Ikone der Queer-Bewegung. Radziszewskis Arbeiten zeigen eine gewisse homoerotische Sichtweise. Die Porträts weisen auf eine expressive Malerei hin, die in kräftigen Farben gehalten ist. Was der Künstler auch gut rüberbringt, sind die Gesichtsausdrücke.
Der Künstler Karol Radziszewski (*1980, Białystok) widmet sich in seinen Recherchen und Arbeiten queeren Persönlichkeiten mit dem Ziel der Identifizierung von Leerstellen und Brüchen in kanonisierten Erzählungen, insbesondere in Osteuropa. Er ist auch als Herausgeber des DIK Fagazine (seit 2005) und als Gründer des Queer Archives Institute in Warschau (2015) bekannt. Die Ausstellung Sebastian im Traum in der Galerie Kunst im Traklhaus zeigt seine Arbeiten erstmals in Österreich.
Die Sommerszene Salzburg 2023 wurde am 12. Juni 2023 mit dem Tanzprojekt Olivier Dubois, der in COME OUT eröffnet.
Jedes Jahr werden nationale und internationale Künstler*innen nach Salzburg eingeladen, um dort ihre Kunst einem breiten Publikum zu präsentieren. Das Festival ist wieder mit 14 Produktionen vertreten und Salzburg wird wieder zu einer einzigen Bühne.
Aus den 14 Produktionen, die ich hier kurz beschreibe, wählte ich aus meiner Perspektive zwei Produktionen aus.
Den Auftakt gab, wie bereits erwähnt, Olivier Dubois, der in COME OUT ein physisches Get-together für 21 Tänzer*innen von SEAD.
Unvorbereitet sah ich mir dieses hypnotische Ballett für 21 Tänzer*innen an. Ich wusste nicht, worauf ich mich einließ. Die Sommerszene versprach ein choreografisches Meisterwerk zu werden.
Mein erster Gedanke bei diesem Ballett war zunächst die faszinierende Körperbeherrschung. Die Musik, ich glaube, es handelte sich um Elektro-Soundeffekte, die nach einer ½ Stunde den Nerv trafen, wummernd und immer im gleichen Rhythmus, dazu die immer gleichen Bewegungen der Balletttänzer*innen, die sich auch erst nach einer ¾ Stunde in andere Figuren bewegten. Man konnte seine Fantasie mit dieser Musik und den Tanzbewegungen spielen lassen. Man konnte alles Mögliche hineininterpretieren: Außerirdische, Roboter, Pflanzen oder Korallen, die sich immer im gleichen Rhythmus bewegten. Das ging eine ½ Stunde so, man wusste nicht, was ist die Botschaft? Dann kam eine unregelmäßige Dynamik ins Spiel, die Körper bewegten sich unterschiedlich in alle Richtungen. Es bildete sich auch eine Art Klumpen, der wie eine Kugel aussah. Dann bewegten sich die Körper wieder in die Ausgangsposition zurück, dazwischen ertönte Sprache und die Musik wurde extrem laut und der Rhythmus, wenn man das so sagen kann, nahm seinen Ausgangspunkt.
Nach der Aufführung musste ich erst im Programmheft nachlesen, worum es in diesem Tanzstück eigentlich ging: Ein zentrales Element des Stücks, das der Musiker Reich in den sechziger Jahren komponiert hatte, waren collagierte Sprachaufnahmen von jungen Afroamerikanern, die in einen Mord in Harlem verwickelt waren, der damals einen gesellschaftlichen Aufschrei auslöste.
In Erinnerung blieb aber eigentlich nur die Körperbeherrschung der Darsteller*innen, die dies in 50 Minuten durchzogen. Tanz zu verstehen ist oft schwierig, man muss sich wirklich mit der Materie auseinandersetzen, um die einzelnen Figuren zu verstehen. Nicht einfach!
Seit mehr als einem Jahrzehnt setzt Olivier Dubois starke Impulse in der zeitgenössischen Tanzszene. Mit einem Schwerpunkt auf theatralischen Elementen und einer starken Bühnenpräsenz des Ensembles ist sein Repertoire stilistisch breit gefächert.
MIET WARLOP „GHOST WRITER AND THE BROKEN HAND BREAK”
Eine Inszenierung von Miet Warlop, die ich unbedingt sehen wollte, wählte ich aus dem Bühnenprogramm aus. Es war eine Verschmelzung von Musik, Stimmen, Licht und Derwischtanz in GHOST WRITER and the BROKEN HAND BREAK. Es war eine hypnotische Show.
Leichter zu verstehen war für mich diese Tanzperformance. Es war eine Nachahmung der Tanzenden Derwische. Tanzende Derwische werden sie genannt, weil einer ihrer charakteristischen Riten, die Sema, aus kreisenden Bewegungen besteht, die einer bestimmten Symbolik folgen.
Miet Warlop ist international bekannt für ihr Stück GHOST WRITER and the BROKEN HAND BREAK. Mit diesem Stück entführte sie das Publikum in eine hypnotisierende Welt: eine westliche Version der Sufi-Derwische.
Drei Darsteller*innen drehten sich 45 Minuten lang unablässig im Kreis – eine Bewegung, die bei Sufi-Zeremonien einen Zustand religiöser Ekstase auslöst. Die titelgebende Handbremse, die nicht mehr funktioniert, kann ein klassisches Albtraummotiv sein: nicht anhalten können, auf eine Katastrophe zusteuern. Sie kann aber auch ein Synonym dafür sein, sich frei zu fühlen und sich ohne Hemmungen vorwärtszubewegen.
Miet Warlop GHOST WRITER Foto:_Reinout_Hiel
Ghost Writer and the Broken Hand Break ist ein schwindelerregendes Wahrnehmungsexperiment, ein Hybrid aus wirbelndem Tanz, Musik und Licht, das sich auf dem schmalen Grat zwischen Kontrolle und Kontrollverlust bewegt.
Miet Warlop hat multimediale Kunst an der Koninklijke Academie voor schone Kunsten in Gent studiert und arbeitet in Gent, Berlin und Brüssel. Ihr Ziel ist oft die Entführung des Publikums in surreale Welten und Experimente mit der Wahrnehmung.
Ich freue mich schon auf ein weiteres Spektakel der Sommerszene und das wird die Abschlussparade Salzburg am 24. Juni 2023 in der Salzburger Altstadt sein.
Inszeniert von der italienischen Künstlerin Marinella Senatore mit dem Projekt THE SCHOOL OF NARRATIVE DANCE. Eine Stadt in Bewegung: In dem Gemeinschaftsprojekt THE SCHOOL OF NARRATIVE DANCE lädt die vielbeachtete italienische Künstlerin Marinella Senatore Tänzerinnen und Tänzer, Musikerinnen und Musiker, Chöre, Bands, Blaskapellen, Vereine und Einzelpersonen von jung bis alt ein, an einer Stadtchoreografie mitzuwirken.
Senatore geht es nicht nur darum, soziale Prozesse anzustoßen, sondern auch darum, Begriffe wie Öffentlichkeit und soziale Verantwortung in Frage zu stellen, alternative Erzählformen zu finden und letztlich durch gemeinsames Handeln ein kollektives Gedächtnis zu generieren.
Eine zentrale Figur der zeitgenössischen italienischen Kunst ist Marinella Senatore. Sie studierte an der Akademie der Schönen Künste in Neapel, am Konservatorium für Musik und an der Nationalen Filmschule in Rom.
Kurzer Rückblick zur SZENE Salzburg:
Seit mehr als 50 Jahren ist die SZENE Salzburg einer der wichtigsten Kulturveranstalter der Stadt. Das multifunktionale Haus am Anton-Neumayr-Platz bietet an mehr als 100 Tagen ein Programm, das zeitgenössischen Tanz, Sprechtheater, Performances, Kabarett, Konzerte, Lesungen usw. sowohl von internationalen als auch von lokalem Künstler*innen präsentiert. Seit einigen Jahren beschäftigt sich die SZENE auch intensiv mit dem Thema Nachhaltigkeit in Kulturbetrieben.
linossiartstory 
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